Mit der ersten Folge von „Belvedere Studio Visits“ gewährt das Belvedere Museum einen Blick hinter die Kulissen zeitgenössischer Kunstproduktion. Im Mittelpunkt steht die slowenische Künstlerin Maruša Sagadin, die in ihrem Atelier Einblicke in die Entstehung ihrer skulpturalen Arbeiten gibt.

“Jede Arbeit ist eigentlich wie bei null anzufangen, als wäre es die erste. Und auch diesmal ist es so. Mit wahnsinnig viel Unsicherheiten, grübeln, nicht wissen wohin”_ Maruša Sagadin

Das Video begleitet den künstlerischen Prozess von den ersten Skizzen und Modellen bis zur fertigen Skulptur. Dabei wird deutlich, wie Sagadin Themen wie Körper, Raum und soziale Strukturen in ihre Werke einfließen lässt und welche Überlegungen der Präsentation im Museum vorausgehen.

Mit dem neuen Format „Belvedere Studio Visits“ stellt das Belvedere zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler, ihre Arbeitsweisen und ihre Ateliers vor. Die Reihe vermittelt, wie Kunst entsteht, und macht die kreativen Prozesse sichtbar, die hinter einer Ausstellung im Museum stehen.

Mehr unter: belvedere.at

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Der Friedhof in der Rossau ist das Siegerobjekt des Publikumsvotings. Es zeigt die älteste noch erhaltene jüdische Begräbnisstätte Wiens – ein eindrucksvolles Zeugnis jüdischer Geschichte Österreichs.

Mehr unter: www.onb.ac.at

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In einem Ausstellungsrundgang durch „Animalia“ in der Heidi Horten Collection gibt Kuratorin Annkathrin Weber Einblicke in das Kapitel „Das Tier als Partner“. Im Mittelpunkt stehen Hunde und Katzen – Tiere, die den Menschen seit Jahrhunderten begleiten und in der Kunst weit mehr als bloße Haustiere sind.

Ausgehend von Werken von Alois Mosbacher, Georg Baselitz, Michèle Pagel, Cory Arcangel und Anna Jermolaewa beleuchtet die Führung die vielschichtige Beziehung zwischen Mensch und Tier. Thematisiert werden Domestikation, Nähe und gegenseitige Abhängigkeit ebenso wie problematische Aspekte der Mensch-Tier-Beziehung, darunter Qualzucht, Statusdenken und Machtverhältnisse.

Zugleich zeigt die Ausstellung, wie sich der Blick auf Tiere im Laufe der Zeit verändert hat. Künstlerinnen und Künstler nutzen Hunde und Katzen als Projektionsflächen für gesellschaftliche, kulturelle und politische Fragestellungen – von traditionellen Symbolen bis hin zu Phänomenen der digitalen Internetkultur.

„Animalia“ macht deutlich, dass Tierdarstellungen immer auch Aussagen über den Menschen enthalten. Die Ausstellung lädt dazu ein, vertraute Beziehungen zwischen Mensch und Tier neu zu betrachten und über Verantwortung, Identität und Zusammenleben nachzudenken.

Mehr unter: hortencollection.com

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Die ALBERTINA widmet dem US-amerikanischen Künstler Richard Prince eine umfassende Retrospektive, die sein Schaffen von den 1970er-Jahren bis in die Gegenwart nachzeichnet. Prince gilt als einer der einflussreichsten Vertreter der Appropriation Art und hat die Auseinandersetzung mit Bildern, Medien und Urheberschaft nachhaltig geprägt.

Bekannt wurde er insbesondere durch seine ikonische Serie Cowboys, für die er Werbeanzeigen der Marlboro-Kampagnen neu fotografierte. Durch diese künstlerische Aneignung verwandelte er vertraute Werbebilder in kritische Reflexionen über Männlichkeitsbilder, amerikanische Mythen und die Macht medialer Inszenierungen.

Die Ausstellung präsentiert zentrale Werkgruppen wie Cowboys, Fashion und Gangs sowie selten gezeigte Fotografien, Collagen und weitere Arbeiten. Dabei wird deutlich, wie konsequent Prince Fragen nach Originalität, Autorenschaft und der Wiederverwendung bestehender Bilder untersucht.

Die Retrospektive bietet einen umfassenden Einblick in ein Werk, das die Bildkultur der Gegenwart analysiert und zugleich die Grenzen zwischen Kunst, Werbung und Massenmedien hinterfragt.

Mehr unter: albertina.at

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Der Künstler James Lewis untersucht in seiner Arbeit das Spannungsfeld zwischen Sprache, Daten und skulpturaler Form. Im Zentrum steht dabei die Frage, wie sich Wirklichkeit beschreiben lässt – und wo die Grenzen solcher Systeme liegen.

Für die Ausstellung „Lebt und arbeitet in Wien“ entwickelte Lewis eine Serie von Skulpturen in Form von Sonnenblumen. In der Werkgruppe „Not just suffering, but all forms of consciousness“ (2026) greift er ein ikonisches Motiv der Kunstgeschichte auf und überführt es in einen zeitgenössischen Kontext.

Die Sonnenblume dient dabei nicht nur als ästhetisches Objekt, sondern als Ausgangspunkt für eine kritische Reflexion: Lewis thematisiert die Verflechtungen von Botanik, Pflanzenextraktion und kolonialen Machtstrukturen. So wird die Pflanze zum Träger historischer und politischer Bedeutungen.

Seine Arbeiten verbinden konzeptuelle Ansätze mit sinnlicher Erfahrung und machen sichtbar, wie eng wissenschaftliche Systeme, kulturelle Narrative und individuelle Wahrnehmung miteinander verwoben sind.

Mehr unter: kunsthallewien.at/

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Die Ausstellung widmet sich einem zentralen Vertreter der Biedermeiermalerei und beleuchtet dessen konsequente Hinwendung zur Naturbeobachtung. Im Fokus steht der Anspruch auf „Wirklichkeitstreue“, der die europäische Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts prägte und insbesondere die Landschaftsmalerei neu definierte.

Ferdinand Georg Waldmüller (1793–1865) entwickelte eine Malweise, die Natur nicht nur als Kulisse, sondern als eigenständiges Sujet verstand. Seine Werke zeigen eine enge Verbindung zwischen Mensch und Umwelt. Zugleich spiegeln sie das wachsende Interesse an Naturerfahrung im Zuge der Industrialisierung wider. Neben Porträts und Genrebildern gilt vor allem seine Landschaftsmalerei als prägend für sein Œuvre.

Die Ausstellung zeichnet Waldmüllers künstlerische Entwicklung anhand von Motiven aus dem Wiener Prater, dem Salzkammergut, Italien und dem Wienerwald nach. Dabei wird deutlich, wie intensiv er sich mit unterschiedlichen Landschaftsräumen auseinandersetzte und diese in einer präzisen, oft idealisierten Bildsprache festhielt.

Ergänzt wird die Präsentation durch Werke bedeutender Zeitgenossen wie John Constable, Johan Christian Dahl und Théodore Rousseau. Der Vergleich eröffnet neue Perspektiven auf Waldmüllers Position innerhalb der europäischen Kunstentwicklung. Er verdeutlicht so die gemeinsame Suche nach einer realitätsnahen Darstellung der Natur.

Die Schau im Unteren Belvedere lädt damit dazu ein, Waldmüllers Werk neu zu entdecken.

Mehr unter: belvedere.at

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Kurator Walter Moser beleuchtet das radikale Werk von Richard Prince, dem Pionier der Appropriation Art. Von den legendären analogen „Cowboys“ der 1980er-Jahre bis zu kontroversen Instagram-Arbeiten zeigt der Beitrag, wie Prince Werbe- und Massenbilder dekonstruiert und die manipulative Macht visueller Medien im digitalen Zeitalter entlarvt. Ein exklusiver Einblick in die Bildpolitik unserer Gegenwart.

Massenmediale Allgegenwart und die Prägung unserer Realität durch mediatisierte Bilder waren schon in den 1970er-Jahren Princes Kernthemen. Im heutigen Zeitalter des permanenten Teilens und Likens haben seine Fragestellungen ihre absolute Relevanz erreicht.

Produktion: Cast your Art

Mehr unter: albertina.at

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Im Belvedere 21 standen am 2. Dezember 2025 feministische Perspektiven der Kunst im Mittelpunkt einer Screening- und Diskussionsveranstaltung. Die Künstlerinnen Rose English und ORLAN reflektierten ihre künstlerische Praxis im Spannungsfeld von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Dabei kommentierten sie auch gegenseitig ihre Werke und ordneten ihre Positionen in die Geschichte feministischer Ausstellungen ein.

Ausgangspunkt der Diskussion war die wegweisende Ausstellung „Kunst mit Eigen-Sinn“ von 1985, an der beide Künstlerinnen gemeinsam mit Martha Rosler beteiligt waren. Die Schau gilt als Meilenstein feministischer Kunst und fand am selben Ort statt, der heute das Belvedere 21 beherbergt.

Die historische Ausstellung bildet zugleich die Grundlage für die kommende Großausstellung „Feminist Futures Forever“, die im Herbst 2026 im Belvedere 21 eröffnet wird. Sie knüpft an die damaligen Diskurse an und führt sie in die Gegenwart fort. Mit Rose English, ORLAN und Martha Rosler werden zentrale Positionen der feministischen Kunst erneut vertreten sein.

Die Veranstaltung verdeutlicht damit die Kontinuität und Weiterentwicklung feministischer Kunstproduktion und unterstreicht deren anhaltende Relevanz im aktuellen Ausstellungsdiskurs.

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Die Restaurierung von Kunstwerken zählt zu den Kernaufgaben musealer Arbeit. Oft im Verborgenen vollzogen, ist sie essenziell, um nicht nur die materielle Substanz, sondern auch die ursprüngliche Narration eines Werkes zu bewahren. Ein aktuelles Projekt im Belvedere verdeutlicht den komplexen Entscheidungsprozess und die handwerkliche Präzision, die erforderlich sind, wenn ein massiv überarbeitetes Gemälde in seinen Originalzustand zurückgeführt werden soll.

Zwischen Erhaltung und Rückführung

In der modernen Restaurierung wird die Abnahme von Übermalungen heute kritisch hinterfragt. Der „gewachsene Zustand“ eines Kunstwerks – also die Summe aller historischen Veränderungen – gilt oft als erhaltungswürdig. Dennoch gibt es Fälle, in denen Eingriffe die ursprüngliche Bildaussage so stark verfälschen, dass eine Freilegung gerechtfertigt ist.

Im vorliegenden Fall handelt es sich um ein Werk von Johann Baptist Lampi dem Jüngeren, bei dem eine zentrale Figur, ein Amor, komplett übermalt worden war. Analysen ergaben, dass es sich hierbei nicht um ein „Pentimento“ (eine Korrektur durch den Künstler selbst) handelte, sondern um einen späteren, nicht-originalen Eingriff.

Analyse und Methodik

Bevor die Restauratoren zum Skalpell oder Lösungsmittel greifen, erfolgt eine umfassende Materialanalyse. Durch die Untersuchung vergilbter Firnisschichten und die Bestimmung der Löslichkeit der Ölfarben konnte die Übermalung als „rezent“ – also vergleichsweise jung – eingestuft werden. Infrarotaufnahmen dienten als entscheidendes Hilfsmittel: Sie machten die darunterliegende Figur sichtbar und erlaubten es, eine präzise Skizze als Orientierungshilfe auf der Oberfläche zu platzieren.

Der technische Prozess der Freilegung nutzt die chemischen Unterschiede zwischen Alt und Neu. Da die originale Malschicht über die Jahrhunderte stark vernetzt ist, widersteht sie Lösungsmitteln, welche die jüngere, weniger stabile Übermalung bereits anlösen. Dennoch bleibt jeder Millimeter eine Gratwanderung, die ständige Beobachtung erfordert.

Wiederherstellung der ikonografischen Balance

Nach der Freilegung folgt die Retusche. Hierbei werden Fehlstellen mit Harzölfarben punktgenau geschlossen, um die Brillanz und Schärfe des Originals wiederherzustellen, ohne das Original zu überdecken.

Die Entscheidung zur Freilegung im Belvedere, die in enger Abstimmung mit dem Bundesdenkmalamt getroffen wurde, war letztlich eine inhaltliche: Ohne den Amor wirkte die Komposition der Venus unausgewogen. Die undefinierte schwarze Fläche im Bild führte im 20. Jahrhundert sogar zu kunsthistorischen Fehlinterpretationen, etwa der Annahme, es handle sich um ein verstecktes Porträt statt um eine mythologische Idealdarstellung. Durch die Restaurierung erhält das Werk seine ursprüngliche Balance und seine korrekte Lesart zurück.

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Was hat eine 12 Meter lange rote Strumpfhose mit moderner Architektur und sozialer Interaktion zu tun? In der aktuellen Insights-Folge der Heidi Horten Collection gibt die Künstlerin Carola Dertnig spannende Einblicke in ihre Arbeit „Strangers“ und ihre aktuelle Installation, welche die Grenzen des Museumsraums buchstäblich dehnt.

Carola Dertnigs künstlerische Praxis ist eng mit der Performance und dem Spiel mit dem öffentlichen Raum verbunden. Im Zentrum des Gesprächs steht ihre ikonische Arbeit aus dem Jahr 2003, die nun in einen neuen Kontext gesetzt wird.

„Strangers“: Slapstick und soziale Reibung

Die Arbeit „Strangers“ (2003) besticht durch ein ebenso einfaches wie eindringliches Bild: Eine rote Strumpfhose, die sich über 12 Meter Länge aus der Hose einer Performerin herauswindet und durch den Raum schlängelt.

Dertnig, die diese Performances zwischen 2003 und 2012 international aufführte, nutzt dabei bewusst Elemente des Slapsticks. Ihr Ziel war es immer, den „White Cube“ – den sterilen Galerieraum – zu verlassen und eine direkte soziale Interaktion zwischen Performerinnen und Passanten zu provozieren. Begleitet wird die Videoarbeit durch einen Text von Liesl Karlstadt und Karl Valentin aus dem Jahr 1942, der das beklemmende Gefühl thematisiert, sich sogar im eigenen Zuhause fremd fühlen zu können.

Eine Linie durch das ganze Haus

In der Heidi Horten Collection wird diese Idee in der Installation „All in All Lifelong Reds Tights“ weitergeführt. Hier fungiert die rote Linie als architektonisches Bindeglied. Sie zieht sich durch verschiedene Bereiche des Museums und verbindet:

• Die aktuelle Ausstellung „DIE LINIE“
• Die Sammlungsräume
• Die Büroräume der Verwaltung

Dabei tritt die Installation in einen direkten Dialog mit der markanten Architektur des Hauses (entworfen von next ENTERPRISE). Die rote Strumpfhose dient als visuelle Klammer, welche die verschiedenen funktionalen Ebenen des Museums zusammenführt und die Architektur neu erlebbar macht.

Carola Dertnig zeigt eindrucksvoll, wie ein vermeintlich banaler Alltagsgegenstand wie eine Strumpfhose genutzt werden kann, um komplexe Fragen nach Zugehörigkeit, Raum und institutionellen Grenzen zu stellen.

Credits:
Mit: Carola Dertnig
Editorial Direction: Pia Sääf
Art Direction: David Zuderstorfer
DOP: Gabriel Krajanek

Mehr unter: hortencollection.com

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