Comics sind weit mehr als Unterhaltung für Kinder – sie sind eine universale Weltsprache. Die Albertina Modern widmet diesem Phänomen nun eine wegweisende Schau: „KAWS ART & COMIX“ stellt den US-Superstar Brian Donnelly (alias KAWS) ins Zentrum einer kunsthistorischen Spurensuche. Es ist eine Reise von den Anfängen der grafischen Narration bis hin zum totalen Verschwimmen der Grenzen zwischen „High & Low“.

Die Ausstellung untersucht, wie Comic-Elemente und Cartoons die DNA der zeitgenössischen Kunst infiltriert haben und warum Charaktere wie der berühmte „COMPANION“ von KAWS heute als autonome Kunstfiguren Weltruhm genießen.

Ralph Gleis über “KAWS ART & COMIX” in der Albertina Modern

Die Sprache der Linien: Universal und grenzenlos

Comics funktionieren überall. Ob als politische Satire, Karikatur oder einfache Bildergeschichte – ihre grafische Kraft spricht jede Gesellschaftsschicht und Altersgruppe an. Die Schau macht deutlich:

• Vorreiter der Narration: Schon vor der Erfindung des Films nutzten Künstler kaderförmige Erzählungen (Frames), um Geschichten zu vermitteln.
• Die Klassiker: Selbst Giganten wie Jean-Michel Basquiat oder der Minimalist Ad Reinhardt experimentierten mit fast klassischen Comic-Strukturen.
• Der Bruch der 1960er: Künstler wie Roy Lichtenstein und Keith Haring rissen die Mauer zwischen elitärer Galerie-Kunst und populärer Massenkultur endgültig ein.

KAWS im Dialog: Ein Netz aus Referenzen

Kuratorin Angela Stief setzt KAWS nicht isoliert in den Raum, sondern lässt ihn in einen spannungsgeladenen Dialog mit anderen Positionen treten. Dabei wird sichtbar, dass KAWS’ Werk tief in der Kunstgeschichte verwurzelt ist.

Zwischen Kommerz und Leinwand

Die Ausstellung zeigt eindrücklich, dass KAWS die kommerzielle Kunst nicht als Feind, sondern als Erweiterung begreift. Seine Figuren sind Markenzeichen und Meisterwerke zugleich. Er nutzt die Ästhetik von Cartoons, um Themen wie Einsamkeit, Gemeinschaft und Menschlichkeit in einer globalisierten Welt zu verhandeln.

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Instabile Politik, Machtmissbrauch und eine kriselnde Wirtschaft: Was wie eine Beschreibung unserer Gegenwart klingt, ist das Paris des 19. Jahrhunderts durch die Brille von Honoré Daumier. Die Albertina in Wien widmet dem Meister der scharfen Satire eine umfassende Schau, die seine Modernität und Vielseitigkeit feiert.

Honoré Daumier (1808–1879) war ein Pionier der Lithografie. Er nutzte diese damals neue Technik im Schnelldruckverfahren, um seine bissige Ironie über den Zeitungsdruck massenhaft zu verbreiten. Sein gewaltiges Œuvre umfasst über 4.000 Lithografien, die von politischer Karikatur bis hin zu humorvollen Alltagsszenen reichen.

Der Maler und Vorläufer des Impressionismus

Weniger bekannt, aber ebenso bedeutend ist Daumier als Maler. Er schaffte es, die Dynamik und den „flotten Pinselstrich“ seiner grafischen Arbeit auf die Ölmalerei zu übertragen. Mit seinen Themen aus dem großstädtischen Alltag von Paris wurde er zu einem wichtigen Vorbild für die Impressionisten, die in ihm den modernen Geist suchten.

Dreidimensionale Satire: Die Skulpturen

Ein besonderes Highlight der Ausstellung sind Daumiers plastische Werke. Er formte Charakterköpfe von Parlamentariern aus Gips und bemalte sie. Diese dienten nicht nur ihm selbst, sondern auch anderen Karikaturisten als Vorlagen, um den hohen Wiedererkennungswert der verspotteten Persönlichkeiten in den Zeitungen sicherzustellen.

Prominente Fans: Paul McCartney und „Daumier’s Law“

Dass Daumiers Kunst bis heute inspiriert, zeigt ein ungewöhnlicher Ausstellungsbeitrag: Ein Animationsfilm von Jeff Dunbar aus dem Jahr 1991, der auf eine Anregung von Paul und Linda McCartney zurückgeht. Unter dem Titel „Daumier’s Law“ führt der Film, zu dem Paul McCartney die Musik schrieb, durch das Leben und Werk des Künstlers.

Ein Spiegel der Gesellschaft

Rund ein Viertel der Exponate stammt aus den eigenen Beständen der Albertina. In Kombination mit Leihgaben der Sammlung Hellweg ergibt sich ein Gesamtbild eines Künstlers, der das Ernste meisterhaft mit Humor verband. Ob im Theater, im Museum oder beim Schwimmunterricht – Daumiers pointierte Darstellungen menschlicher Situationen regen bis heute zum Lachen und Schmunzeln an.

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Ein Vierteljahrhundert Kunstgeschichte auf Weltniveau: Im Jahr 2026 feiert die ALBERTINA ihr 250-jähriges Bestehen. Unter dem Motto „Große Vergangenheit – Große Zukunft“ rückt Generaldirektor Ralph Gleis die weltberühmte Sammlung in ein neues Licht. Das Jubiläumsjahr verspricht nicht nur einen Rückblick auf die Gründung durch Herzog Albert von Sachsen-Teschen und Erzherzogin Marie Christine, sondern einen mutigen Blick nach vorne.

Hier sind die Highlights des Festjahres an den drei Standorten:

Drei Hauptausstellungen: Neue Perspektiven

Das Herzstück des Jubiläums bilden drei Schauen, die das Erbe der ALBERTINA neu befragen:

1. Sammeln für die Zukunft: Diese Schau rehabilitiert die Rolle der Erzherzogin Marie Christine. Als Lieblingstochter Maria Theresias brachte sie das Vermögen ein, das den Erwerb von Schätzen wie Dürers Feldhasen erst ermöglichte. Die Ausstellung zeigt den Weg von den Anfängen bis zu Egon Schiele.
2. Faszination Papier: Ein interaktiver „Entdeckungspfad“ führt durch das traditionsreiche Medium der ALBERTINA und lädt das Publikum ein, Papier als lebendiges Kunstmaterial neu zu erleben.
3. Künstlerinnen der ALBERTINA: Eine große Herbstausstellung widmet sich der lange übersehenen weiblichen Seite der Sammlung. Ein Forschungsprojekt bringt verborgene Schätze von Frauen aus mehreren Jahrhunderten ans Licht.

Die Ausstellungshighlights 2026

Das Programm an den Standorten ALBERTINA, ALBERTINA MODERN und KLOSTERNEUBURG bietet internationale Blockbuster:

• Picasso & Bacon: Die Herbst-Sensation vereint die beiden Giganten der figurativen Malerei des 20. Jahrhunderts.
• KAWS. Art & Comix: In der ALBERTINA MODERN trifft Gegenwartskunst auf die Ästhetik von Comics.
• Honoré Daumier: Nach Jahrzehnten ist der französische Meister der Karikatur wieder in Wien zu sehen.
• Retrospektiven: Große Einzelausstellungen widmen sich Franz West, Richard Prince, Arnulf Rainer sowie den Künstlerinnen Helga Philipp und Shara Hughes.
• Donated with Love: In Klosterneuburg werden jüngste Schenkungen von Stars wie Sean Scully und Julie Mehretu präsentiert.

Feste & Events für alle

Das Jubiläum wird nicht nur im Elfenbeinturm, sondern mit dem Publikum gefeiert:

• Jubiläumswochenende (4. & 5. Juli): Freier Eintritt in das Palais am Geburtstag der ALBERTINA mit Familienprogramm und offiziellem Festakt.
• Rokoko Special (26. September): Eine Zeitreise ins 18. Jahrhundert. Wer im Kostüm erscheint, feiert bei freiem Eintritt die legendäre ALBERT & TINA Party.
• Künstler*innen-Fest (27. August): Ein Sommerabend im Innenhof der ALBERTINA KLOSTERNEUBURG gemeinsam mit namhaften Größen der Kunstszene.

Neue Wege der Vermittlung

Die ALBERTINA setzt verstärkt auf Partizipation:

• Kids-first: Kindervernissagen und interaktive Elemente machen das Museum zum Erlebnisraum für Familien.
• „Schau mal …“: Kostenlose Kurz-Einführungen zum Start jeder neuen Ausstellung erleichtern den Zugang für alle Interessierten.

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Was passiert, wenn man eine der größten Papiersammlungen der Welt – rund 1,3 Millionen Werke stark – mit der Neugier eines Entdeckers durchforstet? Der neue Generaldirektor der ALBERTINA, Ralph Gleis, hat genau das getan. Das Ergebnis ist die Ausstellung „Faszination Papier“, die den Bogen von Rembrandt bis Anselm Kiefer spannt.

Anstatt einer rein chronologischen Hängung folgt die Schau den elementaren Fragen: Was ist das größte Werk? Was das kurioseste? Gemeinsam mit drei Kuratorinnen, deren Expertise vom 15. Jahrhundert bis heute reicht, wurden Schätze gehoben, die teilweise seit Jahrzehnten im Verborgenen schlummerten.

Ein neuer Blick auf 1,3 Millionen Objekte

Ralph Gleis setzt auf einen unmittelbaren Zugang zur Kunst. Die Ausstellung macht die Materialität des Papiers greifbar und bricht mit klassischen Museumskonventionen:

• Vom Winzigen zum Gigantischen: Die Schau präsentiert Extreme – von kleinsten, filigranen Skizzen bis hin zu monumentalen Werken, die das Material Papier an seine physikalischen Grenzen treiben.
• Papier zum Anfassen: Ein besonderes Highlight ist die Unmittelbarkeit der Präsentation. In ausgewählten Bereichen wird das Material für die Besucher „zum Anfassen nah“ erlebbar gemacht, um die Haptik und Struktur von 600 Jahren Kunstgeschichte spürbar zu machen.
• Kuriose Fundstücke: Neben Ikonen wie Rembrandt werden auch Objekte gezeigt, die man in einer Kunstsammlung nicht sofort vermutet – von technischer Präzision bis hin zu spielerischen Alltagsgegenständen aus Papier.

Drei Expertinnen – Eine Vision

Unter der Leitung von Ralph Gleis haben drei Kuratorinnen die Bestände gesichtet und in einen Dialog gebracht:

1. Die Klassik: Einblicke in die Epochen von Rembrandt und den alten Meistern.
2. Der Aufbruch: Papier als Experimentierfeld der Moderne.
3. Die Gegenwart: Zeitgenössische Positionen wie Anselm Kiefer, die Papier als kraftvolles, fast skulpturales Medium nutzen.

Warum Papier?

Papier ist geduldig, aber auch extrem wandlungsfähig. Die Ausstellung zeigt, dass es nicht nur Bildträger ist, sondern ein eigenständiges künstlerisches Element, das Licht schluckt, Schatten wirft und Texturen erzeugt, die kein anderes Material bietet.

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Die Albertina Wien widmet der japanisch-schweizerischen Künstlerin Leiko Ikemura (1951) eine große Ausstellung. In einem exklusiven Artist Talk sprechen Generaldirektor Ralph Gleis und Kuratorin Elsy Lahner mit der Künstlerin über ihre poetisch-kraftvollen Werke, die westliche und östliche Einflüsse vereinen.

Die Künstlerin Leiko Ikemura hat mit ihrem poetisch-kraftvollen Werk, das von leuchtenden Gemälden bis hin zu surrealen Skulpturen reicht, die zeitgenössische Kunstszene maßgeblich geprägt. Die Albertina Wien präsentiert vom 14. November 2025 bis zum 6. April 2026 einen umfassenden Querschnitt durch ihr Schaffen.

Im Rahmen der Ausstellung luden Generaldirektor Dr. Ralph Gleis und Kuratorin Elsy Lahner zu einem intensiven Dialog mit der Künstlerin ein.

Weiblichkeit, Identität, Transformation

Leiko Ikemura widmet sich in ihrer surrealen Bildsprache zentralen Menschheitsthemen wie Weiblichkeit, Transformation und Identität. Ihre Arbeiten sind zutiefst persönlich und gleichzeitig universell, indem sie die Fragilität und das Geheimnisvolle der menschlichen Existenz in faszinierende Bilder übersetzt.

Ein Schlüsselkonzept in ihrem Werk ist die enge Verbindung von Mensch und Natur. Diese manifestiert sich oft in einer poetischen Verschmelzung von Körper und Landschaft oder in der Darstellung von geheimnisvollen Hybridwesen.

Vom Licht zur Terrakotta

Die Ausstellung und der begleitende Artist Talk zeigen die immense Bandbreite Ikemuras, deren Werk sich nicht auf ein Medium beschränkt:

• Malerei: Leuchtende, atmosphärische Gemälde.
• Zeichnung: Reduzierte und feingliedrige Papierarbeiten.
• Skulptur: Werke aus glasierter Terrakotta, Glas und Bronze, die ihrer surrealen Bildwelt eine physische Präsenz verleihen.

Die Aufzeichnung des Artist Talks bietet eine einmalige Gelegenheit, die Ideen und die Inspiration hinter Leiko Ikemuras Werk aus erster Hand zu verstehen.

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Die ALBERTINA MODERN präsentiert ab sofort ein Highlight für Kunstliebhaber: Mit der Sammlung Viehof ist erstmals eine der bedeutendsten Privatsammlungen Deutschlands in Wien zu sehen. Die Ausstellung legt den Fokus auf die deutsche Kunst von der Nachkriegszeit bis zur Gegenwart und spannt einen faszinierenden Bogen von den 1960er Jahren bis heute.

Insgesamt 24 zentrale Künstlerpositionen werden in der Schau beleuchtet – darunter Ikonen wie Joseph Beuys, Gerhard Richter, Sigmar Polke und Georg Baselitz, aber auch bedeutende Vertreter der 1980er- und 1990er-Jahre wie Jörg Immendorff, Albert Oehlen, Rosemarie Trockel und Katharina Sieverding. Ergänzt wird das Spektrum durch Werke jüngerer Künstler:innen wie Neo Rauch, Anne Imhof und Katharina Grosse.

Expressive Großformate treffen auf konzeptuelle Arbeiten, Klassiker begegnen der Gegenwart. Dabei entsteht ein spannender Dialog zwischen der Sammlung Viehof und den Beständen der ALBERTINA MODERN – und ein neuer Blick auf die Entwicklungen der deutschen Malerei und Skulptur der letzten sechzig Jahre.

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„Der weibliche Blick auf die Kunstgeschichte.“ – Angela Stief

Kuratorin Angela Stief über Jenny Saville – eine der bedeutendsten figurativen Malerinnen der Gegenwart. Ihre Werke verbinden klassische Motive wie Akt und Porträt mit einer weiblichen Perspektive, die den kunsthistorischen Kanon neu schreibt.

„Wie schauen wir heute auf den menschlichen Körper?“ – Ralph Gleis

Seit über 30 Jahren setzt sich Jenny Saville intensiv mit Körperlichkeit auseinander: mit Akt, Porträt, Blick und Identität. Ihre Werke fordern uns heraus – als Betrachter:innen, als Gesellschaft. In ihren monumentalen Bildern thematisiert sie den Körper jenseits idealisierter Darstellungen – fragmentiert, kraftvoll, roh und zugleich sensibel.

„Painting is a philosophical space.“ – Jenny Saville

In diesem Video reflektiert Jenny Saville über Malerei im digitalen Zeitalter: Wie verändert Technologie, wie KI, unsere Realität? Und wie bringt man das Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration auf die Leinwand? Saville erzählt, wie sie mit Neugier, Materialität und spontaner Problemlösung arbeitet – immer auf der Suche nach Empathie, Menschlichkeit und Volumen im Bild.

Die Ausstellung GAZE in der ALBERTINA zeigt ikonische Porträts, die emotionale Mutter-Kind-Darstellung Byzantium sowie Serien wie die Fates und Ekkyklema. In diesen Werken spielt Saville mit multiplen Blickwinkeln, Körpern jenseits normativer Schönheit und einer expressiven Körperlichkeit, die zutiefst menschlich ist.

Savilles Malerei thematisiert nicht nur Sichtbarkeit, sondern auch Verletzlichkeit, Transformation und die Tiefe des Menschseins.

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Ein Blick auf betende Hände

Mit feinem Gespür für kunsthistorische Pionierarbeit richtet die ALBERTINA ihren Blick auf das wohl subtilste Medium der Renaissance: die Zeichnung. Im Rahmen der Ausstellung LEONARDO – DÜRER. Meisterzeichnungen der Renaissance auf farbigem Grund begegnen sich zwei Giganten der Zeichenkunst auf Augenhöhe – und mit ihnen eine ganze Epoche, die erstmals in einem umfassenden musealen Panorama durchmessen wird.

Es ist ein Ereignis von internationaler Strahlkraft: Die weltweit erste Ausstellung, die sich dem Phänomen der Zeichnungen auf farbigem Papier mit solcher Tiefe widmet, bietet zugleich die bislang umfangreichste Präsentation Leonardos im deutschsprachigen Raum. Doch die eigentliche Sensation liegt im kunsthistorischen Zugang: Denn wo bisher nationale Schulen dominierten, schlägt die ALBERTINA eine Brücke zwischen dem Süden und dem Norden – zwischen Florenz und Nürnberg, Mailand und Wien.

Erstmals wird der Dialog zwischen der italienischen und der nördlichen Zeichenkunst in ihrem wechselseitigen Spannungsfeld sichtbar gemacht. Während in Italien Zeichnungen auf farbigem Grund bevorzugt als Skizzen, als flüchtige Gedankenspiele im Schöpfungsprozess dienten, erhob man sie nördlich der Alpen zur eigenständigen Gattung – zu Kunstwerken en miniature von erstaunlicher Präzision und spiritueller Dichte. Besonders im deutschsprachigen Raum fanden diese Werke Verwendung in der Darstellung religiöser und mythologischer Sujets, deren Detailreichtum noch heute staunen lässt.

So zeigt die ALBERTINA nicht nur Meisterzeichnungen – sie schreibt selbst ein Kapitel Kunstgeschichte.

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Die Malerei war sowohl für Matthew Wong als auch für Vincent van Gogh zu einem Rückzugsort geworden. Das Bedürfnis nach freier Meinungsäußerung, einfach nur zu malen, ohne sich Sorgen zu machen, macht ihre Kunstwerke umso intensiver.

Angela Stief, Kuratorin und Direktorin der ALBERTINA MODERN, erklärt Wongs Werk und seine Verbindung zu Vincent van Gogh.

Matthew Wong: Ein talentierter Grenzgänger zwischen den Welten

Die New York Times nannte ihn » einen der talentiertesten Maler seiner Generation «: Der chinesisch-kanadische Künstler Matthew Wong beeindruckte die Kunstwelt mit seinem einzigartigen Stil, der fernöstliche und westliche Einflüsse vereint. Wongs Werke zeigen Anklänge an Vincent van Gogh ebenso wie an den chinesischen Maler Shitao, die beide entscheidend zur künstlerischen Entwicklung des Autodidakten beitrugen.

Wong, der erst spät zur Malerei fand, hinterließ ein bemerkenswertes œuvre, das in den letzten acht Jahren seines Lebens entstand. Trotz seines tragischen Freitods im Alter von 35 Jahren bleibt sein Schaffen unvergessen und beeinflusst die zeitgenössische Kunst nachhaltig.

Aktuell widmet sich eine bedeutende Ausstellung der Gegenüberstellung von Wongs Arbeiten und Werken von Vincent van Gogh. Rund 44 Gemälde und 12 Arbeiten auf Papier von Wong werden hier ausgewählten Arbeiten van Goghs gegenübergestellt. Die Ausstellung beleuchtet nicht nur stilistische Parallelen, sondern auch die emotionale Tiefe und Ausdruckskraft beider Künstler.

Die Ausstellung ist eine Kooperation des Van Gogh Museums in Amsterdam, des Kunsthauses Zürich und der Matthew Wong Foundation. Sie bietet Kunstliebhabern die Gelegenheit, Wongs einzigartigen Blick auf die Welt neu zu entdecken und seine Verbindung zur westlichen Moderne sowie zur expressiven Kunst unserer Zeit nachzuvollziehen.

Diese eindrucksvolle Werkschau ist ein Muss für alle, die sich für zeitgenössische Kunst und die Verbindung kultureller Strömungen interessieren.

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Im Rahmen der Pressekonferenz präsentiert Ralph Gleis das kommende Ausstellungsprogramm 2025.

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