Wie wurde die Schweiz zu einem der bedeutendsten Finanzplätze der Welt? Eine Ausstellung im Landesmuseum Zürich zeichnet die Geschichte des Bankwesens nach und fragt, wie belastbar das Vertrauen ins Bankenland heute ist.

Geld, Kredit und Vertrauen im Alltag

Die Schweiz gilt als Bankenland, und die Ausstellung zeigt, wie tief das Bankwesen in der Schweizer Identität verwurzelt ist. Schon lange bevor es offizielle Banken gab, spielten Geld, Kredit und Vertrauen im Alltag eine zentrale Rolle. Anhand eindrucksvoller Objekte zeichnet die Schau diese Entwicklung nach.

Von Geldverleihern zu Grossbanken

Den Grundstein für den modernen Finanzplatz legten jüdische Geldverleiher, lombardische Händler und später städtische „Wechselstuben“. Im 19. Jahrhundert prägten Sparkassen und Kantonalbanken das Bild der Bank als verlässliche Institution für jedermann. In Zürich, Basel und Genf entstanden Grossbanken, die den industriellen Fortschritt ermöglichten. Im 20. Jahrhundert begann mit dem berühmten Bankgeheimnis der Aufstieg der Schweiz zur Finanzdrehscheibe von Weltrang.

Ein Vertrauen, das nicht unerschütterlich ist

Der Erfolg verlief nicht ohne Brüche. Immer wieder haben Krisen das Bild der Schweizer Banken geprägt: von Konkursen über internationale Kritik am Bankgeheimnis bis zu spektakulären Übernahmen. Die Ausstellung beleuchtet diese Wendepunkte und stellt die Frage, was Vertrauen im Finanzwesen bedeutet.

Mitmachen erwünscht

Die Schau blickt nicht nur zurück, sondern lädt auch zur Auseinandersetzung mit dem Bankenland von heute ein. Interaktive Medienstationen, Umfragen und spielerische Elemente für Kinder machen den Besuch zu einem Erlebnis für Gross und Klein.

Mehr unter: www.landesmuseum.ch/bankenland

Der Beitrag Vom Wechseltisch zur Weltfinanz: Das Landesmuseum Zürich zeigt „Bankenland Schweiz“ erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Grafikdesign ist überall: auf Plakaten, Verpackungen, Briefmarken, Logos oder in der Gestaltung von Ausstellungen. Wie stark visuelle Kommunikation unseren Alltag und unsere Wahrnehmung beeinflusst, zeigt die Ausstellung „Grafik – Visuelle Gestaltung im Alltag“ im Landesmuseum Zürich.

Anhand ausgewählter Werke aus der umfangreichen Grafiksammlung des Schweizerischen Nationalmuseums macht die Ausstellung sichtbar, wie Gestaltung gesellschaftliche Vorstellungen prägt, Botschaften vermittelt und kulturelle Identitäten formt.

Wie Grafikdesign unsere Wahrnehmung beeinflusst

Der erste Teil der Ausstellung beschäftigt sich mit der Wirkung visueller Gestaltung. Historische Plakate und Objekte zeigen, wie Grafikdesign Begehren erzeugen, Stereotype vermitteln und gesellschaftliche Vorstellungen festigen kann.

Dabei richtet die Ausstellung den Blick auch auf problematische Darstellungen aus der Vergangenheit. So wird untersucht, wie Werbung traditionelle Geschlechterrollen reproduzierte und wie bestimmte Gestaltungselemente eine spezifische Vorstellung von „Swissness“ vermittelten.

Auch exotisierende Bildwelten werden thematisiert, darunter Darstellungen mit rassistischen Inhalten, die heute kritisch eingeordnet und klar als solche benannt werden.

Werbung, Identität und „Swissness“

Grafische Gestaltung ist nie vollkommen neutral. Farben, Schriften, Bilder und Symbole können bestimmte Vorstellungen von Heimat, Zugehörigkeit und Identität vermitteln.

Gerade die Darstellung der Schweiz bietet dafür zahlreiche Beispiele. Die Ausstellung zeigt, wie sich über Jahrzehnte ein visuelles Bild der Schweiz entwickelt hat und welche Rolle Grafikdesigner dabei spielten.

Damit wird Grafik nicht nur als ästhetische Form, sondern auch als kulturelles und gesellschaftliches Ausdrucksmittel verstanden.

Wie entsteht eigentlich Grafikdesign?

Im zweiten Teil wechselt die Perspektive: Statt der Wirkung fertiger Gestaltung steht nun deren Entstehung im Mittelpunkt.

Die Ausstellung erklärt, welche gestalterischen Mittel und handwerklichen Prozesse hinter unterschiedlichen Formen visueller Kommunikation stehen. Von der Plakatgestaltung über Logos und Typografie bis zu Briefmarken und Ausstellungsgrafik reicht das Spektrum.

Besucherinnen und Besucher erhalten dadurch Einblicke in die Arbeit von Gestalter und in die zahlreichen Entscheidungen, die notwendig sind, bis aus einer Idee eine fertige grafische Arbeit entsteht.

Interaktiv Grafik gestalten

Die Ausstellung lädt nicht nur zum Betrachten ein. Interaktive Stationen ermöglichen es den Besucherinnen und Besuchern, selbst gestalterisch tätig zu werden.

Dabei lässt sich unmittelbar erfahren, wie Schrift, Bild, Farbe und Form miteinander wirken und welche Entscheidungen die Wahrnehmung einer Botschaft beeinflussen.

So wird anschaulich, dass Grafikdesign weit mehr ist als dekorative Gestaltung: Es verbindet Kreativität, Handwerk, Kommunikation und gesellschaftliche Verantwortung.

Grafik zwischen Vergangenheit und Zukunft

„Grafik – Visuelle Gestaltung im Alltag“ spannt einen Bogen von historischen Beispielen bis zu aktuellen Fragen der visuellen Kommunikation.

Die Ausstellung zeigt, wie Grafikdesign gestern und heute unseren Alltag prägt – und lädt gleichzeitig dazu ein, darüber nachzudenken, welche Rolle visuelle Gestaltung künftig spielen wird.

Denn ob Werbung, Markenauftritt, politische Kommunikation oder digitale Medien: Grafik beeinflusst, was wir sehen, wie wir etwas einordnen und welche Botschaften wir wahrnehmen.

Mehr unter: www.landesmuseum.ch/grafik

Der Beitrag Grafik – Visuelle Gestaltung im Alltag – Ausstellung im Landesmuseum Zürich zeigt die Macht visueller Kommunikation erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Der deutsche Fotograf und Künstler Wolfgang Tillmans wird mit dem Roswitha Haftmann-Preis 2026 ausgezeichnet. Der mit 150.000 Schweizer Franken dotierte Kunstpreis würdigt sein international bedeutendes Gesamtwerk sowie sein gesellschaftliches Engagement für Demokratie, Offenheit und Solidarität. Die Preisverleihung fand am 17. September 2026 im Kunsthaus Zürich statt.

Roswitha Haftmann-Preis 2026 würdigt Wolfgang Tillmans

Der 1968 geborene Künstler Wolfgang Tillmans ist der 28. Preisträger des Roswitha Haftmann-Preises. Die Auszeichnung zählt zu den höchstdotierten Kunstpreisen Europas und wird von der Zürcher Roswitha Haftmann-Stiftung vergeben. Mit der Entscheidung würdigt der Stiftungsrat ein künstlerisches Schaffen, das seit rund vier Jahrzehnten die Grenzen der Fotografie erweitert und zugleich gesellschaftliche und politische Fragen aufgreift.

Zu den bisherigen Preisträgerinnen und Preisträgern gehören international bekannte Kunstschaffende wie Cindy Sherman, Sigmar Polke, Maria Lassnig, VALIE EXPORT, Rosemarie Trockel, Jeff Wall und Cecilia Vicuña. Die Laudatio bei der Preisverleihung im Kunsthaus Zürich übernahm laut Ankündigung Prof. Dr. Bernhart Schwenk, Chefkurator und Sammlungsleiter Gegenwartskunst an der Pinakothek der Moderne in München. Er würdigte insbesondere Tillmans’ Einfluss auf die internationale Fotografie und dessen Verbindung von künstlerischer Innovation und gesellschaftlicher Verantwortung.

Wolfgang Tillmans: Von der Clubkultur zur internationalen Fotokunst

Wolfgang Tillmans wurde in den 1990er-Jahren durch Fotografien aus seinem persönlichen Umfeld sowie aus der europäischen Clubszene und der LGBTQ+-Community bekannt. Seine Porträts und Momentaufnahmen erschienen zunächst in Musik- und Lifestyle-Magazinen und dokumentierten gesellschaftliche Veränderungen und neue kulturelle Ausdrucksformen.

Im Laufe seiner Karriere entwickelte Tillmans seine fotografische Praxis kontinuierlich weiter. Neben Porträts entstanden Stillleben, Landschaftsaufnahmen, Himmelsbilder und astronomische Fotografien. Zunehmend beschäftigte er sich auch mit abstrakten Bildern, die ohne den klassischen Einsatz einer Kamera entstehen. Mechanische Prozesse und chemische Reaktionen wurden zu eigenständigen Mitteln seiner künstlerischen Arbeit. Ein wesentliches Merkmal seines Werks ist die Auseinandersetzung mit der Materialität fotografischer Bilder. Papier, Drucktechnik, Oberfläche und Präsentationsform sind für Tillmans nicht nur technische Voraussetzungen, sondern eigenständige Bestandteile der Kunst.

Neue Wege der Fotografie: Installationen und experimentelle Bildwelten

Wolfgang Tillmans gilt als einer der wichtigsten Wegbereiter einer installativen Fotokunst. Seine Werke werden häufig in ungewöhnlichen Zusammenstellungen präsentiert, die sich von traditionellen fotografischen Ausstellungen unterscheiden. An Museumswänden kombiniert er großformatige Fotografien mit kleineren Bildern, während er auf Tischen unter Glasplatten Fotografien, Fotokopien, Zeitschriftenartikel, Postkarten und andere Materialien arrangiert.

Durch diese variable Präsentationsweise entstehen neue Beziehungen zwischen einzelnen Bildern und ihrem räumlichen Umfeld. Tillmans untersucht damit nicht nur die Wirkung fotografischer Motive, sondern auch die Art und Weise, wie Bilder wahrgenommen, interpretiert und in gesellschaftliche Zusammenhänge eingeordnet werden. Sein experimenteller Umgang mit Fotografie hat zahlreiche nachfolgende Künstlergenerationen beeinflusst. In den vergangenen Jahren erweiterte er sein Schaffen zudem um Videoarbeiten, Soundinstallationen, Musikproduktionen und Texte.

Kunst und Demokratie: Wolfgang Tillmans als gesellschaftlich engagierter Künstler

Neben seiner künstlerischen Tätigkeit engagiert sich Wolfgang Tillmans seit vielen Jahren für gesellschaftliche und demokratische Anliegen. International bekannt wurde unter anderem seine 2016 initiierte Kampagne gegen den Brexit. Darüber hinaus entwickelte er Kampagnen zur politischen Beteiligung im Umfeld der Bundestagswahl 2017 sowie der Europawahlen 2019 und 2024.

Sein Engagement beruht auf der Überzeugung, dass Kunst und Kultur wichtige Räume für gesellschaftlichen Dialog und gegenseitiges Verständnis schaffen können. Mit der 2017 gegründeten Stiftung Between Bridges unterstützt er darüber hinaus kulturelle, künstlerische und zivilgesellschaftliche Projekte.

Der Roswitha Haftmann-Preis würdigt damit nicht nur seine künstlerische Entwicklung, sondern auch die Verbindung zwischen seiner Arbeit und seinem öffentlichen Engagement.

Internationale Ausstellungen: Von New York über Paris bis Dresden

Das Werk von Wolfgang Tillmans wurde in zahlreichen international bedeutenden Museen präsentiert.

2022 zeigte das Museum of Modern Art (MoMA) die umfangreiche Ausstellung „To Look Without Fear“. Die Retrospektive war 2023 auch in der Art Gallery of Ontario in Toronto und im San Francisco Museum of Modern Art zu sehen.

2025 präsentierte Tillmans die Ausstellung „Weltraum“ im Albertinum in Dresden. Im selben Jahr war seine Ausstellung „Rien ne nous y préparait – Tout nous y préparait“ im Centre Pompidou zu sehen.

Bereits im Jahr 2000 erhielt Tillmans als erster überwiegend fotografisch arbeitender Künstler und erster Nicht-Brite den renommierten Turner Prize. 2018 wurde er mit dem Goslarer Kaiserring ausgezeichnet.

Mit dem Roswitha Haftmann-Preis 2026 kommt eine weitere bedeutende internationale Ehrung hinzu.

Roswitha Haftmann-Stiftung: Förderung internationaler Gegenwartskunst

Der Roswitha Haftmann-Preis wurde im Jahr 2000 von der Roswitha Haftmann-Stiftung ins Leben gerufen. Er geht auf die Schweizer Galeristin und Kunstmäzenin Roswitha Haftmann (1924–1998) zurück. Sie verfügte testamentarisch, dass ihr Vermögen zur Förderung herausragender lebender Künstlerinnen und Künstler eingesetzt werden soll.

Über die Vergabe entscheidet ein international besetzter Stiftungsrat mit Vertreterinnen und Vertretern bedeutender europäischer Kunstinstitutionen. Dazu zählen das Kunsthaus Zürich, das Kunstmuseum Basel, das Kunstmuseum Bern und das Museum Ludwig in Köln. Das Preisgeld von 150.000 Schweizer Franken steht den Ausgezeichneten zur freien Verfügung. Es kann beispielsweise für neue künstlerische Projekte, die Dokumentation des eigenen Werks oder andere Vorhaben eingesetzt werden.

Mit der Auszeichnung von Wolfgang Tillmans setzt die Stiftung ihre Förderung international einflussreicher Positionen der Gegenwartskunst fort. Die Preisverleihung am 17. September 2026 wird inzwischen auch durch die veröffentlichte Laudatio der Roswitha Haftmann-Stiftung sowie die Dankesrede von Wolfgang Tillmans bestätigt

Mehr unter: www.kunsthaus.ch

Der Beitrag Wolfgang Tillmans’ Rede anlässlich der Verleihung des Roswitha Haftmann Preises 2026 im Kunsthaus Zürich erschien zuerst auf museumsfernsehen.

In der konstruktiv-konkreten Kunst wurde der menschliche Körper lange Zeit weitgehend ausgeblendet. Im Mittelpunkt standen die autonomen bildnerischen Mittel Linie, Farbe und Fläche. Figürliche Darstellungen galten als illusionistisch und damit als Gegensatz zu einer Kunst, die sich auf ihre eigenen formalen Gesetzmäßigkeiten konzentriert.

Die Gruppenausstellung „The Body Within Abstraction“ im Museum Haus Konstruktiv hinterfragt diese traditionelle Sichtweise mit acht international renommierten Künstler. Ihre Arbeiten zeigen, dass der Körper auch in minimalistisch reduzierter, nicht-figurativer Kunst eine zentrale Rolle spielen kann – als Maßeinheit, Erfahrung, Material und Ausgangspunkt künstlerischer Produktion.

Acht Positionen zwischen Körper und Abstraktion

Die Ausstellung versammelt Arbeiten von Heidi Bucher, Eva Fàbregas, Kimsooja, Dóra Maurer, Bruce Nauman, Steven Parrino, Chiharu Shiota und Franz West. Gemeinsam ist den unterschiedlichen Positionen die Frage, wie sich Körperlichkeit ausdrücken lässt, ohne den menschlichen Körper klassisch abzubilden. Stattdessen wird der Körper zum Instrument, mit dem Räume, Materialien und Formen erfahren werden.

Gleichzeitig markiert die Ausstellung eine Premiere für das Museum Haus Konstruktiv: Erstmals seit dem Umzug ins Löwenbräukunst-Areal werden sämtliche neuen Ausstellungsräume – Ost- und Westtrakt – gemeinsam bespielt. Mit „The Body Within Abstraction“ feiert das Museum zudem sein 40-jähriges Jubiläum.

Dóra Maurer: Den Körper vermessen

Ausgangspunkt der Ausstellung ist Dóra Maurers Filmarbeit Proportions von 1979 aus der Sammlung des Museums Haus Konstruktiv. Maurer untersucht darin systematisch die Proportionen ihres eigenen Körpers. Der menschliche Körper wird damit nicht als klassisches Motiv dargestellt, sondern dient als Maßstab und Ausgangspunkt einer abstrakten Untersuchung. Die Arbeit macht deutlich, wie eng geometrische Ordnung und körperliche Erfahrung miteinander verbunden sein können.

Bruce Nauman: Abstraktion wird körperlich

Besonders unmittelbar wird diese Idee in den Arbeiten von Bruce Nauman erfahrbar. Seine Arbeit Body Pressure von 1974 fordert die Besucher auf, den eigenen Körper gegen eine Wand zu drücken und dabei bewusst die Kontaktpunkte zwischen Körper und Oberfläche wahrzunehmen.

Skulptur wird hier nicht allein betrachtet, sondern körperlich erlebt. Das Kunstwerk entsteht in der Erfahrung und verändert sich mit jeder Person, die daran teilnimmt. Auch die Videoperformance Dance or Exercise on the Perimeter of a Square von 1967/68 verbindet geometrische Abstraktion mit körperlicher Anstrengung. Ein einfaches Quadrat wird zum Rahmen einer physischen Bewegung.

Heidi Bucher: Körper als tragbare Hülle

Heidi Buchers Bodyshells von 1972, in der Ausstellung als Repliken von 2024 zu sehen, bestehen aus Schaumstoff, der mit Perlmuttfarbe gestaltet wurde. Die voluminösen Objekte können als Körperhüllen getragen werden. Ursprünglich waren sie Teil einer gefilmten Performance in Venice Beach. Tastend und schwerfällig bewegten sich die an Meereswesen oder Science-Fiction-Kreaturen erinnernden Formen vom Pazifik auf den Strand zu.

Zur Eröffnung von „The Body Within Abstraction“ wird die Performance Bodyshells erstmals in der Schweiz gezeigt. Am 18. Dezember 2026 sollen sie im Rahmen des 40-jährigen Museumsjubiläums erneut in Bewegung gesetzt werden.

Steven Parrino: Körperliche Energie auf der Leinwand

Auch bei Steven Parrino wird Körperlichkeit zu einem entscheidenden Bestandteil des künstlerischen Prozesses. Der Künstler, der in den 1980er- und 1990er-Jahren neben seiner Tätigkeit als bildender Künstler auch Musiker der New Yorker Szene war, übertrug Rhythmus und physische Energie unmittelbar auf seine Leinwände.

In Push up – pull down – push up – pull down von 1987 wird die monochrome schwarze Leinwand gespannt, zerknittert und unter Druck gesetzt. Das Bild erscheint damit nicht länger als statische Fläche, sondern als Spur einer körperlichen Handlung, die bis an die Grenze der Zerstörung führt.

Franz West, Chiharu Shiota, Kimsooja und Eva Fàbregas

Weitere Arbeiten zeigen, wie unterschiedlich Körperlichkeit in abstrakter Kunst erscheinen kann. Franz Wests tragbare Passstücke beziehen den Körper unmittelbar in die künstlerische Erfahrung ein. Die Skulptur wird zu einem Objekt der Interaktion und verändert ihre Bedeutung durch die körperliche Begegnung.

Chiharu Shiotas raumgreifende Fadeninstallation Endless Connections macht Verbindungen, Bewegung und räumliche Wahrnehmung körperlich erfahrbar. Die textilen Bottari von Kimsooja greifen Fragen nach Körper, Material und Bewegung auf, während Eva Fàbregas mit ihren aus Latex gefertigten Exudates organisch wirkende Formen schafft, die zwischen Skulptur, Körper und abstrakter Form angesiedelt sind.

Abstrakte Kunst neu denken

„The Body Within Abstraction“ zeigt, dass Abstraktion keineswegs körperlos sein muss. Der Körper kann als Maßstab, Werkzeug, Material, Bewegung und Erfahrung in ein Kunstwerk eingehen, ohne selbst abgebildet zu werden.

Die Ausstellung eröffnet damit einen neuen Blick auf die Geschichte der konstruktiv-konkreten und minimalistischen Kunst. Sie fragt danach, wie körperliche Erfahrungen in abstrakten Formen sichtbar werden – und fordert zugleich dazu auf, die Grenzen zwischen Skulptur, Raum, Bewegung und eigener Wahrnehmung neu zu denken.

Mit acht unterschiedlichen künstlerischen Positionen verbindet das Museum Haus Konstruktiv historische Fragestellungen mit zeitgenössischen Perspektiven und feiert zugleich vier Jahrzehnte Museumsgeschichte.

Mehr unter: hauskonstruktiv.ch

Der Beitrag Wie der menschliche Körper die abstrakte Kunst prägt. “The Body Within Abstraction” im Museum Haus Konstruktiv erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Swiss Design Collection präsentiert die Vielfalt des Schweizer Designs in all seinen Facetten. Von Grafik und Typografie über Plakatgestaltung und Textildesign bis hin zu Produktdesign und Kunstgewerbe reicht das Spektrum der Sammlung.

Rund 2.500 ausgewählte Objekte machen unterschiedliche Epochen, Materialien und Gestaltungsideen erlebbar. Gleichzeitig ermöglicht ein zugängliches Archiv einen tieferen Einblick in die umfangreichen Bestände und die Geschichte des Designs.

Das Forum eröffnet neue Perspektiven

Ein zentraler Bestandteil der Swiss Design Collection ist das Forum. Der Raum bietet Platz für wechselnde Inszenierungen und temporäre Projekte, die sich aus unterschiedlichen Perspektiven mit den Sammlungsbeständen auseinandersetzen.

Externe Stimmen bringen dabei neue Sichtweisen ein und eröffnen ungewohnte Zugänge zu den Objekten. So wird die Sammlung nicht als statischer Bestand präsentiert, sondern immer wieder neu interpretiert.

Im Studio selbst kreativ werden

Das integrierte Studio lädt Besucherinnen und Besucher dazu ein, Design nicht nur anzuschauen, sondern selbst aktiv zu werden. Hier kann gestaltet, experimentiert und Wissen vertieft werden.

Das Studio bietet damit Raum für praktische Erfahrungen ebenso wie für Austausch und Erholung. Besucherinnen und Besucher können eigene Gestaltungsideen entwickeln oder sich einfach eine Pause gönnen.

2.500 Objekte erzählen Designgeschichte

Die Sammlung umfasst rund 2.500 Gebrauchsgegenstände, Textilien und Schriftentwürfe aus unterschiedlichen Epochen. Gemeinsam vermitteln sie einen Eindruck von der enormen Bandbreite des Designs.

Besonders anschaulich wird die Geschichte der Plakatgestaltung an einer thematisch kuratierten Plakatwand. Sie zeigt, wie sich Gestaltung, Bildsprache und Typografie im Laufe der Zeit verändert haben.

Auch das Schweizer Grafikdesign ist prominent vertreten. Eine Auswahl prägnanter Logo-Entwürfe aus der Schweiz macht sichtbar, welche Gestaltungselemente sich tief in das visuelle Gedächtnis eingeprägt haben und teilweise bis heute verwendet werden.

Ein Blick ins Archiv

Hinter der öffentlich präsentierten Sammlung verbirgt sich ein noch weitaus größerer Bestand: Rund 580.000 Objekte aus den Bereichen Design, Grafik, Kunstgewerbe und Plakatgestaltung werden im Archiv aufbewahrt.

Teile dieses Archivs können selbstständig erkundet werden. Ein besonderer Höhepunkt ist dabei ein gläserner Steg, der durch die zweigeschossige Regalanlage führt.

Von dort eröffnet sich ein spektakulärer Blick in die Tiefe des Depots und auf die Dimensionen der Sammlung. Insbesondere die umfangreiche Möbelsammlung wird aus dieser Perspektive auf besondere Weise sichtbar.

Von Stefi Talmann bis Balenciaga

Neben den großen Sammlungsbereichen gibt es zahlreiche besondere Objekte zu entdecken. Dazu gehören Schuhe der Schweizer Designerin Stefi Talmann ebenso wie Haute-Couture-Kleider des international renommierten Modeschöpfers Cristóbal Balenciaga.

Auch die Marionetten von Sophie Taeuber-Arp gehören zu den herausragenden Exponaten. Sie sind ein eindrucksvolles Zeugnis der Zürcher Avantgarde und verdeutlichen die Verbindung von Kunst, Design und experimenteller Gestaltung.

Ergänzt wird die Sammlung durch wertvolle Musikinstrumente, von denen einige mehr als 300 Jahre alt sind.

Schweizer Design in seiner ganzen Vielfalt

Die Swiss Design Collection zeigt Design nicht als abgeschlossene Disziplin, sondern als Teil des Alltags, der Kultur und der visuellen Identität einer Gesellschaft.

Von historischen Plakaten und Schriften über Möbel und Textilien bis zu Mode, Produktgestaltung und Musikinstrumenten eröffnet die Sammlung einen umfassenden Blick auf die Entwicklung des Designs. Forum, Studio und zugängliches Archiv machen die Präsentation zugleich zu einem Ort für Entdeckung, Austausch und eigenes Gestalten.

Mehr unter: museum-gestaltung.ch

Der Beitrag Die Swiss Design Collection im Museum für Gestaltung Zürich erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Wie entstand modernes Grafikdesign? Die Ausstellung „Avantgarde – Grafikdesign im Aufbruch“ im Museum für Gestaltung Zürich blickt auf die 1920er- und frühen 1930er-Jahre zurück – eine Zeit, in der sich Grafikdesign als eigenständiges Berufsfeld etablierte und neue visuelle Ausdrucksformen entwickelte.

Typografie, Fotografie und grafische Abstraktion wurden zu zentralen Gestaltungsmitteln. Künstler und Designer verstanden Gestaltung zunehmend nicht nur als ästhetische Aufgabe, sondern auch als Möglichkeit, auf gesellschaftliche und politische Veränderungen zu reagieren und diese mitzuprägen.

Grafikdesign zwischen Aufbruch und gesellschaftlichem Umbruch

Die Zeit nach dem Ersten Weltkrieg und der Russischen Revolution war von tiefgreifenden politischen und gesellschaftlichen Veränderungen geprägt. Gleichzeitig herrschte vielerorts eine Aufbruchstimmung und die Hoffnung auf eine grundlegende Neugestaltung der Gesellschaft.

In diesem Umfeld suchten Künstler und Gestalter nach einer neuen Rolle. Sie verabschiedeten sich von traditionellen Bildwelten und der bürgerlich geprägten Ästhetik und entwickelten visuelle Sprachen für eine moderne Gesellschaft.

Ein rationaler und funktionaler Gestaltungsansatz wurde zum Ausdruck des Fortschritts. Individualistische Formen traten zugunsten von Klarheit, Ordnung und universell verständlichen Gestaltungsideen zurück.

Typografie, Fotografie und neue visuelle Sprachen

Die Avantgarde experimentierte mit den Möglichkeiten der Typografie, Fotografie und visuellen Kommunikation. Internationale Netzwerke brachten neue Ideen zusammen und beschleunigten die Entwicklung.

Auch die Arbeitsweisen veränderten sich: Kollektive Werkstätten ersetzten zunehmend das klassische Atelier, während neue Massenmedien und der öffentliche Raum zu wichtigen Plattformen für Gestaltung wurden.

Plakate, Magazine, Fotografien und andere visuelle Medien erreichten ein immer größeres Publikum. Gestaltung wurde damit zu einem Instrument öffentlicher Kommunikation.

Frauen prägen die visuelle Moderne

Auch Frauen spielten eine zunehmend wichtige Rolle in der Entwicklung des modernen Grafikdesigns. Als Gestalterinnen, Fotografinnen und Kulturvermittlerinnen trugen sie wesentlich zur visuellen Moderne bei.

Die Ausstellung macht damit deutlich, dass die Entwicklung des Grafikdesigns nicht allein von den bekannten männlichen Protagonisten der Avantgarde geprägt wurde, sondern auf einem vielfältigen Netzwerk kreativer Akteur beruhte.

Internationale Avantgarde im Dialog

„Avantgarde – Grafikdesign im Aufbruch“ präsentiert zentrale Positionen der internationalen Moderne. El Lissitzky und Valentina Kulagina stehen für den russischen Konstruktivismus, während Adolphe Mouron Cassandre den Art-Déco-Stil repräsentiert.

Dazu treten die typografischen Experimente von Jan Tschichold und die fotografischen Arbeiten von Lucia Moholy und Binia Bill.

Die Gegenüberstellung macht die unterschiedlichen Ansätze sichtbar, mit denen Gestalter nach neuen Formen visueller Kommunikation suchten. Zwischen rationaler Typografie, geometrischer Abstraktion, Fotomontage und dekorativer Gestaltung entstand ein breites Spannungsfeld der visuellen Moderne.

Mehr als 150 Plakate und spektakuläre Exponate

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen mehr als 150 Plakate. Ergänzt werden sie durch zahlreiche Objekte aus den Sammlungen des Museums für Gestaltung Zürich, internationale Leihgaben und Werke aus bedeutenden Privatsammlungen.

Dabei geht es nicht ausschließlich um klassische Grafik. Auch Objekte der visuellen Alltagskultur werden präsentiert – darunter außergewöhnliche Verpackungen, die zeigen, wie die Ideen der Avantgarde in den Alltag und die Warenwelt einflossen.

Filmische Zeugnisse aus der Zwischenkriegszeit erweitern die Ausstellung um eine weitere zeitgenössische Medienform.

El Lissitzkys Prounenraum und Hannes Meyers Co-op Interieur

Zu den besonderen Highlights gehören Rekonstruktionen bedeutender Entwürfe der Moderne. So ist unter anderem ein Nachbau von El Lissitzkys berühmtem Prounenraum zu sehen.

Auch das Co-op Interieur von Hannes Meyer verdeutlicht, wie eng Grafikdesign mit Architektur, Produktgestaltung und Innenraumgestaltung verbunden war.

Die Ausstellung zeigt damit die Moderne nicht als isolierte Entwicklung des Grafikdesigns, sondern als umfassendes gestalterisches Projekt, das unterschiedliche Disziplinen miteinander verband.

Grafikdesign als Ausdruck seiner Zeit

„Viele Highlights aus der Plakatsammlung des Museums markieren den radikalen Bruch mit der illustrativ-dekorativen Gestaltung der Vorkriegsjahre und sind gleichzeitig faszinierende Zeitzeugnisse“, erklärt Kuratorin Bettina Richter.

Die Ausstellung macht deutlich, wie stark Gestaltung und gesellschaftliches Klima miteinander verbunden sind. Die experimentelle Energie der 1920er- und frühen 1930er-Jahre spiegelte die Hoffnungen, Konflikte und politischen Spannungen ihrer Zeit wider.

Das Ende der Avantgarde in den 1930er-Jahren

Mit dem Aufstieg totalitärer Regime in Europa endete Mitte der 1930er-Jahre zunächst eine Phase, in der Gestaltung eng mit gesellschaftlichen Visionen und politischen Utopien verbunden war.

Die Ideen dieser Avantgarde verschwanden jedoch nicht. Ihre typografischen Konzepte, fotografischen Experimente und Prinzipien der visuellen Kommunikation wirkten weit über die Zwischenkriegszeit hinaus und prägen Grafikdesign und visuelle Kommunikation bis heute.

Was Grafikdesign mit der Gegenwart verbindet

Rund hundert Jahre nach der Avantgarde ist die Frage nach dem Verhältnis von Gestaltung und Zeitgeschehen erneut aktuell. Auch die Gegenwart ist von tiefgreifenden technologischen Entwicklungen und gesellschaftspolitischen Spannungen geprägt.

„Avantgarde – Grafikdesign im Aufbruch“ lädt deshalb nicht nur zu einer Reise in die visuelle Kultur der Zwischenkriegszeit ein. Die Ausstellung zeigt auch, wie sehr Gestaltung von ihrer Zeit geprägt wird – und wie Gestaltung ihrerseits gesellschaftliche Wahrnehmung beeinflussen kann.

Damit wird Grafikdesign als mehr verstanden als reine Formgebung: als visuelles Werkzeug, kulturelle Praxis und Ausdruck gesellschaftlicher Veränderung.

Mehr unter: museum-gestaltung.ch/

Der Beitrag Avantgarde – Grafikdesign im Aufbruch: Als Gestaltung zur gesellschaftlichen Kraft wurde. Ausstellung im Museum für Gestaltung Zürich erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Surreale Bildwelten, handgeknüpfte Teppiche und eine Gestaltungssprache zwischen Traum und Handwerk – das Museum für Gestaltung Zürich widmet dem Schweizer Textildesigner Christoph Hefti seine erste umfassende Einzelausstellung.

Ein Kosmos zwischen Design, Kunst und Handwerk

Tierwesen, Masken, geheimnisvolle Augen und traumartige Landschaften – die Bildwelt von Christoph Hefti (*1967) ist unverwechselbar. Das Museum für Gestaltung Zürich lädt erstmals zu einer umfassenden Einzelausstellung des Schweizer Textilgestalters ein und zeigt sein multidisziplinäres Œuvre: von handgeknüpften Teppichen und Textilprints über Keramik und Möbel bis hin zu Kostümen und performativen Arbeiten.

Von der Modeindustrie zum eigenständigen Kosmos

Christoph Hefti hat jahrelang für international renommierte Modehäuser gearbeitet – darunter Dries Van Noten, Balenciaga, Lanvin und Acne Studios. Doch im Zentrum seiner eigenständigen Praxis steht heute der Teppich. Dieses Medium erlaubt es ihm, Material, Funktion, Form und Bild vollständig selbst zu bestimmen – und jedes Werk als autonome Komposition zu denken.

Geschichten als Motor des Entwurfs

Heftis Arbeiten beginnen nicht mit Bildrecherche, sondern mit Geschichten. „Ich beginne mit einer Geschichte. Teppiche, Garne und Materialien ergänzen sie und geben ihr Form”, sagt der Designer. Aus freien Zeichnungen und visuellen Notizen entstehen im Dialog zwischen Vorstellung, Material und Technik vielschichtige Kompositionen – prozessorientiert, intuitiv, mit bewusst offenem Interpretationsspielraum.

Material als Ausdrucksmittel

Seide, Wolle und lange Garnstrukturen sind bei Hefti keine neutralen Träger, sondern aktive Gestaltungsmittel. Sie verstärken die Wirkung der Szenen und verleihen den Teppichen eine besondere räumliche Präsenz. Ungewöhnliche Erzählstrukturen verbinden sich mit handwerklicher Präzision – intensive Farben, markante Formen und geheimnisvolle Motive verdichten sich zu eigenständigen Bildwelten, die zwischen surrealem Traum und gestalterischer Kontrolle oszillieren.

Mehr unter: museum-gestaltung.ch

Der Beitrag Augen, Monde und Katzen: Das Museum für Gestaltung Zürich zeigt Christoph Hefti erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Rosa Barba, Gewinnerin des Zurich Art Prize 2026 verwandelt Ausstellungsräume in mehrdimensionale Erfahrungsräume – und spricht im Interview über Landschaften, Technologie und die Ökologien der Zukunft.

Eine Preisträgerin im Gespräch

Im Rahmen ihrer Ausstellung „Thick Harmonies” im Museum Haus Konstruktiv traf Rosa Barba, die 19. Gewinnerin des Zurich Art Prize, am 3. Juni 2026 auf Sabine Schaschl, Direktorin des Museums. Das Gespräch fand direkt in den Ausstellungsräumen statt – umgeben von Filmstreifen, Projektoren und Klang – und gibt Einblick in eine künstlerische Praxis, die sich konventionellen Kategorien bewusst entzieht.

An der Schnittstelle von Film, Skulptur und Installation

Rosa Barbas Werk bewegt sich an der Grenze zwischen Film, Skulptur und Installation – wobei diese Grenzen bei ihr programmatisch fließend bleiben. Charakteristisch für ihr Schaffen ist die Verbindung von Kunst und Wissenschaft, die sich in einer intensiven Auseinandersetzung mit Landschaften, technologischen Infrastrukturen und den Ökologien der Zukunft niederschlägt. Immer wieder richtet Barba ihren Blick auf Orte, die von Geschichte, politischen Spannungen oder physikalischen Prozessen geprägt sind – Räume, in denen sich Vergangenheit, Gegenwart und Imagination überlagern.

„Thick Harmonies”: Ein Raum aus Licht, Ton und Bewegung

Im Museum Haus Konstruktiv verwandelt Barba die Ausstellungsräume in ein vielschichtiges Setting: Skulpturen, Filme, eindringliche Soundtracks und der mechanische Klang der Projektoren selbst bilden zusammen eine eigene Atmosphäre. Unterschiedlich belichtete Filmstreifen werden zu Linien im Raum, die Klang erzeugen oder sich in Schleifen bewegen. Bild, Objekt und Ton gehen ineinander über – die gewohnten Grenzen zwischen den Medien lösen sich auf.

Mehr unter: www.hauskonstruktiv.ch

Der Beitrag Film, Skulptur und Klang: Rosa Barba im Museum Haus Konstruktiv erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Oben: Wir und der Krieg – Die Schlacht zu Murten als Sujet in der Kunst

Die Ausstellung “Wir und der Krieg” im Landesmuseum Zürich beleuchtet die Rolle des Krieges als prägendes Element der Schweizer Geschichte und zeigt, wie bewaffnete Konflikte vom Spätmittelalter bis in die Gegenwart Politik, Gesellschaft und Wirtschaft beeinflusst haben. Dabei richtet sie den Blick auf die vielfältigen Auswirkungen von Kriegen – sowohl innerhalb der Schweiz als auch im internationalen Kontext.

Wir und der Krieg – Geflüchtete und ihre Gegenstände

Thematisiert werden identitätsstiftende Ereignisse und Mythen wie der Rütlischwur ebenso wie historische Konflikte, darunter der Schweizer Bauernkrieg von 1653 und der Sonderbundskrieg. Auch die latente Bedrohung während des Zweiter Weltkrieg wird als wichtiger Bestandteil der Schweizer Erinnerungskultur aufgegriffen. Die Ausstellung zeigt, wie Kriege Machtverhältnisse veränderten, wirtschaftliche Interessen – etwa durch Waffen- und Söldnerhandel – förderten und soziale sowie gesellschaftliche Entwicklungen beeinflussten.

Wir und der Krieg – Die Schweizer Rüstungsindustrie und die Weltkriege

Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf dem Selbstverständnis der Schweiz als neutrales und friedensförderndes Land. Die Ausstellung hinterfragt dieses Bild und beleuchtet die Handlungsspielräume, Chancen und Widersprüche der Neutralität. Anhand von Objekten, Dokumenten und Videoinstallationen werden Besucherinnen und Besucher dazu eingeladen, verbreitete Vorstellungen über das Verhältnis der Schweiz zum Krieg kritisch zu reflektieren.

Mehr unter: www.landesmuseum.ch/de

Der Beitrag Wir und der Krieg: Die Rolle des Krieges als prägendes Element der Schweizer Geschichte (Videoreihe) erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Seit über zwei Jahrzehnten erkundet die Schweizer Künstlerin Katja Schenker, was Körper und Raum miteinander verbindet – in Performances, Skulpturen und Installationen, die aus natürlichen Materialien entstehen und stets dem Vergehen unterworfen sind.

Haut ist durchlässig. Räume sind durchlässig. Grenzen zwischen innen und außen, zwischen Körper und Umgebung, zwischen Gegenwart und Vergehen – sie sind fließender, als wir denken. Genau diese Zwischenzonen sind das Terrain der Schweizer Künstlerin Katja Schenker (*1968), die seit mehr als zwei Jahrzehnten eines der beharrlichsten und eigenwilligsten Werke der zeitgenössischen Kunst entwickelt.

Schenkers Arbeiten umfassen performative Werke, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen im Innen- wie im Außenraum. Was sie verbindet, ist die konsequente Verwendung natürlicher Materialien – und ein tiefes Interesse an deren sinnlicher Qualität jenseits des bloß Ästhetischen. Masse, Kontext, Zeitlichkeit und vor allem Vergänglichkeit sind für Schenker keine Nebenbedingungen, sondern künstlerische Kernfragen.

Ausgangspunkt ihres Schaffens ist der Körper – nicht als abstraktes Konzept, sondern als gelebte, wahrgenommene, räumliche Erfahrung. In ihren Arbeiten untersucht sie Räume, die sie zugleich einnimmt und erschafft. Ihr besonderes Interesse gilt dabei dem Begriff der Durchlässigkeit: der Frage, wo Körper aufhören und Räume beginnen, wo Materialien atmen, schwinden oder sich verwandeln.

mehr unter: hauskonstruktiv.ch

Der Beitrag Katja Schenker: Körper, Raum und Vergänglichkeit in natürlichen Materialien erschien zuerst auf museumsfernsehen.