Wie entstehen Gemeinschaften durch Rituale – und wann werden aus kollektiven Traditionen Mechanismen von Ausgrenzung, Kontrolle oder Gewalt? Mit ihrer Einzelausstellung „Temper“ im Kunsthaus Hamburg untersucht die Künstlerin Yalda Afsah das Spannungsverhältnis zwischen Zugehörigkeit, Macht und körperlicher Erfahrung. Erstmals werden ihre drei Filmarbeiten „JARRAMPLAS“, „PAN“ und „HEAT“ gemeinsam präsentiert. Sie führen das Publikum zu Ritualen in Spanien, Bulgarien und Taiwan und zeigen, wie eng Spiritualität, gesellschaftliche Ordnung und kollektive Emotionen miteinander verbunden sein können.

Yalda Afsah im Kunsthaus Hamburg: Rituale als Ausdruck gesellschaftlicher Macht

Rituale gehören zu den ältesten Formen menschlichen Zusammenlebens. Religiöse Zeremonien, saisonale Feste und traditionelle Übergangsriten schaffen Gemeinschaft, vermitteln kulturelle Identität und strukturieren gesellschaftliche Beziehungen. Doch gemeinschaftsstiftende Praktiken haben auch eine widersprüchliche Seite. Sie können soziale Grenzen festlegen, individuelle Verhaltensweisen regulieren und Formen kollektiver Aggression ermöglichen. Mit diesen Gegensätzen beschäftigt sich die Künstlerin Yalda Afsah in ihrer Ausstellung „Temper“ im Kunsthaus Hamburg.

Ihre Filme untersuchen Rituale als körperliche und soziale Choreografien. Im Mittelpunkt stehen Menschen, deren Bewegungen, Handlungen und Reaktionen durch überlieferte Abläufe miteinander verbunden sind. Dabei geht es nicht nur um die dokumentarische Darstellung kultureller Traditionen. Afsah hinterfragt auch die Machtverhältnisse und gesellschaftlichen Regeln, die sich in solchen Praktiken ausdrücken.

„JARRAMPLAS“: Kollektive Aggression bei einem Ritual in Spanien

Die Filmarbeit „JARRAMPLAS“ führt in das spanische Bergdorf Piornal in der Region Extremadura. Dort findet alljährlich ein traditionelles Fest statt, bei dem eine maskierte Figur, der sogenannte Jarramplas, durch die Straßen zieht und von den Teilnehmenden mit Rüben beworfen wird. Das Ritual verbindet Elemente eines Volksfestes mit einer körperlich intensiven Form kollektiver Auseinandersetzung.

In ihrer filmischen Untersuchung richtet Yalda Afsah den Blick auf das Verhältnis zwischen der maskierten Person, der Menschenmenge und den Zuschauenden. Dabei wird sichtbar, wie sich gemeinschaftliche Begeisterung und Aggression innerhalb eines festgelegten kulturellen Rahmens entfalten können. Der Film wirft Fragen nach den Grenzen zwischen freiwilliger Teilnahme, sozialem Druck und kollektiv ausgeübter Gewalt auf.

„PAN“: Spiritualität und Körperdisziplin im bulgarischen Rila-Gebirge

In „PAN“ beschäftigt sich Afsah mit einer Ritualpraxis im bulgarischen Rila-Gebirge. Die Filmarbeit untersucht das Zusammenspiel von Spiritualität, Körperbewegung und Gemeinschaft. Im Mittelpunkt steht eine kollektive Choreografie, in der individuelle Handlungen Teil eines größeren gemeinschaftlichen Ablaufs werden. Wiederholungen, Bewegungsrhythmen und körperliche Disziplin prägen das Geschehen.

Die filmische Beobachtung macht deutlich, wie Rituale Zugehörigkeit erzeugen können, indem sie Menschen in gemeinsame Handlungsformen einbinden. Zugleich stellt die Arbeit die Frage, welche Erwartungen und Regeln mit solchen gemeinschaftlichen Erfahrungen verbunden sind. Damit erweitert „PAN“ die Auseinandersetzung mit Ritualen um die Beziehung zwischen persönlicher Erfahrung und kollektiver Ordnung.

„HEAT“: Taiwanesisches Handan-Feuerwerksfestival erstmals im institutionellen Kontext

Die jüngste Arbeit der Künstlerin trägt den Titel „HEAT“ und widmet sich dem Handan-Feuerwerksfestival in Taiwan. Bei dem religiösen Brauch steht eine Person, die den Gott Handan verkörpert, im Mittelpunkt einer Zeremonie, bei der Feuerwerkskörper in unmittelbarer Nähe gezündet werden. Das Ritual ist mit Vorstellungen von spiritueller Reinigung, Glauben und Mut verbunden.

Afsah untersucht die intensive körperliche Erfahrung dieser Zeremonie und die Dynamik zwischen der zentralen Figur und den übrigen Beteiligten. Lichtblitze, explosive Geräusche und die unmittelbare Nähe der Menschen erzeugen eine außergewöhnliche Atmosphäre. Der Film zeigt, wie religiöse Überzeugungen, körperliche Belastung und kollektive Begeisterung ineinandergreifen. Mit „HEAT“ präsentiert die Künstlerin ihre neueste Filmarbeit erstmals in einem institutionellen Ausstellungskontext.

Drei Filme aus Spanien, Bulgarien und Taiwan im Dialog

Eine Besonderheit von „Temper“ ist die gemeinsame Präsentation der drei Filmarbeiten. Obwohl die untersuchten Rituale aus unterschiedlichen geografischen und kulturellen Zusammenhängen stammen, beschäftigen sie sich mit ähnlichen gesellschaftlichen Fragen.

In allen drei Arbeiten stehen gemeinschaftliche Handlungen im Mittelpunkt, bei denen individuelle Körper Teil eines übergeordneten Ablaufs werden. Die Filme zeigen unterschiedliche Formen der Beziehung zwischen Ritual, Zugehörigkeit und Macht. Während „JARRAMPLAS“ die Ambivalenz kollektiver Aggression untersucht, konzentriert sich „PAN“ auf Spiritualität und körperliche Disziplin. „HEAT“ verbindet religiöse Hingabe mit einer intensiven körperlichen Grenzerfahrung.

Durch die Gegenüberstellung werden sowohl Gemeinsamkeiten als auch Unterschiede der jeweiligen Praktiken erkennbar. Die Ausstellung lädt dazu ein, Rituale nicht ausschließlich als Ausdruck kultureller Tradition zu betrachten, sondern auch ihre gesellschaftlichen Funktionen kritisch zu hinterfragen.

Yalda Afsahs künstlerische Perspektive auf Macht und Gemeinschaft

Yalda Afsah arbeitet mit filmischen Mitteln an der Schnittstelle zwischen dokumentarischer Beobachtung und künstlerischer Untersuchung. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit der Frage, wie Machtverhältnisse in menschlichen Beziehungen und körperlichen Handlungen sichtbar werden. Dabei nimmt die Künstlerin eine Perspektive ein, die Nähe zu den Beteiligten mit kritischer Distanz verbindet.

In „Temper“ richtet sich ihr Interesse insbesondere auf die Momente, in denen gemeinschaftliche Praktiken zwischen freiwilliger Teilnahme, sozialer Erwartung und körperlicher Belastung oszillieren. Die Filme liefern keine einfachen Antworten auf die Frage, ob Rituale Gemeinschaft fördern oder gesellschaftliche Kontrolle verstärken. Stattdessen machen sie sichtbar, dass beide Aspekte gleichzeitig vorhanden sein können.

Kunsthaus Hamburg zeigt „Temper“ – kuratiert von Anna Nowak

Die Ausstellung wird von Anna Nowak kuratiert. Mit der Präsentation der drei Filme widmet sich das Kunsthaus Hamburg einem Themenkomplex, der sowohl kulturwissenschaftliche als auch gesellschaftspolitische Fragen berührt.

Die Arbeiten untersuchen, wie Menschen durch gemeinsame Handlungen Zugehörigkeit erfahren und welche Spannungen dabei entstehen können. Dabei steht die körperliche Dimension der Rituale im Vordergrund: Bewegungen, Geräusche, Nähe und intensive Emotionen werden zu wesentlichen Bestandteilen der filmischen Erzählung. „Temper“ zeigt Rituale als gegenwärtige kulturelle Praktiken, in denen Tradition, Identität, Macht und Gemeinschaft auf unterschiedliche Weise miteinander verbunden sind.

Yalda Afsah: Deutsch-iranische Künstlerin und Filmemacherin

Yalda Afsah wurde 1983 in Berlin geboren. Sie studierte unter anderem an der Universität der Künste Berlin, an der Burg Giebichenstein in Halle und am California Institute of the Arts. Ihre Arbeiten wurden bei internationalen Filmfestivals und in zahlreichen Kunsteinrichtungen präsentiert. Seit 2025 ist sie Professorin für Zeitbezogene Medien an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Sie lebt und arbeitet in Berlin.

Yalda Afsah, Temper, Kunsthaus Hamburg 2026, © VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Video: Lashproduction

Mehr unter: kunsthaushamburg.de/

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Im Podcast DAS IST KUNST spricht Jumoke Olusanmi mit Künstlerinnen, Kuratorinnen und Expert*innen rund um die aktuellen Ausstellungen in den Deichtorhallen Hamburg. In den Shorties beantworten Julia Schulze Darup und Matthias Schönebäumer die wichtigsten Fragen rund um euren Ausstellungsbesuch.

Vorgestellte Künstler und Themenschwerpunkte (Auswahl)

I. Fotografie und Gesellschaft

Ein zentraler Fokus des Podcasts liegt auf der zeitgenössischen Fotografie und ihrer Rolle als Spiegel und Kommentator globaler und sozialer Entwicklungen.

• Philip Montgomery (Ausstellung AMERICAN CYCLES): Der mexikanisch-amerikanische Fotograf dokumentiert in Schwarz-Weiß-Aufnahmen weltbewegende US-Ereignisse der letzten Jahre – von der Black-Lives-Matter-Bewegung über die Covid-Pandemie bis zu politischen Konflikten. Sein Stil ist durch das Einfangen intimer, ungeschönter und dramatischer Momente gekennzeichnet.
• Ken Schles: Der amerikanische Fotograf beleuchtet das Leben in der New Yorker Subkultur der frühen 80er-Jahre, insbesondere die AIDS-Krise und die Gentrifizierung, wie in seinem wegweisenden Buch Invisible City.
• Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe und Philip-Lorca DiCorcia (Ausstellung HIGH NOON): Die Folge widmet sich der intimen Dokumentation der New Yorker Subkultur der 80er-Jahre, die Themen wie Liebe, Verfall, Sucht und AIDS aufgreift.
• Lea Greub: Die Fotojournalistin konzentriert sich auf soziopolitische und queer-feministische Themen in Europa, wobei das Konzept von „Grenzen“ – sei es in Belfast oder in Georgien (No Georgian Dream) – immer wieder eine Rolle spielt.
• Andrea Orejarena & Caleb Stein (Ausstellung TACTICS AND MYTHOLOGIES): Das Duo befasst sich mit dem Verhältnis von Fakt und Fiktion im digitalen Zeitalter. Sie thematisieren virale Verschwörungstheorien und Desinformationen durch einen fotografischen Roadtrip entlang vermeintlicher „Glitches“ der Realität.
• Claudia Andujar: Die brasilianische Fotografin und Aktivistin wird für ihren jahrzehntelangen Kampf um die Rechte der indigenen Yanomami im brasilianischen Amazonas gewürdigt.
• Kathrin Linkersdorff: In ihren wissenschaftlich inspirierten Fotografien enthüllt sie die mikroskopischen Strukturen von Blumen im Moment des Zerfalls, wobei sie sich mit den Konzepten der Vergänglichkeit und dem japanischen Wabi-Sabi auseinandersetzt.
• Die Walther Collection (INTO THE UNSEEN): Die Ausstellung thematisiert die Möglichkeit, sich Fotografien über den reinen Sehsinn hinaus multisensorisch – fühlend, hörend, riechend – zu nähern.
• Mark Sealy ist 2026 künstlerischer Leiter der 9. Triennale der Photographie. Mit Jumoke Olusanmi spricht Mark Sealy über seine frühen Jahre im London der 1980er-Jahre, wie die Musik sein politisches Bewustsein geprägt hat und über seine Pläne für die diesjährige Triennale der Photographie in Hamburg.
• Inspiriert vom außergewöhnlichen Leben und Werk der surrealistischen Fotografin und Schriftstellerin Claude Cahun (1894–1954) untersucht die Ausstellung Inner Mornings, or Forms of Counterculture, wie zeitgenössische Kunst Geschichten des Widerstands erzählt und Formen kultureller Gegenbewegung sichtbar macht. Gegenkultur wird dabei als eine Praxis verstanden, die dazu anregt, im Hier und Jetzt aktiv zu handeln und unsere Beziehung zur Welt kritisch zu hinterfragen.
• Im Podcast spricht Abdulhamid Kircher über traumatische Familienbeziehungen, Fotografie als Obsession und sein Buch New Genesis.
• Im Podcast spricht Akosua Viktoria Adu-Sanyah über ihre Arbeit in der Dunkelkammer, darüber, wie ihre eigene Familiengeschichte sie inspiriert hat, und darüber, welche Rolle die Malerei dabei spielt.

II. Malerei, Skulptur und Medienreflexion

Dieser Bereich beleuchtet Künstler, die sich mit dem Medium Malerei, dem Raum und der Mediengesellschaft auseinandersetzen.

• Katharina Grosse (Ausstellung WUNDERBILD): Die Künstlerin ist bekannt für ihre radikale, raumgreifende Malerei, die über Architekturen und Landschaften hinweggeht und die Halle für aktuelle Kunst in ein umfassendes Kunstwerk verwandelt, das Malerei, Skulptur und Architektur verbindet.
• Franz Gertsch (Ausstellung BLOW-UP): Der 2022 verstorbene Schweizer Künstler gilt als Pionier des Fotorealismus und Meister des modernen Holzschnitts. Die Retrospektive zeigte seine überdimensionalen Gemälde der Jugend- und Musikszene der 70er-Jahre.
• Jonathan Meese: Als „Entfant Terrible der Kunst“ diskutiert Meese seine anarchische, provokante Malerei und seine Forderung nach der „Diktatur der Kunst“, wobei er sich entschieden gegen politische Ideologie ausspricht.
• Britta Thie (Ausstellung STUDIO): Ihre Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Malerei, Film und digitalen Medien. Sie thematisiert die Ästhetik der mediatisierten Welt, indem sie hyperrealistisch gemalte Geräte von Filmsets zu Hauptdarstellern macht.
• Sarah Morris: Die Filmemacherin und Künstlerin abstrahiert in akribischen Gemälden urbane Architekturen und Machtverhältnisse internationaler Metropolen zu Mustern und Strukturen.
• Martin Eder: Der Berliner Künstler spielt bewusst mit Kitsch, Trash und Groteske, wobei seine Ölgemälde – oft in altmeisterlichem Gestus mit schrillen Farben – Motive aus Popkultur und sozialen Netzwerken aufgreifen.

III. Identität, Körper und Strategien des Überlebens

Mehrere Folgen untersuchen Fragen der Identität, des Körpers in gesellschaftlichen Räumen und Strategien für die Zukunft.

• Huguette Caland (Ausstellung A LIFE IN A FEW LINES): Die libanesische Künstlerin erforscht in ihrem vielseitigen Werk Formen der Selbstfindung in Bezug auf Themen wie Gemeinschaft, Liebe, Körperlichkeit und die Suche nach Identität.
• Moshtari Hilal (Autorin und Kuratorin): Die Künstlerin beschäftigt sich in ihren Arbeiten und in ihrem Buch Hässlichkeit kritisch mit Körperbildern, Schönheitsidealen und dem Alltag migrantischer Familien. Sie wurde für ihre Arbeit mit dem Hamburger Literaturpreis ausgezeichnet.
• Ausstellung STATES OF REBIRTH: Die Schau beleuchtet die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung und gesellschaftlichen Strukturen. Der Körper wird als Träger von Machtstrukturen, aber auch als Werkzeug der Selbstermächtigung und Transformation betrachtet.
• Cindy Sherman: Die erfolgreiche US-Fotografin inszeniert sich selbst in vielfältigen Rollen, um Schönheitsideale, Stereotypen und Gender zu hinterfragen.
• Ausstellung SURVIVAL IN THE 21st CENTURY: In dieser thematischen Ausstellung bieten rund 40 Künstler*innen mögliche Antworten auf die Frage, wie wir im 21. Jahrhundert überleben wollen, und verwandeln das Haus in einen Lernraum für die Zukunft (School of Survival).
• Ashley Hans Scheirl und Jakob Lena Knebl: Das österreichische Duo inszeniert opulente „Begehrensräume“, die Kunstgeschichte, Pop und Camp vereinen. Im Zentrum steht der Begriff „Trans“ in Bezug auf Identitäten, Gender und Medien.

IV. Weitere Künstler und Themen

• Daniel Spoerri (Ausstellung ICH LIEBE WIDERSPRÜCHE): Eine Retrospektive und ein Gespräch mit Galerist Thomas Levy beleuchten das Werk des Schweizer Künstlers, der als wichtiger Vertreter des Surrealismus und der Pop Art sowie für die Rolle des Zufalls in seinem Werk bekannt ist.
• Tom Sachs: Der US-Künstler thematisiert mit seinen spektakulären Weltraummissionen aus Sperrholz und Heißkleber (Space Programs) Konsumverhalten, Technologie-Gläubigkeit und Markenkult.
• Omer Fast: Der israelische Videokünstler verwebt in seinem Film August das Werk des Fotopioniers August Sander mit einer dramatischen, surrealen Erzählung über Erinnerung und Vergangenheit.
• gute aussichten 2023/24/25: Eine Schau der Preisträger*innen des renommierten Nachwuchspreises für Fotografie, die neue künstlerische Perspektiven auf das Medium präsentieren.
• Rocko Schamoni: Der Künstler und Musiker aus der Hamburger Subkultur ist im Gespräch über die Ausstellung Ernsthaft?! Albernheit und Enthusiasmus in der Sammlung Falckenberg.
• Huguette Caland: Die libanesische Künstlerin machte ihr Leben zum Ausgangspunkt ihrer Kunst. In ihrem vielseitigen Werk aus Gemälden, Zeichnungen, Skulpturen, Collagen, Textilien und Texten, erforscht sie Formen der Selbstfindung in Beziehung zu anderen.

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Die Ausstellung „Von Monet bis Picasso. Jüdische Kunstsammler in Deutschland“ im Bucerius Kunst Forum Hamburg richtet den Blick auf einen bislang vielfach übersehenen Teil der deutschen Kunstgeschichte. Im Mittelpunkt stehen 15 bedeutende Kunstsammlungen deutscher Jüdinnen und Juden vor 1945 und die Menschen, die mit ihrer Sammeltätigkeit die Entwicklung der modernen Kunst in Deutschland maßgeblich unterstützten.

Rund 100 Gemälde, Grafiken und Skulpturen führen durch die Zeit vom Realismus und Impressionismus über den Expressionismus bis zur Neuen Sachlichkeit. Werke von Künstler wie Claude Monet, Pablo Picasso, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paula Modersohn-Becker und Ernst Ludwig Kirchner treffen dabei auf die Lebensgeschichten ihrer einstigen Besitzer.

Fünfzehn Sammlungen und ihre Geschichten

Die Ausstellung rekonstruiert die Sammlungen von 15 Familien, Paaren und Einzelpersonen aus unterschiedlichen Teilen des damaligen Deutschen Reiches. Zu ihnen gehören unter anderem die Familie Hirschland, Paul und Clothilde Schüler, Martha und Walter Blank, Max Meirowsky, Rosa Schapire und Margarete Mauthner.

Die Kunstwerke, die einst zu ihren Sammlungen gehörten, sind heute über Museen und private Bestände auf der ganzen Welt verstreut. Für die Ausstellung wurden zahlreiche Werke wieder zusammengeführt.

Jeder Sammlung ist ein eigener Raum gewidmet. Dort treten die Kunstwerke mit historischen Dokumenten, Fotografien und persönlichen Geschichten der Sammler in Beziehung.

Jüdische Sammler als Förderer der Moderne

Die Ausstellung macht deutlich, welche wichtige Rolle jüdische Kunstsammler für die Etablierung moderner Kunst in Deutschland spielten.

Während die offizielle Kunstpolitik des Kaiserreichs noch lange von konservativen Vorstellungen geprägt war, begegneten viele jüdische Sammler neuen künstlerischen Strömungen mit großer Offenheit. Sie erwarben Werke moderner Künstler, unterstützten Galerien und Künstler und engagierten sich in Museen, Kunstvereinen und Publikationen.

Ihre Bedeutung ging damit weit über den privaten Kunstbesitz hinaus. Durch Mäzenatentum und kulturelles Engagement trugen sie dazu bei, neue Kunstformen gesellschaftlich bekannt und akzeptiert zu machen.

Von Impressionismus bis Expressionismus

Die Ausstellung präsentiert ein breites Panorama der klassischen Moderne. Zu sehen sind unter anderem Werke von Georges Braque, Paul Cézanne, Lovis Corinth, Vincent van Gogh, Ferdinand Hodler, Franz Marc, Paula Modersohn-Becker, Claude Monet, Edvard Munch, Max Pechstein, Pablo Picasso, Camille Pissarro und Karl Schmidt-Rottluff.

Ergänzt werden Gemälde durch Zeichnungen, Druckgrafiken, Künstler und Skulpturen.

Die Gegenüberstellung macht sichtbar, welche unterschiedlichen Interessen und Vorlieben hinter den einzelnen Sammlungen standen – und wie individuell sich die Sammler mit der Kunst ihrer Zeit auseinandersetzten.

Verfolgung, Enteignung und Zerschlagung der Sammlungen

Ein zentraler Bestandteil der Ausstellung ist die Geschichte der Verfolgung jüdischer Sammler während der Zeit des Nationalsozialismus.

Nach der Machtübernahme 1933 wurden zahlreiche Menschen ausgegrenzt, entrechtet, enteignet und zur Flucht ins Exil gezwungen. Andere wurden deportiert und ermordet.

Auch die Kunstsammlungen wurden systematisch unter Druck gesetzt. Zwangssteuern, Vermögenssperren, Ausreiseverbote und Devisenauflagen konnten jüdische Sammler dazu zwingen, Teile oder den gesamten Kunstbesitz aufzugeben.

Was geschah mit den Kunstwerken?

Mit der Zerschlagung der Sammlungen begann für viele Kunstwerke eine jahrzehntelange Reise. Netzwerke aus Kunsthändler, Museen, staatlichen Akteur und internationalen Käufer waren an den Verwertungsprozessen während der NS-Zeit beteiligt.

Nach 1945 gelangten die Werke in private und institutionelle Sammlungen auf der ganzen Welt. Ihre Herkunftsgeschichte war teilweise nicht mehr bekannt oder wurde bewusst verschleiert.

In einigen Fällen konnten jüdische Familien ihren Kunstbesitz hingegen über die Zeit des Nationalsozialismus retten.

Restitution und Erinnerungskultur

Die Ausstellung verbindet kunsthistorische Forschung mit der Auseinandersetzung um Provenienz, Enteignung und Erinnerungskultur.

Dabei geht es nicht nur um die Frage, wo sich ein bestimmtes Kunstwerk heute befindet. Ebenso wichtig ist die Erinnerung an die Menschen, die es einst besaßen, sammelten und förderten.

Die aufwändige Recherche für die Ausstellung zeigt, dass viele jüdische Sammler, deren Tätigkeit eng mit der Entwicklung der deutschen Moderne verbunden war, heute nur noch Fachleuten bekannt sind.

„Von Monet bis Picasso“ möchte diese Persönlichkeiten und ihre kulturelle Leistung wieder stärker ins öffentliche Bewusstsein rücken.

15 Sammler und Sammlungen im Überblick

Im Zentrum der Ausstellung stehen:

• Adolf und Luise Bensinger, Mannheim
• Martha und Walter Blank, Köln
• Max Emden, Hamburg
• Familie Hirschland, Essen
• Wilhelm Landmann, Mannheim
• Antonie und Ernst Lessing, Berlin
• Margarete Mauthner, Berlin
• Max Meirowsky, Köln
• Familie von Mendelssohn, Berlin
• Hugo und Martha Nathan, Frankfurt am Main
• Margarete Oppenheim, Berlin
• Rosa Schapire, Hamburg
• Clothilde und Paul Schüler, Bochum
• Max Silberberg, Breslau
• Alfred Wolf, Stuttgart

Drei Hamburger Ausstellungen zur jüdischen Geschichte

Parallel zu „Von Monet bis Picasso“ widmen sich in Hamburg zwei weitere Ausstellungen jüdischer Geschichte und Erinnerung.

Das MARKK zeigt vom 28. August 2026 bis 27. Juni 2027 die Ausstellung „Zuschreibung: Jüdisch – Fragen an die Geschichte des MARKK“. Im Mittelpunkt stehen Objektgeschichten und Biografien rund um die als verschollen geltende Sammlung der Hamburger Gesellschaft für jüdische Volkskunde.

Das Altonaer Museum beschäftigt sich vom 12. November 2026 bis 5. Juli 2027 mit „Menschen & Orte. Hamburgs jüdische Geschichte“. Die Ausstellung beleuchtet jüdisches Leben in Hamburg in Geschichte und Gegenwart und fragt nach Zugehörigkeit, Identität und Ausgrenzung.

Gemeinsam eröffnen die drei Ausstellungen unterschiedliche Perspektiven auf jüdische Geschichte, Kultur und Erinnerung in Hamburg.

Kunstgeschichte und Erinnerung miteinander verbunden

„Von Monet bis Picasso. Jüdische Kunstsammler in Deutschland“ erzählt damit nicht allein die Geschichte bedeutender Kunstwerke. Die Ausstellung macht sichtbar, wie eng Kunst, gesellschaftliches Engagement, jüdische Geschichte und die Verfolgung im Nationalsozialismus miteinander verbunden sind.

Die Ausstellung wurde von Stefan Koldehoff und Dr. Kathrin Baumstark konzipiert und kuratiert. Sie steht unter der Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier und wird durch die Kulturstiftung des Bundes sowie durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien gefördert.

Mehr unter: hwww.buceriuskunstforum.de

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Im Archäologischen Museum Hamburg führt Prof. Dr. Rainer-Maria Weiss, Direktor des Hauses, persönlich durch die Ausstellung „Abenteuer Archäologie“. Auf diesem besonderen Rundgang erhalten die Besucher*innen exklusive Einblicke in die Präsentation von rund 45.000 Jahren Menschheitsgeschichte.

Weiss zeigt, wie das AMH archäologische Funde auf kreative Weise inszeniert und komplexe historische Zusammenhänge verständlich vermittelt. Dabei werden nicht nur zentrale Objekte hervorgehoben, sondern auch die konzeptionellen Ideen hinter der Ausstellung erläutert.

Die Führung bietet die Gelegenheit, die Dauerausstellung aus der Perspektive des Direktors kennenzulernen – und verdeutlicht, wie lebendig Archäologie im Museum erlebbar gemacht werden kann.

Weitere Informationen: amh.de

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Gilbert & George, Valie Export, John Bock – eine neue INTRO-Folge aus der Sammlung Falckenberg Hamburg erklärt, wie Humor und Schock in der Kunst als Mittel des Widerstands funktionieren.

Eine Frage, die viele beschäftigt

Warum machen Künstlerinnen und Künstler Werke, die wir auf den ersten Blick nicht verstehen? Die auf den ersten Blick irritieren, absurd wirken oder schlicht verstören? Malin Heinecker geht dieser Frage in einer neuen INTRO-Folge aus den Deichtorhallen Hamburg nach – und gibt eine überraschend klare Antwort: Absurdität ist kein Fehler, sondern eine Strategie.

Humor und Schock als Mittel des Widerstands

In der Ausstellung „Inner Mornings, or Forms of Counterculture” hat Heinecker drei Positionen genauer unter die Lupe genommen: Gilbert & George, Valie Export und John Bock. Drei sehr unterschiedliche künstlerische Ansätze – und doch verbindet sie eine gemeinsame Logik. Humor, Provokation und Schock werden gezielt eingesetzt, um Konventionen zu unterlaufen, gesellschaftliche Normen zu hinterfragen und Räume für andere Denkweisen zu öffnen.

Gegenkultur als künstlerische Haltung

Die Ausstellung und die INTRO-Folge machen deutlich: Was auf den ersten Blick unverständlich wirkt, ist oft das Gegenteil von beliebig. Die Irritation ist gewollt – sie ist der Moment, in dem Kunst ihre eigentliche Arbeit beginnt. Gegenkultur braucht den Widerstand des Unerwarteten.

Mehr unter: deichtorhallen.de

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Ein Jubiläum mit politischer Botschaft

Die Stiftung Bauhaus Dessau feiert das 100. Jubiläum des Bauhauses in Dessau – und die Kulturminister-Konferenz nutzt diesen Anlass für eine deutliche politische Aussage. In ihrer gemeinsamen „Dessauer Erklärung” (pdf) bekräftigen die Kulturministerinnen, -minister und -senatoren aller Bundesländer ihren Beschluss zur Freiheit der Kunst aus dem März 2019 (pdf9 und verständigen sich darauf, „kulturelle Vielfalt in einer freien, offenen und demokratischen Gesellschaft zum zentralen Maßstab ihrer Entscheidungen zu machen.”

Das Bauhaus als mahnendes Vorbild

Die Wahl des Ortes ist kein Zufall. Die Geschichte des Bauhauses steht exemplarisch für beides: die Innovationskraft freier Kunst – und ihre Zerstörung durch politische Unterdrückung. 1933 wurde die Schule von den Nationalsozialisten geschlossen. Vor diesem Hintergrund betonen die Kulturpolitikerinnen und -politiker, wie wichtig es ist, dass Kunst und Kultur „ihre Wirkung ohne politische Vorgaben und ohne Angst vor finanziellen Sanktionen oder anderen Formen von Zensur entfalten können.”

Brosda warnt vor dem Anfang vom Ende

Senator Dr. Carsten Brosda, Senator für Kultur und Medien der Freien und Hansestadt Hamburg, formuliert die politische Konsequenz unmissverständlich: Wenn Kulturpolitik nicht mehr dazu dient, Räume für freie Kunst offenzuhalten, sondern diese verengt – etwa indem nationalistisch-völkische Inhalte vorgegeben und Förderung davon abhängig gemacht wird – „ist das der Anfang vom Ende unserer Demokratie.” Aktuelle politische Tendenzen, die Kunstfreiheit einschränken würden, verlangten Widerspruch.

Gemeinsame Aufgabe von Bund und Ländern

Die Erklärung bekräftigt, dass es „gemeinsame Aufgabe der aufeinander abgestimmten förder-, struktur- und ordnungspolitischen Initiativen des Bundes und der Länder in der Kulturpolitik” ist, Räume zur Ausübung künstlerischer Freiheiten zu schützen und – wo möglich – zu erweitern. Kunstfreiheit ist demnach kein Selbstläufer, sondern eine politische Daueraufgabe.

Mehr unter: www.kmk.org/kultusministerkonferenz.html

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Hinter den Kulissen: Was gehört eigentlich zum Museumsalltag im Deutschen Hafenmuseum?

Was passiert eigentlich hinter den Kulissen eines Museums? Damit ein Besuch im Deutschen Hafenmuseum reibungslos funktioniert, gibt es jeden Tag jede Menge zu tun – und vieles davon passiert, bevor die ersten Besuchenden überhaupt durch die Tür kommen. Begleiten Sie Genia Glock bei ihrer Arbeit und entdecken Sie, wie vielfältig der Museumsalltag hinter den Kulissen ist!

Wie arbeitet man eigentlich mit tonnenschweren Maschinen? Und was fasziniert an der Schnittstelle zwischen Mensch und Maschine? In der Reihe „Hinter den Kulissen“ gibt Jan Stute, Restaurator für Großobjekte am Deutschen Hafenmuseum, einen spannenden Einblick in seinen Beruf. Dabei geht es auch hoch hinaus – denn wer historische Großgeräte betreut, muss manchmal in luftiger Höhe arbeiten.

Wie aufwendig ist die Betreuung eines mehr als 100 Jahre alten Segelschiffs? Welche technischen Herausforderungen bringt der Erhalt eines maritimen Kulturerbes mit sich? In der Reihe „Hinter den Kulissen“ gibt Lennart Hollweg, stellvertretender Leiter der PEKING, spannende Einblicke in seine Arbeit. Er betreut die schwimmenden und technischen Kulturgüter des Deutschen Hafenmuseums und zeigt, was nötig ist, um die legendäre Viermastbark PEKING für kommende Generationen zu bewahren.

Hinter den Kulissen Wie wurde die legendäre Viermastbark PEKING beladen? Welche Waren transportierte sie – und warum galt Salpeter als das „weiße Gold“ des frühen 20. Jahrhunderts? In der Reihe „Hinter den Kulissen“ nimmt euch Prof. Dr. Klaus Staubermann, Direktor des Deutschen Hafenmuseums, mit in den Laderaum der PEKING. Erfahrt mehr über die Geschichte eines der berühmtesten Segelfrachtschiffe der Welt, die Salpeterfahrt zwischen Hamburg und Chile sowie die Reederei F. Laeisz und ihre legendären Flying P-Liner.

Mehr unter: www.shmh.de/deutsches-hafenmuseum/

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Wozu braucht ein Museum ein mobiles Aufnahmestudio? Das Museum für Hamburgische Geschichte setzt auf ein ganz besonderes Kooperationsprojekt: das Funkfahrrad. Das mobile Studio sammelt mitten in der Stadt die Geschichten der Menschen – und macht sie zum Teil der museumseigenen Sammlung.

Ein Fahrrad, ein Studio, viele Stimmen

Das sogenannte Funkfahrrad ist das Herzstück eines neuen Beteiligungsformats im Museum für Hamburgische Geschichte. Entwickelt wurde es von Jonas Wietelmann und Javi Acevedo als mobiles Aufnahmestudio auf zwei Rädern. Damit bricht das Museum aus seinen Räumen aus und trifft die Hamburger Stadtgesellschaft dort, wo sie sich aufhält: im öffentlichen Raum. Das Funkfahrrad fungiert als rollender Treffpunkt, der Menschen einlädt, ihre persönlichen Erfahrungen, Erinnerungen und Perspektiven auf die Stadt zu teilen.

„Mein Hamburg!”: Geschichten statt Exponate

Im Rahmen des Projekts „Mein Hamburg!” setzt das Museum auf direkte Partizipation. An mobilen Stationen in der Stadt sowie über digitale Beteiligungsformate können Hamburgerinnen und Hamburger ihre eigenen Lebenswirklichkeiten erzählen. Es geht nicht um die große Historie aus Büchern, sondern um die kleinen, persönlichen Geschichten, die das Stadtbild erst lebendig machen. Vielfalt, Alltag und subjektive Blicke stehen im Mittelpunkt – und werden so für alle sichtbar gemacht.

Von der Straße in die Sammlung

Besonders innovativ ist die langfristige Perspektive des Projekts: Nicht wenige der gesammelten Erzählungen werden dauerhaft Teil der museumseigenen Sammlungen und zukünftiger Ausstellungen. Während das Haus sich baulich und inhaltlich modernisiert, entsteht so schon jetzt ein neuer, partizipativer Blick auf Hamburg. Das Museum wird damit nicht nur zum Aufbewahrungsort der Vergangenheit, sondern aktiv zum Sammelbecken gegenwärtiger Stadtgeschichte – erzählt von den Menschen, die sie täglich erleben.

Mehr unter: www.shmh.de

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Platons Philosophie, der Große Brand von 1842 und ein Punkband-Song über Hamburg – eine raumgreifende Installation hinterfragt, was wir als Realität anerkennen und was wir lieber verdrängen.

Ein neuer Projektraum, eine dichte Installation

Im neuen Projektraum des Kunsthaus Hamburg in der Admiralitätstraße zeigt Andrey Klassen eine raumgreifende Installation, die seine zeichnerische Praxis in den dreidimensionalen Raum überführt. Die Schau trägt den Titel „Keiner rannte” – und dieser Titel ist kein Zufall.

Platons Höhle als Ausgangspunkt

Ausgangspunkt der Arbeit ist Platons Höhlengleichnis – das philosophische Bild vom Menschen, der Schatten für Wirklichkeit hält und den schmerzhaften Weg zur Erkenntnis scheut. Klassen überträgt dieses Gleichnis in eine zeitgenössische Installation, die die Grenze zwischen Schein und Wirklichkeit bewusst ins Schwanken bringt. Was nehmen wir als real wahr? Und welche Erkenntnisse haben wir zu lange ignoriert?

Hamburger Stadtgeschichte trifft Kunstgeschichte

In der Installation verbinden sich zwei düstere Bezugspunkte: der Große Brand von 1842, der weite Teile Hamburgs zerstörte, und „Christus in der Vorhölle” von einem Nachfolger des Hieronymus Bosch. Beide erscheinen in Klassens Werk wie Vorwegnahmen einer Gegenwart, in der Katastrophe, Kontrollglaube und kollektive Verdrängung ineinandergreifen. Das Feuer wird so zur zentralen Metapher – als zerstörerische und zugleich erkenntnisstiftende Kraft.

„Hamburg brennt”: Ein Titel aus dem Punkrock

Der Ausstellungstitel „Keiner rannte” entstammt dem Song „Hamburg brennt” der Band 1000 Robota, die mit provokanten Texten auf gesellschaftspolitische Krisen reagiert. Die Zeile verweist auf kollektive Erstarrung angesichts von Krisen – und gibt der Installation ihre politische Schärfe. Kuratiert wird die Ausstellung von Anna Nowak.

Mehr unter: kunsthaushamburg.de

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Der deutsch-türkische Künstler zeigt in seiner Arbeit „Rotting From Within”, wie Patriarchat und Gewalt Spuren hinterlassen – und wie die Suche nach Nähe und Versöhnung aussehen kann.

Was bleibt, wenn der Vater fehlt? Abdulhamid Kircher, 1996 geboren, hat daraus Kunst gemacht. In den Deichtorhallen Hamburg präsentiert der deutsch-türkische Künstler seine Arbeit „Rotting From Within” – eine fotografisch-installative Auseinandersetzung mit Abwesenheit, Schmerz und dem schwierigen Weg zur Versöhnung. Kircher selbst versteht seine Arbeit als fragmentarisches, lebendiges Familienalbum: kein abgeschlossenes Dokument, ondern ein fortlaufender Prozess des Erinnerns und Suchens.

Die Abwesenheit des Vaters als Projektionsfläche

Im Zentrum von Kirchers Werk steht eine Leerstelle: die Abwesenheit des Vaters. Diese Lücke ist kein bloßes biografisches Motiv, sondern wird zur Sehnsuchts- und Projektionsfläche – ein Ort, auf den sich Fragen nach Männlichkeit, Macht und familiärer Prägung verdichten. Kircher umkreist diese Abwesenheit in analogen Fotografien und raumgreifenden Installationen, die das Unsichtbare sichtbar machen wollen.

Patriarchat, Gewalt und die Möglichkeit von Nähe

„Rotting From Within” – der Titel deutet es an: Es geht um Zerfall, der nicht von außen kommt, sondern von innen. Kirchers Arbeit setzt sich mit den Folgen von Patriarchat und Gewalt auseinander, ohne dabei im Schmerz zu verharren. Die Suche nach Versöhnung und Nähe ist ebenso Teil des Werks wie die Auseinandersetzung mit dem, was Generationen prägt und beschädigt.

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