Baustellen-Holz und gebrauchte Rollwagen werden bei Johanna Charlotte Trede zu Skulpturen – nicht durch Veränderung, sondern durch Verschiebung. Ein Atelierbesuch im Rahmen der Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien”.

Formen sammeln statt Objekte

Johanna Charlotte Trede (geb. 1990, Freiburg im Breisgau) sammelt keine Kunstwerke – sie sammelt Formen. Fragmente, die an Gerüsten lehnen. Geometrische Überbleibsel abgerissener Gebäude. Dinge, die bereits von ihrem ursprünglichen Zweck losgelöst wirken, bevor die Künstlerin überhaupt Hand anlegt. In der Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien” in der Kunsthalle Wien zeigt Trede zwei neue Arbeiten, die exemplarisch für ihre Praxis stehen: eine Auseinandersetzung mit dem, was Dinge sind – und was sie werden können, wenn man sie verschiebt.

Stufen, die ins Nirgendwo führen

„Gegenstand zur einfachen Erhöhung” (2026) besteht aus Holzpaneelen, die auf Baustellen als behelfsmäßige Trittmöglichkeiten gedient haben. Grob gefertigt, ohne ästhetischen Anspruch, rein funktional. Im Ausstellungsraum der Kunsthalle Wien haben sie diesen Kontext verloren – und dadurch etwas gewonnen. Die Stufen führen vielleicht ins Nirgendwo, könnten aber auch als Hocker, kleine Tische oder schlicht als Hindernisse dienen. Was sie sind, entscheidet sich erst durch ihre Präsentation: Trede versteht die Arbeit erst durch ihren Kontext als abgeschlossen. Der Ausstellungsraum ist das letzte Material.

Rollwagen, die Welten verbinden

„Gegenstand zur einfachen Bewegung” (2026) bringt drei Rollwagen zusammen, die zuvor von sehr unterschiedlichen Menschen für sehr unterschiedliche Zwecke genutzt wurden: von Kunsttransporteurinnen, Schweißern, Marktverkäuferinnen, Schwimmbadpersonal. Ein und derselbe Gebrauchsgegenstand – und doch trägt jeder Wagen eine andere Geschichte, einen anderen Ort, andere Hände in sich. Trede interessiert sich dafür, wie diese disparaten Welten durch ein gemeinsames Objekt miteinander verbunden werden. Dabei betrachtet sie den Prozess der Beschaffung selbst als Teil der künstlerischen Arbeit: der Weg zum Objekt ist bereits Skulptur.

Bedeutung durch Verschiebung

Was Tredes Praxis auszeichnet, ist ihre konsequente Zurückhaltung. Sie verändert ihre Fundstücke kaum – sie verschiebt sie. Vom Baustellenboden in den Ausstellungsraum, von der Funktion in die Form, vom Gebrauch in die Betrachtung. Dabei stellt sie grundlegende Fragen: Wie aktivieren Objekte Räume? Wie organisieren sie Wahrnehmung neu? Und wo beginnt eine Skulptur?

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Dead White Men’s Clothes heißt das Label, mit dem Jojo Gronostay Kunstmarkt, Modeindustrie und globale Warenströme gleichermaßen befragt. In der Kunsthalle Wien zeigt er, wie viel Geschichte in einem gebrauchten T-Shirt steckt.

Ein Modelabel als Kunstwerk

Der Name sagt bereits alles – und nichts: „Dead White Men’s Clothes” (DWMC) ist das Modelabel von Jojo Gronostay (geb. 1988, Hamburg). Doch es ist zugleich weit mehr als ein Label: Es ist ein Kunstwerk, ein Experiment und eine Gesellschaftsanalyse in Textilform. Gronostay verwendet bewusst hybride Materialien – abgeänderte Secondhand-Kleidung, gescannte und neu bedruckte Stoffe, umgenutzte und wiederverwendete Gegenstände –, die er von Straßenmärkten in den Ausstellungsraum bringt. Seine Werke sind derzeit in der Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien” in der Kunsthalle Wien zu sehen.

Geschichten, die Stoffe tragen

Jedes Objekt in Gronostays Arbeiten trägt die Spuren seiner Vorgeschichte in sich: die Hände, durch die es gegangen ist, die Märkte, auf denen es lag, die Wege, die es zurückgelegt hat. Die Werke zeichnen dabei mindestens eine Reise nach – von Accra bis nach Wien. Diese Route ist kein Zufall: Sie verweist auf den globalen Secondhand-Kleiderhandel, bei dem Altkleiderspenden aus Europa und Nordamerika massenhaft nach Afrika exportiert werden, dort lokale Textilindustrien unter Druck setzen und auf Straßenmärkten ein zweites, drittes, viertes Leben führen – bevor sie möglicherweise wieder zurückwandern.

Upcycling als künstlerische Methode

Für die im Rahmen der Ausstellung neu entstandenen Arbeiten „Untitled” (2026) verwendet Gronostay recycelte Siebdrucke aus seinem Modelabel. Malerei wird hier zur Upcycling-Methode – und Kunst selbst zur Upcycling-Industrie schlechthin erklärt. Eine These, die provoziert: Ist der Kunstmarkt nicht auch eine Form der Wertzuschreibung durch Verschiebung und Wiederverwendung?

Kleiderständer als Skulpturen

Besonders eindrücklich sind die beiden Arbeiten „Structure 01″ und „Structure 02″ (beide 2026): Handelsübliche Kleiderständer werden zu Skulpturen umgewandelt. Das recycelte Objekt ist hier zugleich Material und Methode – und zeichnet in seiner schieren Form die tatsächlichen Bewegungen von Wert und Begehren zwischen Kontinenten nach. Was trägt Kleidung, wenn sie keine Menschen mehr trägt? Gronostay gibt darauf eine ebenso poetische wie politische Antwort.

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23 Tage, 23 Fotografien, ein Hund namens Enzo: Hans Schabus hat Wien zu Fuß verlassen und ist bis nach Triest gelaufen – entlang der Nullpunkte des österreichischen Vermessungssystems. Seine Dokumentation dieser Reise ist in der Kunsthalle Wien zu sehen.

Vom Wiener Null zum Adria Null

Was verbindet Wien mit der Adria? Im österreichischen Vermessungssystem: zwei Bezugspunkte. Der „Wiener Null” und der „Adria Null” sind die geodätischen Referenzpunkte, von denen aus Höhen im Land gemessen werden. Für Hans Schabus (geb. 1970, Watschig, Österreich) wurden sie zum Ausgangspunkt einer außergewöhnlichen künstlerischen Reise: Im vergangenen Jahr wanderte er gemeinsam mit seinem Hund Enzo in 23 Tagen von Wien nach Triest – 576,8 Kilometer zu Fuß, Schritt für Schritt, Tag für Tag.

23 Fotografien, eine Perspektive

Das Ergebnis dieser Wanderung ist die Werkserie „Walking to the Sea (In Search of the Endless Column – Vom Wiener Null zum Adria Null)” (2025/2026): 23 Fotografien, eine pro Tag, auf Klemmbrettern befestigt und innerhalb einer temporären Wand der Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien” in der Kunsthalle Wien auf Augenhöhe installiert. Jedes Bild hält Wege, Straßen und Pfade aus einer einzigen, konsequent nach vorne gerichteten Perspektive fest – der Blick des Gehenden, der immer weiter geht. Die Bilder sind dabei bewusst unzugänglich installiert: man sieht sie, kann sie aber nicht greifen. Eine Distanz, die das Dokumentarische ins Skulpturale kippt.

Was konstituiert einen Ort?

Schabus, dessen Werk in der Architektur und Bildhauerei verwurzelt ist, kreist seit Jahren um Fragen der Verortung und Bewegung. Was macht einen Ort zu einem Ort? Und was passiert in dem weiten Dazwischen, das keine Karte wirklich erfassen kann? Seine Wanderung ist keine romantische Naturerfahrung, sondern eine konzeptuelle Handlung: Er verbindet zwei abstrakte geodätische Punkte durch seinen eigenen Körper, durch Zeit, durch Schritte – und macht das Unsichtbare des Weges sichtbar.

Kunst als körperliche Praxis

„Walking to the Sea” steht in der Tradition einer Kunst, die den Körper als Instrument begreift und den Weg selbst als Medium. Doch Schabus fügt dieser Tradition etwas Eigenes hinzu: die Präzision des Vermessers, die Nüchternheit des Dokumentaristen – und die stille Gesellschaft eines Hundes namens Enzo.

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Leinwand als Rohstoff, Schere als Werkzeug, Zufall als Mitautorin: Die Wiener Künstlerin Katharina Schilling entwickelt eine Malerei, die klassische Vorstellungen von Autorschaft und Kontrolle konsequent unterläuft.

Malerei als Prozess, nicht als Produkt

Wer das Atelier von Katharina Schilling betritt, erlebt Malerei als etwas fundamental anderes als das, was man gemeinhin darunter versteht. Keine Staffelei, kein gezielter Pinselstrich auf einer bereiteten Leinwand. Stattdessen: ein Prozess aus Aneignung, Fragmentierung und Rekontextualisierung, bei dem das Endresultat nie vollständig vorhersehbar ist. Schillings Arbeiten sind derzeit im Rahmen der Gruppenausstellung „Lebt und arbeitet in Wien: Contemporary Art from Vienna” in der Kunsthalle Wien zu sehen.

Pigment, Leim, Zufall – und die Schere

Am Anfang steht die ungrundierte Leinwand. Schilling bearbeitet sie mit Pigmenten, die mit Leim angemischt werden – ein Verfahren, das der Oberfläche erlaubt, ein Eigenleben zu entwickeln. Materialeigenschaften und Zufall bestimmen mit, was entsteht. Doch damit ist der Prozess noch nicht abgeschlossen: Die Leinwand wird zerschnitten und in einer neuen Konfiguration wieder zusammengenäht. Die finale Form ist das Ergebnis eines Dialogs – zwischen der Künstlerin, dem Material und dem Unvorhergesehenen.

Streichhölzer, Scheren, Eier: Das Figurative als Schwelle

In einem zweiten Schritt fügt Schilling figurative Elemente hinzu: Alltagsgegenstände wie Streichhölzer, Scheren oder Eier tauchen auf der Leinwand auf und schweben dabei in einem seltsamen Zwischenraum – zwischen Abstraktion und Wiedererkennung, zwischen Motiv und Bedeutungslosigkeit. Diese Objekte sind nicht illustrativ gemeint. Sie destabilisieren das Bild, ohne es aufzulösen.

Autorschaft als kollektives Feld

Was Schillings Praxis besonders auszeichnet, ist ihre theoretische Dimension. Mit Bezug auf vormoderne Bildtraditionen – in denen Werkstätten, nicht Einzelpersonen, Kunstwerke hervorbrachten – hinterfragt sie das moderne Ideal der singulären Künstlerin. Ihr Prozess destabilisiert bewusst die Vorstellung, dass ein Werk einem einzigen Willen entspringt. Malerei wird so zu einem geteilten, sich entwickelnden Feld – offen für Vielstimmigkeit, Kontinuität und das Unverfügte.

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Für die Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien” hat der Wiener Künstler Christoph Meier eine Glocke entworfen, die auf den Ton Cis gestimmt ist – und damit bewusst neben der berühmten Pummerin des Stephansdoms klingt.

Skulptur als Begegnung, nicht als Objekt

Christoph Meier, 1980 in Wien geboren, zählt zu den interessantesten Positionen der österreichischen Gegenwartskunst. Sein Werk umfasst Skulptur, Installation und Sound – und mündet häufig in ortsspezifischen Arbeiten, die gezielt auf ihre Umgebung reagieren. Dabei interessiert ihn weniger die Skulptur als unveränderliche, in sich geschlossene Form, sondern vielmehr die Frage, wie Objekte durch Begegnungen aktiviert werden: im Zusammenspiel mit Architektur, Akustik und der Anwesenheit von Besucherinnen und Besuchern.

Eine Glocke für den Hintereingang

Für die Gruppenausstellung „Lebt und arbeitet in Wien” in der Kunsthalle Wien im Museumsquartier entwickelte Meier die ortsspezifische Arbeit „Ohne Titel (Cis)” (2026). Auf den ersten Blick erscheint sie als traditionelle Glocke – und ist es in gewissem Sinne auch: Gefertigt wurde sie von einer traditionsreichen Glockengießerei in Innsbruck, nach dem Entwurf des Künstlers. Aufgehängt ist sie im überdachten Außenbereich am Hintereingang der Kunsthalle Wien.

Cis statt C: Die bewusste Verschiebung

Der Ton, auf den die Glocke gestimmt ist, ist kein zufälliger: Cis greift das C der legendären Pummerin im Wiener Stephansdom auf – verschiebt es jedoch um einen Halbton. Eine kleine, aber bedeutsame Geste: Die Arbeit tritt in einen akustischen Dialog mit dem bekanntesten Klang Wiens, ohne ihn zu imitieren. Sie klingt vertraut und zugleich leicht fremd – ein Prinzip, das Meiers gesamte Praxis durchzieht.

Zigaretten in Bronze: Die soziale Dimension

Besonders auffällig ist die Oberfläche der Glocke: Sie ist mit abgegossenen Zigaretten und Feuerzeugen bedeckt – Alltagsobjekten, die den informellen Charakter des Ortes aufgreifen. Der überdachte Hintereingang der Kunsthalle wird von Besucherinnen und Besuchern regelmäßig als Raucherbereich genutzt. Meier macht diese gelebte, ungeplante Nutzung zum Teil seiner Skulptur und verwandelt sie in das, was Joseph Beuys einst „Soziale Plastik” nannte: Kunst, die gesellschaftliche Realität nicht abbildet, sondern in sich aufnimmt.

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56 Künstlerinnen und Künstler, über 130 Werke, zwei Standorte – die Kunsthalle Wien präsentiert die Wiener Gegenwartskunstszene in ihrer ganzen Breite und Vielfalt.

Wien als dynamischer Produktionsort zeitgenössischer Kunst: Dieses Bild zeichnet die Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien” mit eindrucksvoller Konsequenz. Die Kunsthalle Wien versammelt in der umfassendsten Übersicht seit über einem Jahrzehnt mehr als 130 Werke von 56 Künstlerinnen und Künstlern, die alle in Wien leben und arbeiten – und macht damit sichtbar, wie lebendig, vielstimmig und international die Kunstszene der österreichischen Hauptstadt heute ist.

Die Schau erstreckt sich über beide Standorte der Kunsthalle Wien – im Museumsquartier und am Karlsplatz – und umfasst das gesamte Spektrum zeitgenössischer künstlerischer Ausdrucksformen: Malerei, Skulptur, Installation, Zeichnung, Fotografie, Performance, Ton, Film und Video. Die Bandbreite ist programmatisch: „Lebt und arbeitet in Wien” versteht sich nicht als kuratorisch eng gefasste Themenausstellung, sondern als offene Bestandsaufnahme eines künstlerischen Ökosystems.

Der Titel knüpft dabei bewusst an eine langjährige Tradition der Kunsthalle Wien an, die den lebendigen künstlerischen Diskurs der Stadt immer wieder in den Mittelpunkt gestellt hat. Im Vordergrund steht die Frage, was Wien heute als Produktionsort auszeichnet – und welche künstlerischen Positionen, Haltungen und Gemeinschaften dort entstehen und wirken.

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Der Künstler James Lewis untersucht in seiner Arbeit das Spannungsfeld zwischen Sprache, Daten und skulpturaler Form. Im Zentrum steht dabei die Frage, wie sich Wirklichkeit beschreiben lässt – und wo die Grenzen solcher Systeme liegen.

Für die Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien“ entwickelte Lewis eine Serie von Skulpturen in Form von Sonnenblumen. In der Werkgruppe „Not just suffering, but all forms of consciousness“ (2026) greift er ein ikonisches Motiv der Kunstgeschichte auf und überführt es in einen zeitgenössischen Kontext.

Die Sonnenblume dient dabei nicht nur als ästhetisches Objekt, sondern als Ausgangspunkt für eine kritische Reflexion: Lewis thematisiert die Verflechtungen von Botanik, Pflanzenextraktion und kolonialen Machtstrukturen. So wird die Pflanze zum Träger historischer und politischer Bedeutungen.

Seine Arbeiten verbinden konzeptuelle Ansätze mit sinnlicher Erfahrung und machen sichtbar, wie eng wissenschaftliche Systeme, kulturelle Narrative und individuelle Wahrnehmung miteinander verwoben sind.

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In der Kunsthalle Wien entfaltet Chalisée Naamani ein faszinierendes Panorama aus Mode, Geschichte und Politik. Ihre Ausstellung „Octogone“ verwebt die Tradition persischer Kraftsportstätten mit zeitgenössischen Fragen zu Identität, Globalisierung und digitalem Widerstand.

Die Szenografie der Ausstellung ist tief in der Architektur des Zurkhaneh verwurzelt – dem traditionellen persischen „Haus der Kraft”. Einst klandestine Orte, an denen Männer ihre Körper für den Kampf stählten, entwickelten sich diese Gymnasien zu Räumen, in denen Körper und Geist gleichermaßen geformt werden.

Das Oktogon: Raum der Transformation

Der Titel der Schau bezieht sich auf das charakteristische Oktogon in der Mitte dieser Sportstätten, das stets einen Meter tief in den Boden eingelassen ist. Um diesen Raum herum findet das soziale Leben statt: Sportler ruhen sich aus, trinken Tee oder wechseln ihre Kleidung – ein Moment der Transition, den Naamani mit den Schließfächern Wiener Institutionen wie der Oper in Verbindung bringt.

• Ganzheitliche Erziehung: Ein Zurkhaneh ist kein reiner Fitnessraum. Ein Musiker begleitet die Übungen mit Instrumenten und rezitierter Poesie, während die Bewegungen selbst oft metaphorisch sind – etwa das Reiten eines Pferdes oder das Schwimmen im Meer.

Kleidung als Archiv der Geschichte

Naamani begreift Mode als politisches Zeugnis. Ihre Skulpturen komponiert sie wie Gemälde oder Collagen aus Textilien, die reich an kollektiven Erinnerungen sind.

• Die Reise des Paisley-Musters: In ihrem Werk „Bunch of Flowers“ untersucht sie die Wege globalisierter Motive. Das bekannte Paisley-Muster (oder Jeghe) verfolgt sie von Persien über Indien bis hin zu den Cowboys in den USA.
• Kleidung als Projektionsfläche: Naamani nennt ihre Werke „Image Garments“, da wir alle Bilder und Projektionen anderer auf unseren Körpern tragen.

Ornament und Widerstand

In einer bewussten Abkehr von Adolf Loos’ berühmtem Diktum „Ornament und Verbrechen“ feiert Naamani die Verzierung als Träger intimer und kollektiver Geschichten. Sie zieht Parallelen zwischen der barocken Ästhetik von Instagram – mit seinen Emojis und Schichten – und klassischen Ornamenten.

Die Ausstellung schlägt auch eine Brücke zu aktuellen politischen Bewegungen:

• Frauenrechte: Sie vergleicht die patriarchalischen Strukturen, gegen die Britney Spears kämpfte, mit der Theokratie im Iran.
• Digitaler Aktivismus: Fotografien von Instagram-Accounts wie from.iran zeigen Slogans wie „Widerstand ist Leben“ an Wänden iranischer Städte – Symbole eines ständigen Katz-und-Maus-Spiels mit der staatlichen Zensur.

Mit „Octogone“ schafft Chalisée Naamani einen Raum, in dem historische Widerstandspraktiken des alten Persiens auf moderne Formen des Protests treffen.

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Was passiert, wenn die Logik des Theaters auf die Grenzenlosigkeit des Traums trifft? Die Kunsthalle Wien präsentiert am Karlsplatz die erste Einzelausstellung des Turiner Künstlers Guglielmo Castelli (1987) in Österreich. „Sweet Baby Motel“ ist eine Einladung in eine Welt, in der Körper zu Scheren werden und Lebkuchenhäuser Kopf stehen.

Castelli, der ursprünglich Bühnenbild studierte, verwandelt den Ausstellungsraum in eine visuelle Erzählung, die sich wie ein düsteres, aber faszinierendes Bilderbuch entfaltet. Seine Werke sind tief in der Literatur und Kunstgeschichte verwurzelt, wirken aber in ihrer zeitlosen, erdigen Palette seltsam entrückt.

Die Anatomie der Träumerei

Im Zentrum der Schau stehen sieben großformatige Leinwände, die jeweils eine solitäre Figur porträtieren. Diese Charaktere scheinen im Raum zu driften, losgelöst von der Schwerkraft:

• Kostümierung & Scheinwerfer: Gekleidet in Harlekin-Muster, Rüschen und Puffärmel, wirken die Figuren wie Akteure einer lautlosen Theateraufführung.
• Das Motiv der Schere: Gliedmaßen verformen sich in Castellis Ikonografie oft zu Scheren. Das Werkzeug dient ihm als Metapher für das Trennen und Neu-Zusammenfügen von Identität und Raum.
• Wiener Akzente: Auf einer monumentalen, 22 Meter langen Wand finden sich subtile Referenzen an die lokale Kulturgeschichte – von der Patchwork-Ästhetik eines Friedensreich Hundertwasser bis hin zu Anklängen an Pieter Bruegel den Älteren.

Hänsel und Gretel – Neu erzählt

Die Ausstellung nutzt das Märchen von Hänsel und Gretel als losen roten Faden, bricht jedoch radikal mit der klassischen Erwartung. Castelli präsentiert ein umgestürztes Lebkuchenhaus. Mit diesem Bild stellt er Fragen nach Kontrolle, häuslicher Sicherheit und den Hierarchien, die unsere Kindheit und Gesellschaft prägen. Das Werk wird so zu einem Ort des Widerstands gegen vorgegebene Erzählungen.

Publikation & Kooperation

Begleitend zur Ausstellung erscheint im März 2026 eine neue Publikation (Lenz / Castello di Rivoli / Kunsthalle Wien). Das Buch vertieft die Themen der Schau mit Texten von Sarah Crowe und Lillian Davies sowie einem aufschlussreichen Interview mit dem Künstler, geführt von Francesco Manacorda.

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Was erzählen uns Kleider über Heimat, Widerstand und Migration? Die französisch-iranische Künstlerin Chalisée Naamani bringt ihre vielschichtigen „Bildgewänder“ nach Wien. Zum Auftakt ihrer ersten Einzelausstellung außerhalb Frankreichs diskutiert sie mit der Expertin für Diaspora-Ästhetik, Prof. Noit Banai, über die politische Macht der Textilien.

Chalisée Naamani (*1995, Paris) erschafft Skulpturen, die wie eine zweite Haut fungieren. Sie sind Archiv, Collage und Kleidungsstück zugleich. In einem komplexen Prozess der Schichtung verwebt sie persönliche Fotografien mit Internet-Fundstücken, Modezitaten und ornamentalen Traditionen. Das Ergebnis sind „weiche Skulpturen“, die sich einer eindeutigen Kategorisierung entziehen.

Die Skulptur als Archiv des Widerstands

In Kooperation mit dem renommierten Palais de Tokyo (Paris) zeigt die Künstlerin in Wien aktuelle Arbeiten, die weit über das Dekorative hinausgehen. Ihre Werke sind Träger von Geschichten über:

• Migration & Heimat: Wie manifestiert sich die Zugehörigkeit zu zwei Kulturen in der Materialität von Stoffen?
• Mutterschaft & Feminismus: Die Auseinandersetzung mit dem weiblichen Körper und seiner Rolle in Gesellschaft und Kunstgeschichte.
• Widerstand: Kleidung als Medium des Protests und der Bewahrung kultureller Identität.

Diaspora-Ästhetik im Fokus

Das Gespräch mit Prof. Noit Banai von der Akademie der bildenden Künste Wien verspricht eine tiefgehende theoretische Einordnung. Banai, Spezialistin für Diaspora Aesthetics, wird Naamanis Praxis im Kontext globaler Wanderungsbewegungen und kultureller Hybridität beleuchten. Wie verändern digitale Archivdokumente und populärkulturelle Bilder unseren Blick auf traditionelles Handwerk?

Die Ausstellung markiert einen wichtigen Meilenstein für die junge Künstlerin und bietet dem Wiener Publikum die seltene Gelegenheit, eine neue Stimme der zeitgenössischen französischen Kunstszene kennenzulernen, die das Textile als politisches Manifest begreift.

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