Wie lässt sich Krieg fotografisch darstellen, ohne die vertrauten Bilder des Fotojournalismus zu wiederholen? Der irische Künstler Richard Mosse beschäftigt sich seit Jahren mit den Grenzen der Kriegsfotografie und dem Einsatz militärischer Bildtechnologien. In einem Gespräch mit Max Clausen vom ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe spricht er über seine frühen Arbeiten in Bosnien, Gaza und im Irak, seine berühmte Infrarotserie „Infra“ aus dem Ostkongo und ein neues Projekt zum Krieg in der Ukraine. Im Mittelpunkt steht die Frage, wie technische Bilder unsere Wahrnehmung von Gewalt, Zerstörung und militärischen Konflikten beeinflussen.

Richard Mosse: Zwischen Kriegsfotografie und zeitgenössischer Kunst

Der irische Künstler Richard Mosse (*1980) zählt zu den international bekannten Positionen einer Fotografie, die sich mit politischen Konflikten und den Grenzen dokumentarischer Bilder auseinandersetzt. Seine Arbeiten verbinden fotografische Dokumentation mit experimentellen Bildverfahren. Dabei interessiert ihn besonders, wie technische Medien bestimmen, was sichtbar wird und was außerhalb unserer Wahrnehmung bleibt.

Im Gespräch mit Max Clausen vom ZKM | Zentrum für Kunst und Medien erläutert Mosse seinen künstlerischen Werdegang. Er berichtet, wie er zur Fotografie kam und weshalb er sich bereits früh von den traditionellen Bildkonventionen des Fotojournalismus entfernte. Für Mosse reicht die bloße Dokumentation eines Konflikts nicht aus, um dessen politische und menschliche Dimensionen verständlich zu machen. Stattdessen untersucht er, wie ungewöhnliche fotografische Verfahren neue Fragen aufwerfen und vertraute Sehgewohnheiten durchbrechen können.

Frühe Fotografien aus Bosnien, Gaza und dem Irak

Zu Beginn seiner künstlerischen Laufbahn beschäftigte sich Richard Mosse mit verschiedenen Konfliktregionen. Seine frühen Arbeiten führten ihn unter anderem nach Bosnien, Gaza und in den Irak. Dort setzte er sich mit den Folgen von Krieg, Gewalt und politischer Instabilität auseinander. Dabei wurde für ihn zunehmend die Frage wichtig, wie fotografische Bilder Konflikte vermitteln und welche Grenzen die klassische Kriegsberichterstattung besitzt.

Der Fotojournalismus arbeitet häufig mit Bildmotiven, die unmittelbar als Zeichen von Krieg erkennbar sind: zerstörte Gebäude, bewaffnete Soldaten oder Menschen auf der Flucht. Mosse interessiert sich dagegen für Situationen und Zusammenhänge, die sich solchen etablierten Darstellungsformen entziehen. Seine künstlerische Herangehensweise zielt darauf, nicht nur das Geschehen zu dokumentieren, sondern auch die Bedingungen seiner fotografischen Darstellung sichtbar zu machen.

„Infra“: Wie Richard Mosse den Krieg im Kongo in Pink fotografierte

International bekannt wurde Richard Mosse insbesondere durch seine Serie „Infra“, die im Osten der Demokratischen Republik Kongo entstand. Für diese Arbeiten verwendete er den Farb-Infrarotfilm Kodak Aerochrome. Das ursprünglich für Luftbildaufnahmen und militärische Aufklärungszwecke entwickelte Filmmaterial zeichnet bestimmte Bereiche des Lichtspektrums auf, die für das menschliche Auge nicht sichtbar sind.

Die Bilder wirken auf den ersten Blick ästhetisch anziehend, obwohl sie in einer Region entstanden, die seit Jahrzehnten von bewaffneten Konflikten und schwerer Gewalt geprägt ist. Dieser Gegensatz zwischen visueller Schönheit und politischer Realität gehört zu den zentralen Spannungen der Serie. Mosse setzt die auffällige Farbigkeit bewusst ein, um die gewohnten Sehweisen der Kriegsfotografie infrage zu stellen.

Kodak Aerochrome: Militärtechnik als künstlerisches Werkzeug

Der Einsatz von Kodak Aerochrome ist mehr als ein fotografischer Effekt. Der Film wurde ursprünglich unter anderem für die Luftaufklärung und zur Erkennung von Vegetationsunterschieden entwickelt. Mosse überführt damit eine Technologie aus einem militärisch geprägten Anwendungsbereich in die zeitgenössische Kunst. Die Kamera zeigt eine Welt, die dem menschlichen Auge in dieser Form verborgen bleibt.

Gleichzeitig entsteht ein Bild, das sich deutlich von der vermeintlichen Neutralität traditioneller dokumentarischer Fotografie unterscheidet. Die ungewöhnlichen Farben machen sichtbar, dass jede fotografische Darstellung durch technische und gestalterische Entscheidungen geprägt ist. So stellt Mosse grundlegende Fragen nach dem Wahrheitsanspruch fotografischer Bilder. Denn auch eine Aufnahme, die reale Ereignisse oder Orte zeigt, ist immer das Ergebnis eines bestimmten technischen Blicks.

Krieg in der Ukraine: Fotografieren mit einer historischen Zeiss-Luftbildkamera

Im Gespräch mit dem ZKM gibt Richard Mosse auch Einblicke in ein neues künstlerisches Vorhaben, das sich mit dem Krieg in der Ukraine beschäftigt. Dafür möchte er eine Luftaufklärungskamera von Carl Zeiss aus den 1970er-Jahren einsetzen. Die Kamera wurde ursprünglich für eine frühe Form unbemannter Fluggeräte entwickelt. Mit dieser historischen Technologie will Mosse untersuchen, wie sich die Wahrnehmung des Krieges durch den Blick aus der Luft verändert.

Anders als bei seinen Infrarotarbeiten im Kongo steht dabei besonders die Beziehung zwischen fotografischer Aufklärung, militärischer Überwachung und moderner Kriegsführung im Mittelpunkt. Das Vorhaben knüpft an seine langjährige Beschäftigung mit Technologien an, die ursprünglich für militärische Zwecke entwickelt wurden. Zugleich richtet es den Blick auf einen Konflikt, in dem unbemannte Systeme eine zentrale Rolle spielen.

Drohnen und künstliche Intelligenz verändern die Kriegsführung

Der Krieg in der Ukraine zeigt, wie stark Drohnen und digitale Bildsysteme die militärische Praxis verändert haben. Unbemannte Fluggeräte dienen der Aufklärung, der Beobachtung von Bewegungen und der Steuerung militärischer Einsätze. Sie werden auch unmittelbar als Waffensysteme eingesetzt. Dabei entstehen große Mengen visueller Daten, die zunehmend mit digitalen Verfahren ausgewertet werden.

Künstliche Intelligenz und automatisierte Bilderkennung können helfen, Objekte zu klassifizieren oder auffällige Muster in Aufnahmen zu erkennen. Diese Technologien verändern nicht nur militärische Abläufe, sondern auch die Rolle des Bildes. Fotografien und Videoaufnahmen dienen nicht mehr ausschließlich dazu, Ereignisse zu dokumentieren oder Informationen an Menschen zu vermitteln. Sie werden zunehmend Bestandteil technischer Systeme, in denen Bilder ausgewertet und für Entscheidungen genutzt werden. Mosses künstlerische Auseinandersetzung richtet sich auf diesen Wandel zwischen menschlicher Wahrnehmung und maschineller Bildverarbeitung.

Wenn Maschinen Bilder auswerten: Die Grenzen menschlicher Wahrnehmung

Traditionell ist Fotografie eng mit dem menschlichen Sehen verbunden. Ein Bild wird aufgenommen, betrachtet und interpretiert. Mit automatisierten Überwachungssystemen und KI-gestützter Bildanalyse verändert sich dieses Verhältnis. Digitale Bilder können heute von Maschinen verarbeitet werden, ohne dass ein Mensch jedes einzelne Bild betrachten muss. Damit stellt sich die Frage, für wen Bilder überhaupt entstehen und welchen Zweck sie erfüllen.

In militärischen Zusammenhängen können Aufnahmen gleichzeitig der Beobachtung, der Zielerkennung und der Dokumentation dienen. Richard Mosse interessiert sich für die Konsequenzen dieser technischen Entwicklung. Seine Arbeiten untersuchen, wie sich das Verhältnis zwischen Sichtbarkeit, Wissen und Macht verändert, wenn fotografische Technologien nicht nur beobachten, sondern Teil militärischer Handlungssysteme werden.

Was können Fotografien von Krieg und Zerstörung vermitteln?

Eine zentrale Frage des Gesprächs betrifft die Möglichkeiten und Grenzen fotografischer Darstellung. Kriegsbilder können dokumentieren, informieren und auf menschliches Leid aufmerksam machen. Gleichzeitig bleiben viele Ursachen und Folgen bewaffneter Konflikte außerhalb des sichtbaren Bildausschnitts. Politische Interessen, historische Entwicklungen und individuelle Erfahrungen lassen sich nicht immer durch einzelne Fotografien vermitteln. Hinzu kommt, dass sich die öffentliche Wahrnehmung von Gewalt durch die ständige Verfügbarkeit entsprechender Bilder verändern kann.

Richard Mosse reagiert darauf mit fotografischen Verfahren, die bewusst irritieren. Seine Arbeiten sollen nicht nur zeigen, sondern auch die Bedingungen des Sehens selbst zum Thema machen. Dadurch entsteht eine Auseinandersetzung mit der Frage, wie Bilder unsere Vorstellungen von Krieg prägen und welche Verantwortung mit ihrer Herstellung und Verbreitung verbunden ist.

Interview & Schnitt: Max Clausen
Kamera: Andy Koch & Seline Herzog

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Was wäre, wenn wir die Mars-Besiedelung nicht den Superreichen überlassen, sondern als gemeinschaftliches, demokratisches Projekt angehen würden? Was würden wir tun, wenn wir noch einmal von vorn anfangen könnten?

Zu sehen sind die 3 Phasen des Projektes: MARS! – Mobilizing Awareness for Resilient Societies:

1. Prototypen: Workshops mit Wissenschaftler:innen und Citizen Scientists zu Habitat, Mental Health, Food, Governance und Resource Management.
2. Konzept-Ausstellung (6.6.–13.9.2026): Ergebnisse der Prototypen, eine offene Plattform zum Testen, Kommentieren und Mitdenken.
3. MARS!platz (15.–27.10.2026): Der Karlsruher Marktplatz wurde zum Schauplatz einer Dauerperformance. In einer weißen Kuppel lebten die Karlstronauten unter simulierten Marsbedingungen: mit Kälte, knappem Wasser, Heuschrecken und einem Roboterhund.

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Was erzählen Knochen über die Geschichte des Lebens, die Verwandtschaft zwischen Mensch und Tier und unseren Umgang mit dem Tod? Diesen Fragen widmen sich die australischen Künstlerinnen Helen Pynor und Gail Priest in einem Film des ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe. Aus den Überresten überfahrener Wildtiere entstehen filigrane Objekte aus Knochenporzellan und eine Klangkomposition, die Tierstimmen mit den Geräuschen bearbeiteter Knochen verbindet. Die künstlerische Zusammenarbeit eröffnet einen ungewöhnlichen Blick auf Evolution, Vergänglichkeit und die materiellen Verbindungen zwischen Lebewesen.

Helen Pynor und Gail Priest: Kunst zwischen Biologie, Klang und Erinnerung

Knochen bilden das tragende Gerüst vieler Lebewesen. Gleichzeitig sind sie biologische Archive, in denen sich Informationen über Ernährung, Umweltbedingungen und Lebensgeschichte ablagern können. Ihre mineralische Zusammensetzung verweist auf die Wechselwirkungen zwischen Organismen und ihrer Umwelt. Knochen enthalten insbesondere Kalzium und Phosphat, die für ihre Festigkeit und biologische Funktion entscheidend sind.

Für die Künstlerin Helen Pynor und die Klangkünstlerin Gail Priest sind Knochen jedoch mehr als anatomische Strukturen. Sie werden zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Untersuchung, die naturwissenschaftliche Erkenntnisse mit Fragen nach Sterblichkeit, Erinnerung und der Beziehung zwischen Menschen und anderen Lebewesen verbindet.

Von überfahrenen Wildtieren zu Kunstwerken aus Knochenporzellan

Helen Pynor sammelt in Australien Wildtiere, die im Straßenverkehr ums Leben gekommen sind. Die Überreste bilden das Ausgangsmaterial für einen aufwendigen künstlerischen Prozess. Zunächst löst Pynor die Knochen aus den Tierkörpern. Anschließend werden sie bei hohen Temperaturen gebrannt, wie sie auch bei einer Kremation erreicht werden. Durch die Hitze verändern sich die Knochen grundlegend. Organische Bestandteile werden weitgehend entfernt, während mineralische Rückstände zurückbleiben.

Diese kalzinierten Knochen verarbeitet die Künstlerin zu Knochenporzellan, einem keramischen Material, das traditionell unter Verwendung von Knochenasche hergestellt wird. Aus dem Material entstehen Nachbildungen der Gehörknochen verschiedener Wirbeltierarten. Der Herstellungsprozess verbindet handwerkliche Präzision mit einer Auseinandersetzung über die Umwandlung biologischer Materie.

Gehörknochen und Evolution: Was Menschen und Tiere verbindet

Die Wahl der Gehörknochen hat eine besondere evolutionsbiologische Bedeutung. Die Gehörknöchelchen der Säugetiere – Hammer, Amboss und Steigbügel – sind das Ergebnis einer langen Entwicklungsgeschichte. Hammer und Amboss gehen evolutionär auf Knochen zurück, die bei frühen Vorfahren der Säugetiere Teil des Kieferapparats waren. Entsprechende Strukturen sind bei anderen Wirbeltiergruppen in veränderter Funktion erhalten geblieben.

Vögel und Reptilien besitzen dagegen in der Regel nur einen einzelnen Gehörknochen im Mittelohr, die Columella, die dem Steigbügel der Säugetiere entspricht. Diese anatomischen Zusammenhänge verdeutlichen die gemeinsame evolutionäre Herkunft der Wirbeltiere. Indem Helen Pynor Gehörknochen unterschiedlicher Arten nachbildet, macht sie solche Verwandtschaftsbeziehungen zum Gegenstand ihrer Kunst. Die Arbeiten verweisen damit auf eine Entwicklungsgeschichte, die Hunderte Millionen Jahre zurückreicht.

Gail Priest macht Knochen und Tierstimmen hörbar

Die australische Klangkünstlerin Gail Priest erweitert die skulpturalen Arbeiten um eine akustische Dimension. Als Ausgangsmaterial verwendet sie Geräusche der kalzinierten Knochen. Aus diesen Klängen entwickelt sie mithilfe digitaler Sampling-Techniken ein xylophonartiges Instrument.

Die so gewonnenen Töne kombiniert Priest mit Lautäußerungen verschiedener Tierarten. Dazu gehören unter anderem Rosakakadu, Maulwurf, Storch, Fledermaus und Viper. Die Klangkomposition verbindet damit die materielle Beschaffenheit der Knochen mit akustischen Spuren lebender Tiere. Aus den Überresten verstorbener Organismen entsteht eine neue Form künstlerischen Ausdrucks.

Knochenleitungslautsprecher: Klang wird körperlich erfahrbar

Eine Besonderheit der Arbeit ist die Wiedergabe über Knochenleitungslautsprecher. Anders als herkömmliche Lautsprecher übertragen solche Systeme Schwingungen über direkten Kontakt mit dem Körper. Die Vibrationen können über die Schädelknochen zum Innenohr gelangen. Dadurch entsteht eine besondere Form der Klangwahrnehmung, bei der Hören und körperliche Empfindung miteinander verbunden sind.

Diese Technik greift das zentrale Motiv der künstlerischen Zusammenarbeit auf. Knochen sind hier nicht nur Material und Gegenstand der Untersuchung, sondern werden auch Teil des Wahrnehmungsprozesses. Die Verbindung von skulpturalen Objekten, Tierstimmen und körperlich übertragener Klangkunst erweitert die Auseinandersetzung mit biologischer Verwandtschaft um eine unmittelbare sinnliche Erfahrung.

Rituale des Erinnerns: Kunst als Auseinandersetzung mit dem Tod

Die Verarbeitung der Tierkörper ist bei Helen Pynor von kleinen Ritualen des Begrabens und Erinnerns begleitet. Damit unterscheidet sich der künstlerische Prozess von einer rein technischen Materialgewinnung. Die Tiere werden nicht ausschließlich als Rohstoff betrachtet, sondern als Lebewesen, deren Tod Teil der Entstehungsgeschichte der Werke bleibt. Die rituellen Handlungen eröffnen einen Raum für Fragen nach Verantwortung, Trauer und dem Umgang mit sterblichen Überresten. Zugleich verweist die Umwandlung der Knochen in Porzellan auf einen grundlegenden Prozess: Materie verschwindet nicht einfach, sondern verändert ihre Form und ihre Eigenschaften. Pynors Arbeiten beschäftigen sich damit auch mit den Übergängen zwischen Leben, Tod und materieller Transformation.

Mineralien als Archive des Lebens und der Erdgeschichte

Knochen bestehen zu einem großen Teil aus mineralischen Verbindungen, insbesondere aus Kalziumphosphat in Form von Hydroxylapatit. Ihre chemische Zusammensetzung kann Hinweise auf die Lebensbedingungen eines Organismus enthalten. In der Archäologie und Paläontologie werden beispielsweise Isotopenanalysen eingesetzt, um Informationen über Ernährungsweisen, Wanderungsbewegungen und Umweltbedingungen zu gewinnen.

Knochen verbinden damit biologische Prozesse mit geologischen und chemischen Kreisläufen.Mineralien werden aus der Umwelt aufgenommen, in lebende Körper eingebaut und nach dem Tod wieder Teil anderer Stoffkreisläufe. Diese Verbindungen zwischen Körper und Erde bilden einen wesentlichen gedanklichen Hintergrund der künstlerischen Arbeiten. Sie hinterfragen die Vorstellung, Lebewesen seien vollständig von ihrer materiellen Umwelt getrennt.

ZKM Karlsruhe: Kunst und Wissenschaft im Dialog

Das ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe beschäftigt sich seit seiner Gründung mit den Beziehungen zwischen Kunst, Technologie, Wissenschaft und Gesellschaft. Die Zusammenarbeit von Helen Pynor und Gail Priest fügt sich in diesen interdisziplinären Zusammenhang ein. Ihre Arbeiten verbinden bildende Kunst, Keramik, Klanggestaltung und biologische Forschung.

Der begleitende Film zeigt, wie aus naturwissenschaftlichen Zusammenhängen künstlerische Fragestellungen entstehen können. Dabei geht es nicht darum, wissenschaftliche Erkenntnisse lediglich zu illustrieren. Vielmehr eröffnet die Kunst eigene Zugänge zu Fragen, die auch für die Biologie, die Philosophie und die gesellschaftliche Auseinandersetzung mit dem Tod von Bedeutung sind.

Kunst aus Knochen: Eine neue Perspektive auf Mensch, Tier und Vergänglichkeit

Die Arbeiten von Helen Pynor und Gail Priest machen die enge materielle und evolutionäre Verbindung zwischen Menschen und anderen Wirbeltieren erfahrbar. Aus Knochen werden Porzellanobjekte, aus Geräuschen entstehen musikalische Strukturen und aus biologischen Überresten neue Formen des Erinnerns. Die künstlerische Untersuchung verbindet damit verschiedene Zeitebenen: das Leben einzelner Tiere, die Geschichte ihrer Körper und die evolutionäre Entwicklung über Millionen von Jahren.

Der Film des ZKM Karlsruhe lädt dazu ein, Knochen nicht allein als Überreste des Lebens zu betrachten, sondern als Zeugnisse fortdauernder Verwandlungsprozesse.

Interview & Schnitt: Max Clausen
Kamera: Andy Koch & Seline Herzog

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Mit Grid Palimi-ú aus dem Jahr 2023 richtet der irische Künstler und Fotograf Richard Mosse den Blick auf die Yanomami, eines der größten indigenen Völker Amazoniens. Ihr traditionelles Territorium erstreckt sich über das Grenzgebiet zwischen Brasilien und Venezuela. Für seine Arbeit reiste Mosse in das Dorf Palimi-ú im brasilianischen Bundesstaat Roraima. Dort überlässt er vor allem den Yanomami selbst das Wort. Ihre Reden sind direkt in die Kamera gerichtet und wurden auf 35-mm-Infrarotfilm aufgenommen. Damit stehen nicht die Beobachtungen des Künstlers im Mittelpunkt, sondern die Menschen, deren Lebensraum seit Jahrzehnten von massiven Eingriffen bedroht wird.

Illegale Goldsucher bedrohen das Yanomami-Gebiet

Seit Ende der 1980er-Jahre dringen immer wieder illegale Goldsucher, die sogenannten garimpeiros, in das Gebiet der Yanomami ein. Mit ihnen kamen Krankheiten und Gewalt. Tausende Yanomami starben infolge der Konflikte und der eingeschleppten Krankheiten.

Auch die offizielle Anerkennung des Yanomami-Territoriums im Jahr 1992 konnte die Eindringlinge nicht dauerhaft fernhalten. In den vergangenen Jahren nahm der illegale Bergbau erneut massiv zu. Zehntausende Goldsucher drangen in das Gebiet ein und hinterließen gravierende ökologische und soziale Schäden.

Quecksilber, Abholzung und Gewalt

Der illegale Goldabbau zerstört nicht nur den Regenwald, sondern belastet auch die Flüsse mit Quecksilber. Wälder werden gerodet, Flächen für Plantagen und Viehzucht erschlossen und Dörfer angegriffen. Auch Palimi-ú wurde 2021 zum Schauplatz eines solchen Angriffs. Für die Yanomami haben die Eingriffe unmittelbare Folgen: Hunger, Malaria, Krankheiten und Tod bedrohen die Gemeinschaften. Mosse macht diese Zerstörung nicht nur über die Berichte der Betroffenen sichtbar, sondern stellt ihnen Aufnahmen der Landschaft gegenüber.

16 Bildschirme zeigen die Wunden des Regenwaldes

Den Reden der Yanomami stehen 16 Bildschirme gegenüber. Sie zeigen multispektrale Drohnenaufnahmen von illegalen Minen, Plantagen und Rinderfarmen. Die ungewöhnlichen Bildaufnahmen machen sichtbar, was aus der Distanz oft unsichtbar bleibt: die Spuren menschlicher Eingriffe in den Regenwald. Abbauflächen, gerodete Gebiete und landwirtschaftlich genutzte Flächen erscheinen als regelrechte Wunden in der Landschaft. So verbindet Grid Palimi-ú zwei Perspektiven: die unmittelbaren Stimmen der Yanomami und die technische Fernerkundung eines bedrohten Ökosystems.

„Filmt uns nicht, wenn ihr danach nichts tut“

Die Yanomami richten ihre Reden nicht nur an Richard Mosse. Ihre Worte gelten ebenso den Besucherinnen und Besuchern, die sich die Arbeit ansehen. Damit stellt Grid Palimi-ú auch die Rolle des Dokumentierens infrage. Was bedeutet es, eine bedrohte Gemeinschaft zu filmen, ihre Geschichten sichtbar zu machen und anschließend zur Tagesordnung überzugehen? Die Arbeit formuliert daraus einen eindringlichen Appell: Bilder allein reichen nicht aus. Die Yanomami fordern nicht nur Aufmerksamkeit für ihre Situation, sondern konkrete Unterstützung und Handeln.

Kunst zwischen Dokumentation, Technologie und Aktivismus

Richard Mosse verbindet in Grid Palimi-ú dokumentarische Fotografie mit moderner Bildtechnologie. Der Einsatz von 35-mm-Infrarotfilm für die Reden und multispektraler Drohnenaufnahmen für die Landschaft erzeugt einen bewussten Kontrast. Auf der einen Seite stehen Menschen, die direkt in die Kamera sprechen. Auf der anderen Seite stehen technisch erzeugte Bilder eines von Menschen veränderten Regenwaldes. Zusammen ergeben beide Ebenen ein Porträt eines Lebensraums, dessen Zerstörung nicht abstrakt bleibt.

Grid Palimi-ú macht damit nicht nur die ökologische Krise des Amazonas sichtbar. Die Arbeit stellt vor allem die Perspektive der Yanomami in den Mittelpunkt – und erinnert daran, dass der Schutz des Regenwaldes untrennbar mit dem Schutz der Menschen verbunden ist, die dort leben.

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Der belgische Künstler und Filmemacher Johan Grimonprez zählt zu den prägenden Stimmen der internationalen Medienkunst. In einem Gespräch mit Max Clausen gibt er Einblicke in seine Arbeitsweise, die sich bewusst zwischen Kunst, Kino und dokumentarischem Erzählen bewegt und dabei die Grenzen zwischen Fakt und Fiktion hinterfragt.

“Wenn ich kein Filmemacher wäre, wäre ich Teemeister. Oder ich würde versuchen, Teemeister zu werden. Angehender Teemeister”_Johan Grimonprez

Grimonprez setzt sich in seinen Filmen und Installationen mit der Macht von Medien, der Konstruktion kollektiver Erinnerungen und den Auswirkungen der Globalisierung auseinander. Ausgehend von einer kritischen Analyse moderner Bildwelten verbindet er historische Ereignisse, politische Zusammenhänge und mediale Erzählformen zu vielschichtigen Geschichten. Seine Werke zeigen, wie Angst, Desinformation und mediale Inszenierungen die gesellschaftliche Wahrnehmung und den politischen Diskurs beeinflussen.

Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die Frage, wie Bilder unsere Vorstellung von Realität prägen. Dabei löst Grimonprez die klassischen Grenzen zwischen Dokumentarfilm und Fiktion auf und entwickelt neue narrative Formen, die unterschiedliche Perspektiven und Wirklichkeiten miteinander verknüpfen.

Besondere Aufmerksamkeit erhält derzeit sein jüngster Dokumentarfilm „Soundtrack to a Coup d’Etat“. Der Film feierte seine Premiere beim Sundance Film Festival 2024, wurde dort mit dem Cinematic Innovation Award ausgezeichnet und ist für den Oscar® als bester Dokumentarfilm nominiert. Mit dem Werk untersucht Grimonprez die Verflechtung von Politik, Kolonialgeschichte, Musik und internationaler Machtpolitik und führt damit seine kritische Auseinandersetzung mit globalen Zusammenhängen konsequent fort.

Das Gespräch mit Max Clausen bietet einen vertiefenden Einblick in das Werk eines Künstlers, der mit seinen filmischen Arbeiten immer wieder neue Perspektiven auf Geschichte, Medien und gesellschaftliche Wirklichkeit eröffnet.

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Was bedeutet Heimat in einer pluralen Demokratie – und wem gehört sie? In der Vortragsreihe „thinking inside out” von ZKM und HfG spricht einer der einflussreichsten Kuratoren der Gegenwart über ein vielschichtiges Projekt zur Neudeutung eines umkämpften Begriffs.

Heimat ist ein Begriff mit Geschichte – und mit Sprengstoff. Das Projekt „heimaten” greift ihn auf, verweigert aber die Vereindeutigung: Im Plural gedacht, verweist er auf die Vielfalt der deutschen Gesellschaft und auf die grundgesetzliche Idee, dass alle Staatsgewalt von einem Volk ausgeht, das durch unterschiedliche Herkunftsgeschichten, Religionen, politische Meinungen und Lebensrealitäten geprägt ist. Heimat, so das Kernargument, ist kein fester Zustand – sondern etwas, das aktiv gestaltet wird und sich fortlaufend verändert.

In der gemeinsamen Vortragsreihe „thinking inside out” von ZKM und Staatlicher Hochschule für Gestaltung Karlsruhe (HfG), moderiert von Constanze Fischbeck und Alistair Hudson, stellt Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung das Projekt vor. Mit einem auf vier Jahre angelegten Programm aus Konferenzen, Gesprächsreihen, Publikationen, Podcasts und Kulturveranstaltungen will „heimaten” plurale Demokratie sichtbar machen – getragen von zahlreichen Initiativen und Kulturinstitutionen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Ein Kurator von Weltrang

Bonaventure Soh Bejeng Ndikung ist Kurator, Autor und Biotechnologe – eine ungewöhnliche Kombination, die sein Denken prägt. Derzeit ist er Intendant und Chefkurator des Haus der Kulturen der Welt in Berlin sowie Chefkurator der 36. São Paulo Biennale. Er gründete SAVVY Contemporary in Berlin, leitete sonsbeek20–24 in Arnhem und war Curator-at-Large für die documenta 14 in Athen und Kassel. Weitere Stationen umfassen die Dak’Art Biennale in Dakar, die Bamako Encounters in Mali und den finnischen Pavillon auf der 58. Venedig Biennale. Als Professor leitet er den Masterstudiengang Spatial Strategies an der Weißensee Kunsthochschule Berlin.

Zu seinen Veröffentlichungen zählen „The Delusions of Care” und „Pidginization as Curatorial Method” – Texte, die sein kuratorisches Denken ebenso scharf umreißen wie seinen Blick auf Kunst, Politik und Gemeinschaft.

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Die in Havanna und Chicago lebende Künstlerin Tania Bruguera beschäftigt sich in ihrem Werk mit zentralen Fragestellungen der Gegenwart. Im Fokus stehen dabei die Wechselwirkungen von Politik und Macht sowie Themen wie Migration und Postkolonialismus.

Ihre Arbeiten greifen zudem religiöse Motive auf und reflektieren persönliche Erfahrungen im Spannungsfeld unterschiedlicher kultureller Kontexte. Durch diese Verbindung von individuellen und gesellschaftlichen Perspektiven entstehen vielschichtige künstlerische Positionen, die globale Entwicklungen ebenso wie biografische Prägungen sichtbar machen.

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Lange bevor YouTube oder Netflix existierten, gab es eine radikale Idee: Das Fernsehen sollte kein Ort für Dokumentationen über Kunst sein, sondern selbst zur Galerie werden. Das ZKM Karlsruhe hat nun das legendäre Archiv von Gerry Schum und Ursula Wevers erworben. Ein Coup für die Kunstwelt – und der Anlass für eine monumentale Ausstellung ab Mai 2026.

Mit diesem Erwerb sichert das ZKM ein zentrales Zeugnis der Avantgarde. Es ist die Geschichte eines visionären Paares, das den Mut hatte, das „Medium für die Massen“ gegen den elitären Kunstmarkt auszuspielen.

Die Vision: Kunst für alle, Besitz für niemanden

Ende der 1960er-Jahre steckte das klassische Kunstobjekt in der Krise. Aktionen, Land Art und Konzepte ließen sich nicht einfach in einen Rahmen pressen oder in einen Tresor legen. Gerry Schum und Ursula Wevers antworteten darauf radikal:

• Demokratisierung: Kunst sollte direkt in die Wohnzimmer fließen – ohne Eintrittskarte, ohne exklusiven Sammlerkreis.
• Kommunikation statt Besitz: „Eine unserer Ideen ist die Kommunikation von Kunst anstelle des Besitzes von Kunstobjekten“, so Schums berühmtes Credo.

„Die Übernahme des Archivs durch das ZKM bedeutet mir sehr viel und erfüllt mich mit großer Freude. Nachdem ich über viele Jahre für seine Erhaltung und Pflege Sorge getragen habe, weiß ich die Archivbestände nun in guten Händen und für kommende Generationen dauerhaft gesichert“ — Ursula Wevers

Die „Störsender“ der Kunstgeschichte

Die Fernsehgalerie war kein braves Bildungsprogramm. Sie war eine Intervention.

1. LAND ART (1969): Die erste Fernsehausstellung der ARD brachte monumentale Natur-Eingriffe direkt auf die Röhrenbildschirme.
2. IDENTIFICATIONS (1970): In Zusammenarbeit mit Größen wie Joseph Beuys, Richard Serra und Gilbert & George entstanden Werke, die heute zum Weltkanon der Videokunst gehören.
3. Radikale Stille: Die Beiträge wurden ohne Kommentar oder erklärende Moderation ausgestrahlt. Ein Schock für das damalige TV-Publikum und ein Bruch mit allen Sehgewohnheiten.

Ende der TV-Kooperation und Gründung der Galerie Schum

Nach IDENTIFICATIONS kam der Widerstand der Sender. Die radikale Form der Präsentation überforderte die Institutionen; die Zusammenarbeit wurde eingestellt. Dies zwang Schum und Wevers zu einem strategischen Rückzug in den Markt, den sie eigentlich umgehen wollten. 1971 gründeten sie die videogalerie schum in Düsseldorf. Es war die erste Galerie Europas, die ausschließlich Videoeditionen produzierte und vertrieb.

Nach Schums frühem Tod 1973 bewahrte Ursula Wevers diesen Schatz über fünf Jahrzehnte. Das ZKM übernimmt nun ein Konvolut aus Technik- und Kunstgeschichte gleichermaßen:

• Filme & Videos: 66 originale 16-mm-Filme & 81 Videobänder (diverse Formate)
• Dokumente: Korrespondenzen, Zeichnungen, Collagen & technische Unterlagen
• Equipment: Historisches Videoequipment (die „Hardware“ der Revolution)
• Unikate: Werkvorstufen und bisher unveröffentlichte Projekte

Warum das ZKM der perfekte Ort ist

Alte Videobänder sind Mimosen – sie zerfallen, wenn man sie nicht richtig pflegt. Das ZKM ist eine der wenigen Institutionen weltweit, die über ein eigenes Labor für antiquierte Videosysteme verfügt. Hier werden die Bänder nicht nur gelagert, sondern aktiv vor dem digitalen Vergessen gerettet.

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Stellen Sie sich vor, Sie schalten 1969 den Fernseher ein und mitten im Programm erscheint – ohne Vorwarnung und völlig unkommentiert – ein Kunstwerk. Was heute wie ein radikales Experiment klingt, war die Vision von Gerry Schum und Ursula Wevers. Das ZKM Karlsruhe widmet dieser Pionierleistung nun eine umfassende Ausstellung.

Die Ausstellung „Der Fernseher als Galerie“ erzählt die faszinierende Geschichte der „Fernsehgalerie“ und der späteren „Videogalerie Schum“. Es ist eine Chronik über den Versuch, Kunst demokratischer zu machen und sie direkt dorthin zu bringen, wo die Menschen sind: in ihr Wohnzimmer.

Kunst ohne Wände und Eintrittspreise

Im Jahr 1969 etablierten Gerry Schum und Ursula Wevers in der ARD eine neue Art der Galerie – eine Galerie ohne Wände und ohne Eintrittspreise. Für dieses Projekt wurden eigens neue Werke produziert. Namhafte Künstler wie Joseph Beuys, Jan Dibbets, Gilbert & George sowie Robert Smithson schufen Beiträge, die heute als Meilensteine der Land Art und Konzeptkunst gelten.

Vom Fernsehen zum Heimvideo

Doch die Radikalität des Projekts stieß bei den Fernsehanstalten schnell an Grenzen. Den Sendern war das Format zu experimentell, woraufhin das Projekt gestoppt wurde. Schum und Wevers ließen sich jedoch nicht entmutigen und gründeten die „Videogalerie Schum“ – die erste Galerie weltweit, die sich ausschließlich auf den Vertrieb von Videokunst konzentrierte. Ihre Vision: Jeder sollte ein Kunstwerk mit nach Hause nehmen und es auf dem eigenen heimischen Fernseher betrachten können.

Einzigartige Einblicke in das Archiv

Das Besondere an der Schau im ZKM ist der erstmalige Einblick in das umfangreiche Archiv von Gerry Schum und Ursula Wevers. Die Besucher erwartet nicht nur eine Auswahl wunderbarer Videokunstwerke, sondern auch die dokumentierte Geschichte dahinter – eine Erzählung von faszinierender Produktion, aber auch vom Scheitern an den damaligen medialen Möglichkeiten.

Die Ausstellung ist ein Muss für alle, die sich für die Ursprünge der Medienkunst und die Frage interessieren, wie Technik die Wahrnehmung von Kunst verändern kann.

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Während die Geschichte der Videokunst in Nordamerika gut dokumentiert ist, blieb die europäische Szene lange Zeit ein Mosaik aus Bruchstücken. Die neue Ausstellung „Hidden on Tape“ im ZKM Karlsruhe ändert das nun und bringt verloren geglaubte Schätze der frühen Medienkunst zurück ans Licht.

Wie der Titel der Ausstellung bereits andeutet, begibt sich das ZKM auf eine Spurensuche nach Werken, die über Jahrzehnte als verloren galten oder auf antiquierten Bändern schlummerten. Grundlage für dieses ambitionierte Projekt ist das Forschungsprogramm Emergence of Video Art in Europe, eine Kooperation der ÉCAL Genf und der Universität Paris 8.

Archäologie der elektronischen Signale

Ein entscheidender Teil der Ausstellungsvorbereitung fand direkt im ZKM statt: im Labor für antiquierte Videosysteme. Hier werden alte Bänder mit spezialisiertem Equipment restauriert und digitalisiert, um sie der Öffentlichkeit nach Jahrzehnten wieder zugänglich zu machen.

Gemeinsame Fragen, unterschiedliche Antworten

Obwohl die Künstlerinnen und Künstler über ganz Europa verteilt arbeiteten, beschäftigten sie sich oft mit frappierend ähnlichen Themen:

• Medienkritik: Viele setzten sich kritisch mit dem damaligen Massenmedium Fernsehen auseinander und entwickelten alternative, künstlerische Gegenprogramme.
• Selbsterfahrung: Der eigene Körper vor der Kamera wurde zum zentralen Motiv der frühen Video-Experimente.
• Materialität: Die Untersuchung des elektronischen Signals an sich war ein wesentlicher Bestandteil der frühen künstlerischen Forschung.

Ein Kontinent, viele Kontexte

Trotz der thematischen Parallelen zeigt die Ausstellung auch die deutlichen Unterschiede auf, die durch die jeweiligen kulturellen und politischen Hintergründe der europäischen Länder geprägt waren. Auch die schlichte Verfügbarkeit der damals noch teuren und seltenen Videotechnik spielte eine entscheidende Rolle für die Entwicklung der regionalen Szenen.

„Hidden on Tape“ versteht sich nicht als abgeschlossenes Werk, sondern als der Beginn einer komplexen Erzählung über die europäische Medienkunst, die in der Zukunft stetig weitergeschrieben werden muss.

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