Eine Ausstellung, die mehr ist als Kunst: Im Haus der Kunst fragt Tomás Saraceno gemeinsam mit Communities der Red Atacama, wie wir Zukunft kollektiv denken können – jenseits extraktiver Beziehungen zu unserem Planeten.

Collaboration als Prinzip

Im Juli 2026 eröffnete im Haus der Kunst München „Tomás Saraceno in collaboration: Ancestral Futures” – eine Ausstellung, die bereits im Titel ihre Haltung offenbart. Es geht nicht um das Werk eines einzelnen Künstlers, sondern um Kollaboration: zwischen Tomás Saraceno, den Communities der Red Atacama in Argentinien, Kuratorin Sarah Johanna Theurer und Künstlerischem Direktor Andrea Lissoni. Gemeinsam stellen sie Fragen, die weit über den Ausstellungsraum hinausweisen: Wie können wir unsere Beziehungen zur Erde, zur Atmosphäre und zueinander neu denken?

Museo Aero Solar: Eine Skulptur, die wächst

Im Zentrum der Ausstellung steht das Museo Aero Solar – eine gemeinschaftlich geschaffene Skulptur aus wiederverwendeten Plastiktüten, die an jedem Ort ihrer Reise durch neue Beiträge von Communities wächst und sich verändert. Das Werk ist kein abgeschlossenes Objekt, sondern ein offener Prozess: ein kollektives Archiv, das Materialien, Geschichten und Menschen miteinander verbindet und dabei die Idee von Eigentümerschaft und Autorschaft grundlegend in Frage stellt.

Luft, Wasser, Gerechtigkeit: Das Wissen der Red Atacama

Weitere Arbeiten wie „Algo-r(h)i(y)thms” und „Towards the Sanctuary of Water” verbinden Fragen zu Luft, Wasser, Technologie und Umweltgerechtigkeit mit dem Wissen und den Stimmen der Communities der Red Atacama. Dieses indigene Wissen über Territorien, Ökosysteme und Formen des Zusammenlebens wird nicht als ethnografisches Material behandelt, sondern als gleichberechtigte Erkenntnisquelle – als Wissen, das für die Zukunft des Planeten genauso relevant ist wie wissenschaftliche Forschung oder technologische Innovation.

Kollektive Zukunft als künstlerische Praxis

Im Ausstellungsfilm, in dem Saraceno, Lissoni, Theurer und Mitglieder der Red Atacama zu Wort kommen, wird deutlich, worum es der Ausstellung im Kern geht: um die Frage, welche Formen des Zusammenlebens jenseits extraktiver Beziehungen zu unserem Planeten möglich sind – und wie Kunst dazu beitragen kann, diese Formen sichtbar, denkbar und erfahrbar zu machen. „Ancestral Futures” ist dabei kein nostalgischer Blick zurück, sondern ein Plädoyer dafür, das Wissen der Vergangenheit als Ressource für die Gestaltung der Zukunft zu begreifen.

Produced by Haus der Kunst, 2026
Curated by Sarah Johanna Theurer and Andrea Lissoni with support by Aditi Kapoor
Video Production: Daisy and Haus der Kunst
Images from “The Sanctuary of Water” by Álvaro Simón Padrós courtesy of Tomás Saraceno Studio
Music and sound design: Manuela Illera inspired by Inti-Illimani – Alturas
Editorial Staff: Marie-Louise Schlutius

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Das Haus der Kunst in München widmet der chilenischen Künstlerin Sandra Vásquez de la Horra unter dem Titel „Soy Energía“ die erste umfassende institutionelle Überblicksausstellung in Europa. Die Schau beleuchtet ein multidisziplinäres Werk, das transnationale Identität, Spiritualität und politische Geschichte verwebt.

Die 1967 in Viña del Mar geborene Sandra Vásquez de la Horra hat eine künstlerische Sprache entwickelt, die tief in der chilenischen Geschichte sowie in ihren Erfahrungen während Jahrzehnten in Deutschland wurzelt. Ihr Schaffen umfasst Zeichnung, Malerei, Film und Performance und adressiert Themen wie Selbstbestimmung, Migration sowie Frauen- und Menschenrechte.

Körper und Geschichte: Das Frühwerk

Ein bedeutender Teil der Ausstellung konzentriert sich auf die Werkserien, die unter dem Eindruck des Pinochet-Regimes zwischen Mitte der 1980er- und 1990er-Jahre entstanden. Vásquez de la Horra setzt sich hier intensiv mit dem Körper auseinander. Durch Zeichen, Wortfragmente und Darstellungen von Mischwesen – hybride Kreaturen aus Mensch, Tier und Pflanze – thematisiert sie die Spannungsfelder zwischen Moral und historischer Realität.

Experimentelle Praxis und Wachstechnik

Charakteristisch für de la Horras Œuvre ist ihre seit 1997 angewandte Technik, Arbeiten in Bienenwachs zu tränken. Diese organische Behandlung verleiht den Zeichnungen eine besondere Materialität und Tiefe. In der Münchner Ausstellung werden diese Werke in experimentellen Hängungen präsentiert, die den Raum szenografisch erschließen und neue, multiperspektivische Raumkonstellationen schaffen.

Erstmalige Präsentation von Video-Performances

Ein besonderes Highlight der Schau ist die Premiere ihrer frühen Video-Performances aus den ersten Jahren in Europa. Diese dokumentieren die Auseinandersetzung der Künstlerin mit existentiellen Themen wie Rassismus, Einsamkeit und der schmerzhaften Erfahrung von Trennung. „Soy Energía“ verbindet diese historischen Arbeiten mit der aktuellen Entwicklung ihres Werks und lädt dazu ein, einen spirituellen Kosmos zu entdecken, der nach der Versöhnung von Mensch und Natur strebt.

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Im Juli 2025 eröffnete das Haus der Kunst München die Ausstellung „For Children: Art, Stories, and the Future since 1968“, die sich über fünf Jahrzehnte künstlerischer Praxis erstreckt und eine zentrale Frage stellt: Was wäre, wenn die Kindheit niemals vorbei wäre?

Im begleitenden Ausstellungsfilm erläutern der Künstlerische Leiter Andrea Lissoni und Hauptkuratorin Xue Tan, wie die Idee zur Schau entstand und warum es heute von Bedeutung ist, Kindheit als Ressource neu zu betrachten. Kindliche Perspektiven wie Spiel, Lernen und Vorstellungskraft werden hier nicht als naive Phänomene verstanden, sondern als politische und ästhetische Kräfte, die unsere Zukunft gestalten können.

Die Ausstellung bringt Werke von mehr als 20 international renommierten Künstlerinnen zusammen, darunter Bruce Nauman, Olafur Eliasson, Lygia Pape, Yto Barrada, Ana Mendieta sowie das Kollektiv DIS. Besucherinnen sind eingeladen, die Schau aktiv mitzuerleben: beim Skaten auf einer Skulptur von Koo Jeong A, beim Mitgestalten von Ei Arakawa-Nashs Mega Please Draw Freely oder beim Bauen einer Zukunftsstadt aus LEGO-Steinen.

„For Children“ macht deutlich, wie eng Spiel und künstlerisches Experiment verbunden sind – und eröffnet neue Blickwinkel auf das, was Kunst in einer komplexen Gegenwart leisten kann.

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Im September 2024 eröffnete im Münchner Haus der Kunst die wegweisende Ausstellung „Velvet Terrorism: Pussy Riot’s Russia“ – die bislang größte museale Präsentation des russischen Aktivistinnenkollektivs Pussy Riot weltweit. Es ist zugleich die erste Ausstellung in Deutschland, die sich ausschließlich der feministischen, regimekritischen Kunstgruppe widmet.

Pussy Riot, international bekannt durch ihre radikalen Performances und politischen Aktionen gegen das russische Regime, steht im Zentrum dieser Ausstellung. Gezeigt werden Videos, Installationen, Text- und Bildmaterial, das die künstlerischen und politischen Interventionen der Gruppe dokumentiert – mit besonderem Fokus auf den Kampf für Meinungsfreiheit, LGBTQIA+-Rechte und gegen staatliche Unterdrückung.

Begleitend zur Ausstellung ist ein Ausstellungsfilm entstanden, in dem Maria Alyokhina, Gründungsmitglied von Pussy Riot, sowie der Künstlerische Geschäftsführer des Hauses der Kunst, Andrea Lissoni, über die Entstehung des Projekts sprechen. Sie erläutern, warum „Velvet Terrorism“ gerade jetzt eine wichtige Botschaft transportiert – und welche Relevanz Kunst als Protestform in Zeiten politischer Repression hat.

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Mit „KI$$ KI$$“ präsentiert das Haus der Kunst in München die erste institutionelle Überblicksausstellung der in Taiwan geborenen Künstlerin und Filmemacherin Shu Lea Cheang. Die Schau versammelt Werke aus über drei Jahrzehnten und ordnet sie in drei thematische Installationen – sogenannte „Trashscapes“ – neu ein. Cheangs künstlerische Auseinandersetzung mit Technologie, Körper, Identität und Cyberspace wird dabei in einen zeitgenössischen Diskurs über digitale Gesellschaft, Queerness und Utopie überführt.

Was bedeutet der Titel „Kiss Kiss Kill Kill“? Welche Verbindungslinien ziehen sich durch die drei Ausstellungsräume? Und wie kommentiert Cheang mit ihrer Arbeit aktuelle technologische Entwicklungen? Antworten darauf geben Cheang selbst und Kuratorin Sarah Johanna Theurer im offiziellen Ausstellungsfilm, der persönliche Einblicke in den Entstehungsprozess und das kuratorische Konzept bietet.

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Philippe Parreno hat die Art und Weise, wie wir Ausstellungen erleben, grundlegend verändert. Der französische Künstler inszeniert seine Ausstellungsräume wie ein Drehbuch, in dem jedes Kunstwerk Teil einer größeren, miteinander verknüpften Erzählung ist. Dadurch entstehen immersive Erlebnisse, in denen sich überraschende und miteinander verbundene Ereignisse entfalten. Seine Ausstellungen überschreiten die Grenzen von Raum und Zeit und eröffnen neue Wahrnehmungsebenen.

Mit „Voices“ im Haus der Kunst verwandelt Parreno das Museum in einen lebendigen, widerhallenden Organismus. Akustische und visuelle Elemente verschmelzen, während Stimmen aus unbekannter Herkunft den Raum steuern und formen. Diese Klänge begleiten die Besucher durch die Ausstellung, eröffnen neue Dialoge und lassen geografische sowie architektonische Grenzen verschwimmen.

Parrenos einzigartige Herangehensweise macht ihn zu einem der einflussreichsten Künstler der Gegenwart. Seine Werke ziehen Kunstliebhaber aus aller Welt an und definieren das Konzept von Ausstellungen neu.

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n der LSK-Galerie zeigt das Haus der Kunst Ausstellungen, die übersehene Geschichten und ungehörte Stimmen in den Fokus rücken. Andrea Lissoni, Künstlerischer Geschäftsführer, führt im Video durch die Galerie und gibt einen Einblick in die neue Ausstellung „Velvet Terrorism: Pussy Riot’s Russia“, die seit Anfang 2023 geplant wurde. Sie folgt auf die Ausstellungen des Afroamerikanischen Künstlers Tony Cokes (2022) und dem Indigenen Filmkollektivs Karrabing (2023), die ebenfalls wesentliche Aspekte der jüngeren Geschichte thematisierten und innovative Mediensprachen entwickelten.

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Wie beeinflusst Kunst unser Bewusstsein für den eigenen Körper? Radia Soukni ist kuratorische Assistentin am Haus der Kunst und spricht im Interview über Rebecca Horns „Messkasten“ und wie sie diesen für die Ausstellung aktivieren durfte. Das Werk besteht aus beweglichen Aluminiumstäben, die den Körper abtasten und lädt dazu ein, die Beziehung zwischen Körper und Raum zu erforschen.

Habt ihr Lust, tiefer in die Thematik einzutauchen? Schaut gerne beim Symposium „Rebecca Horn. Bodies in Motion“ am 12.10.24 im HDK vorbei.

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Since 2021, TUNE has been a key part of the Haus der Kunst programme. Once a month, a short sound residency offers a completely new experience each time. Our Artistic Director, Andrea Lissoni, offers a glimpse into the format, the vision behind TUNE, and the wide range of events.

More information and upcoming TUNE events: hausderkunst.de/en/eintauchen/tune-2024
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Seit 2021 ist TUNE fester Bestandteil des Programms im Haus der Kunst. Einmal im Monat erwartet euch eine kurze Soundresidency, die jedes Mal ein völlig neues Erlebnis bietet. Unser künstlerischer Geschäftsführer Andrea Lissoni gibt einen Einblick in das Format, die Vision hinter TUNE und das breite Spektrum der Veranstaltungen.

Weitere Informationen und kommende TUNE Veranstaltungen: hausderkunst.de/eintauchen/tune-2024

Video: Manuela Illera

Weitere Informationen: Haus der Kunst

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Welche Kunstwerke haben euch zuletzt tief berührt oder nachdenklich gestimmt? Die Künstlerin Sandra Vásquez de la Horra teilt ihre Gedanken über Rebecca Horns „Turm der Namenlosen“ und erklärt, warum Horn sie inspiriert. Das Werk, das aus hoch aufragenden, ineinander verwobenen Leitern besteht, an denen Geigen befestigt sind, erzählt nicht nur eine Geschichte, sondern öffnet auch den Raum für Gespräche über Symbolik, Transzendenz und Philosophie.

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