Wie sicher ist das eigene Zuhause? Und wie verändern Erfahrungen von Fremdsein, Entwurzelung und gesellschaftlichen Konflikten den Blick auf vertraute Dinge? Mit der Ausstellung „Mona Hatoum – Auf den Wegen der Dissonanz“ widmet das Kunst Museum Winterthur einer international bedeutenden Gegenwartskünstlerin eine Einzelausstellung. Die Präsentation untersucht, wie Mona Hatoum alltägliche Gegenstände, geometrische Formen und fragile Materialien in Bilder von Unsicherheit, Verletzlichkeit und politischer Spannung verwandelt. Kuratiert wird die Ausstellung von Konrad Bitterli.

Mona Hatoum: Kunst zwischen persönlicher Erfahrung und politischer Realität

Die 1952 in Beirut geborene Künstlerin Mona Hatoum zählt zu den prägenden Positionen der internationalen Gegenwartskunst. Als Tochter einer palästinensischen Familie wuchs sie im Libanon auf. Während eines Aufenthalts in London im Jahr 1975 brach der libanesische Bürgerkrieg aus, sodass sie nicht in ihre Heimat zurückkehren konnte. London wurde in der Folge zu ihrem neuen Lebensmittelpunkt.

Erfahrungen von Entwurzelung, Fremdsein und Unsicherheit spielen seither eine wichtige Rolle in ihrem künstlerischen Schaffen. Hatoums Arbeiten greifen diese Themen jedoch nicht ausschließlich autobiografisch auf. Sie beschäftigen sich auch mit allgemeineren Fragen nach gesellschaftlicher Macht, politischer Gewalt und der Verletzlichkeit des Menschen. Die Ausstellung im Kunst Museum Winterthur bietet einen vertieften Einblick in diese künstlerische Auseinandersetzung.

Der Körper als Ausgangspunkt: Mona Hatoums Performances der 1980er-Jahre

Zu Beginn ihrer künstlerischen Laufbahn setzte sich Mona Hatoum intensiv mit dem menschlichen Körper auseinander. In den 1980er-Jahren entwickelte sie Performances und Videoarbeiten, in denen körperliche Erfahrungen mit gesellschaftlichen und politischen Fragen verbunden wurden. Der Körper wurde dabei zum Ausdrucksmittel für Verletzlichkeit, Ausgrenzung und Machtverhältnisse. Hatoum untersuchte, wie Menschen ihre Umwelt wahrnehmen und welche Rolle körperliche Grenzen, Abhängigkeiten und persönliche Erfahrungen dabei spielen. Ihre frühen Arbeiten konfrontierten das Publikum häufig mit ungewohnten oder verstörenden Situationen. Diese Auseinandersetzung mit dem Körper blieb auch in späteren Werkphasen von Bedeutung, obwohl Hatoum zunehmend andere Materialien und Ausdrucksformen verwendete.

Skulpturen und Installationen: Wenn vertraute Gegenstände bedrohlich werden

Seit den 1990er-Jahren stehen Skulpturen und raumgreifende Installationen im Mittelpunkt von Hatoums Werk. Besonders charakteristisch ist ihre Verwendung alltäglicher Gegenstände. Möbel, Haushaltsobjekte und vertraute Materialien erscheinen auf den ersten Blick gewöhnlich. Bei genauerer Betrachtung verlieren sie jedoch ihre ursprüngliche Funktion oder entwickeln eine bedrohliche Wirkung. Ein Gegenstand, der normalerweise Sicherheit und Behaglichkeit vermittelt, kann plötzlich instabil, gefährlich oder unzugänglich erscheinen. Hatoum nutzt diesen Gegensatz, um grundlegende menschliche Erfahrungen sichtbar zu machen. Das eigene Zuhause wird dabei zum Sinnbild einer Sicherheit, die jederzeit verloren gehen kann.

Minimal Art trifft auf politische und existenzielle Fragen

Formal erinnern viele Arbeiten Mona Hatoums an die Minimal Art. Klare geometrische Formen, reduzierte Gestaltung und die bewusste Verwendung von Materialien prägen ihre Skulpturen und Installationen. Anders als bei einer rein formal ausgerichteten Betrachtung minimalistischer Kunst stehen bei Hatoum jedoch gesellschaftliche und persönliche Bedeutungen im Vordergrund. Ihre Werke verweisen auf politische Konflikte, Machtstrukturen und die Verletzlichkeit des menschlichen Lebens. Strenge Formen treffen auf zerbrechliche Materialien, scheinbare Ordnung auf Unsicherheit. Die daraus entstehenden Gegensätze bilden einen wesentlichen Bestandteil ihrer künstlerischen Sprache. Hatoum erweitert damit die Möglichkeiten minimalistischer Gestaltung um emotionale, politische und existenzielle Dimensionen.

Verletzlichkeit und Entfremdung als zentrale Themen

Ein wiederkehrendes Motiv in Hatoums Werk ist der Verlust von Vertrautheit. Gegenstände, Räume und Materialien, die normalerweise Orientierung bieten, erscheinen verändert oder fremd. Dadurch entstehen Situationen, in denen das Publikum die eigene Wahrnehmung hinterfragen muss. Die Arbeiten lassen sich als Auseinandersetzung mit Erfahrungen von Migration, politischer Unsicherheit und gesellschaftlicher Ausgrenzung verstehen. Gleichzeitig sprechen sie grundlegende menschliche Gefühle an: Angst, Schutzbedürfnis, Unsicherheit und den Wunsch nach Zugehörigkeit. Hatoum vermeidet dabei häufig eindeutige Aussagen. Stattdessen schafft sie vieldeutige Werke, die unterschiedliche Interpretationen ermöglichen.

Internationale Anerkennung: Von Paris und London bis Winterthur

Mona Hatoum ist seit Jahrzehnten in bedeutenden internationalen Museen vertreten. Zu ihren großen Ausstellungen zählen eine Retrospektive im Centre Pompidou in Paris im Jahr 2015 und eine umfangreiche Präsentation in der Tate Modern im Jahr 2016. Für ihr künstlerisches Schaffen erhielt sie zahlreiche Auszeichnungen. Dazu gehören der Roswitha Haftmann-Preis 2004, der Käthe-Kollwitz-Preis 2010, der Joan-Miró-Preis 2011 und der japanische Praemium Imperiale 2019. Die Auszeichnungen dokumentieren die internationale Bedeutung einer Künstlerin, deren Werk die Entwicklung der zeitgenössischen Skulptur, Installation und Performancekunst wesentlich mitgeprägt hat.

Kunst Museum Winterthur vertieft die Auseinandersetzung mit Mona Hatoum

Das Kunst Museum Winterthur hat bereits in früheren thematischen Ausstellungen Arbeiten von Mona Hatoum präsentiert. Dabei standen unter anderem ihre Beiträge zur zeitgenössischen Skulptur und Videokunst im Mittelpunkt. Mit der Einzelausstellung „Auf den Wegen der Dissonanz“ widmet das Museum der Künstlerin nun eine umfassendere Präsentation. Kurator Konrad Bitterli richtet den Blick auf die Verbindung von formaler Klarheit und inhaltlicher Mehrdeutigkeit. Die Ausstellung zeigt, wie Hatoum aus einfachen Materialien und alltäglichen Gegenständen komplexe Bilder gesellschaftlicher und individueller Unsicherheit entwickelt.

„Auf den Wegen der Dissonanz“: Kunst, die Gewissheiten infrage stellt

Der Ausstellungstitel verweist auf ein wesentliches Merkmal von Mona Hatoums Werk: die Spannung zwischen widersprüchlichen Eindrücken. Vertraute Gegenstände werden fremd, stabile Formen erscheinen zerbrechlich und scheinbar sichere Räume verwandeln sich in Orte möglicher Gefahr. Diese Dissonanzen sind nicht nur gestalterische Mittel. Sie machen erfahrbar, wie unsicher gesellschaftliche Ordnungen und persönliche Lebensverhältnisse sein können. Die Ausstellung im Kunst Museum Winterthur lädt dazu ein, Hatoums Arbeiten aus unterschiedlichen Perspektiven zu betrachten und ihre Verbindung zu aktuellen Fragen nach Sicherheit, Zugehörigkeit und Verletzlichkeit zu untersuchen.

Der begleitende Videobeitrag vermittelt Einblicke in das Werk einer Künstlerin, die ästhetische Reduktion mit gesellschaftlicher und politischer Aussagekraft verbindet.

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Mit „Zur Sonne! Zur Freiheit!” widmet sich die Sommerausstellung 2026 im Reinhart am Stadtgarten einem revolutionären Moment der Kunstgeschichte – und erzählt erstmals auch den vergessenen Schweizer Weg der Freilichtmalerei.

Ein Aufbruch ins Freie

Am Anfang des 19. Jahrhunderts geschah etwas Ungewöhnliches: Malerinnen und Maler verließen ihre Ateliers, schnappten sich Staffelei und Ölfarben und zogen hinaus in die Natur – um dort, direkt vor dem Motiv, zu malen. Was heute selbstverständlich klingt, war damals eine kleine Revolution. Die Freilichtmalerei in Öl war geboren, und mit ihr eine neue Art des Sehens, die den Weg zur modernen Kunst bereitete. Die Sommerausstellung 2026 im Kunst Museum Winterthur, Reinhart am Stadtgarten, spurensucht nach diesem Aufbruch – unter dem programmatischen Titel „Zur Sonne! Zur Freiheit!”.

Von Valenciennes bis Corot: Die großen Namen des Genres

Die Ausstellung versammelt Meisterwerke aller bedeutenden Vertreter des Fachs. Pierre-Henri de Valenciennes, der als Begründer der Freilichtmalerei gilt, ist ebenso vertreten wie Simon Denis, Martin von Rohden, Johann Georg von Dillis, Heinrich Reinhold, Ernst Fries und Achille Etna Michallon. Den krönenden Abschluss bilden Arbeiten von Carl Blechen und Camille Corot – ein grandioser Bogen von der Sonnenwärme des italienischen Südens bis zur malerischen Freiheit, die das Genre versprach.

Erstmals: Der Schweizer Weg der Freilichtmalerei

Was die Winterthurer Schau von vergleichbaren Ausstellungen in Paris, Cambridge und Washington unterscheidet, ist ihr neuer Blick auf die Schweiz. Dass auch dort bereits seit dem Ende des 18. Jahrhunderts im Freien gemalt wurde, ist kaum bekannt. Die Ausstellung erzählt diesen spezifisch schweizerischen Weg erstmals zusammenhängend – mit dem Pionier der Alpenmalerei Caspar Wolf als einer ihrer zentralen Figuren.

Oskar Reinharts Leidenschaft als Grundlage

Die Ölstudie war eine der größten Sammelleidenschaften von Oskar Reinhart. Die Stiftung besitzt heute zahlreiche exzellente Landschaftsstudien in Öl auf Papier, die sowohl den schweizerischen als auch den italienischen Weg des Genres eindrücklich belegen. Ergänzt wird die Schau durch Leihgaben aus musealem und privatem Besitz aus Frankreich, Deutschland und der Schweiz – sowie durch mehr als dreißig bislang unpublizierte Werke, die auch die Fachwelt überraschen dürften.

Produktion: arttv.ch

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Die Sommerausstellung 2026 im Kunst Museum Winterthur zeichnet nach, wie Künstler um 1800 ihre Ateliers verließen – und warum dieser Schritt ins Freie die Kunstgeschichte für immer veränderte.

Ein Aufbruch ins Licht: Die Freilichtmalerei und ihre Bedeutung

Als Maler zu Beginn des 19. Jahrhunderts begannen, ihre Staffeleien ins Freie zu tragen und direkt vor der Natur in Öl zu malen, war das mehr als eine technische Neuerung. Es war ein Befreiungsschlag. Die Sommerausstellung 2026 im Reinhart am Stadtgarten des Kunst Museum Winterthur widmet sich genau diesem Moment – unter dem programmatischen Titel „Zur Sonne! Zur Freiheit! Wege der Freilichtmalerei um 1800″.

Von Valenciennes bis Corot: Die großen Namen des Genres

Die Ausstellung versammelt Meisterwerke aller bedeutenden Vertreterinnen und Vertreter des Fachs. Den Anfang macht Pierre-Henri de Valenciennes, der als Begründer der Gattung gilt, gemeinsam mit Simon Denis. Frühe deutsche Vertreter wie Martin von Rohden und Johann Georg von Dillis sind ebenso vertreten wie Meisterblätter von Heinrich Reinhold, Ernst Fries und Achille Etna Michallon. Den krönenden Abschluss bilden die Arbeiten von Carl Blechen und Camille Corot – ein grandioser Bogen von der Sonne des Südens zur Freiheit der Kunst.

Erstmals: Der schweizerische Weg der Freilichtmalerei

Was die Winterthurer Ausstellung von vergleichbaren Schauen in Paris, Cambridge und Washington wesentlich unterscheidet, ist ihr neuer Blick auf die Schweiz. Wenig bekannt ist, dass die Praxis des Malens in der freien Natur in der Schweiz bereits seit dem Ende des 18. Jahrhunderts gepflegt wurde – unter anderem vom Pionier der Alpenmalerei Caspar Wolf. Dieser spezifisch schweizerische Weg des Genres wird hier erstmals überhaupt systematisch nacherzählt.

Oskar Reinharts Leidenschaft als Grundlage

Die feinsinnige Kunst der Ölstudie war eine der größten Sammelleidenschaften von Oskar Reinhart. Die Stiftung besitzt heute zahlreiche exzellente Landschaftsstudien in Öl auf Papier, die sowohl den Schweizer als auch den italienischen Weg des Genres eindrücklich belegen. Ergänzt werden sie durch Leihgaben aus musealem und privatem Besitz aus Frankreich, Deutschland und der Schweiz – darunter über dreißig bislang unpublizierte Werke, die auch die Fachwelt überraschen dürften.

Ein besonderes Kuratoren-Duo

Verantwortet wird die Ausstellung von David Schmidhauser und Florian Illies – Bestsellerautor und ausgewiesener Kenner der deutschen und französischen Malerei des frühen 19. Jahrhunderts. Eine Kombination, die wissenschaftliche Tiefe mit erzählerischer Kraft verspricht.

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Im Fotomuseum Winterthur spricht die französisch-vietnamesische Künstlerin über Familienarchive, kulturelle Entwurzelung – und warum Leerstellen in ihrer Arbeit keine Fehler sind, sondern Kern des Werks.

Erinnerung als unvollständige Geschichte

Erinnerung ist kein lückenloses Archiv – das ist die Grundüberzeugung, von der Nhu Xuan Huas künstlerische Arbeit ausgeht. Im Gespräch mit Sammlungskuratorin Alessandra Nappo im Fotomuseum Winterthur erzählt die französisch-vietnamesische Künstlerin, wie persönliche Erlebnisse, Familienfotos und kulturelle Prägungen in ihr Schaffen einfließen. Bilder, Gefühle, Lücken und Veränderungen – all das gehört für sie zur Erinnerung dazu. Gerade die Leerstellen sind es, die sie nicht schließen, sondern produktiv machen will.

Migration, Entwurzelung und die Weitergabe von Erinnerungen

Ein zentrales Thema des Gesprächs ist Migration – und was sie mit dem Gedächtnis macht. Wie werden Erinnerungen über Generationen weitergegeben, wenn Sprachen, Orte und Kontexte sich verschieben? Nhu Xuan Hua nähert sich diesen Fragen nicht mit Erklärungen, sondern mit neuen Bildern und Erzählungen, die aus dem Nicht-Sagbaren entstehen.

Ein Dialog mit der Sammlung: Bekannte Namen, neue Verbindungen

Für die Ausstellung „(Mit)einander – Nhu Xuan Hua und die Sammlung des Fotomuseum Winterthur” setzte sich die Künstlerin intensiv mit Werken aus dem Sammlungsbestand auseinander. Fotografien von JH Engström, Rolf Winnewisser, Balthasar Burkhard, Duane Michals und Nan Goldin lösten persönliche Erinnerungen aus und führten zu unerwarteten Verbindungen mit ihren eigenen Arbeiten. So entstand ein vielschichtiger Dialog – zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Realität und Vorstellung, dem Sichtbaren und dem, was fehlt.

Keine Vervollständigung, sondern Öffnung

Was Nhu Xuan Huas Ansatz besonders macht: Sie versucht nicht, Erinnerungen zu vervollständigen oder zu erklären. Stattdessen öffnet sie sie – für neue Lesarten, neue Bilder, neue Bedeutungen. Fotografie wird dabei nicht zum Beweis, sondern zum Medium des Zweifels und der Möglichkeit.

Video: © Fotomuseum Winterthur / Ayla Feridun-Dziedzic

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Mit der Ausstellung „Closer“ würdigt das Kunst Museum Winterthur den 100. Geburtstag der Schweizer Künstlerin Heidi Bucher und bringt ihr Werk in einen spannenden Dialog mit der in Wien lebenden Künstlerin Liesl Raff.

Heidi Bucher (1926–1993) erlangte internationale Bekanntheit durch ihre sogenannten „Häutungen“. Mit Latex überzog sie Wände, Böden und architektonische Strukturen, um die entstandenen Schichten anschließend abzuziehen. Die so gewonnenen Raumhäute konservieren Spuren von Zeit, Nutzung und Erinnerung und verwandeln Architektur in körperlich erfahrbare Kunstwerke. Buchers Arbeiten thematisieren Aneignung, Transformation und die Beziehung zwischen Mensch und Raum.

Liesl Raff knüpft an diese Fragestellungen an und entwickelt für die Ausstellung raumgreifende Installationen aus Latex, Stoff und weiteren Materialien. Ihre skulpturalen Eingriffe verändern die Museumsräume grundlegend und schaffen eine Atmosphäre zwischen Offenheit und Intimität. Im Zentrum ihrer Arbeit stehen Prozesse des Formens, Verbindens und räumlichen Erlebens.

Die Ausstellung versteht sich nicht als reine Retrospektive, sondern als zeitgenössische Neuinterpretation von Buchers Werk. Im Zusammenspiel mit Raffs Installationen erhalten insbesondere Buchers selten gezeigte Zeichnungen eine neue Präsenz und werden in einen sinnlichen, aktuellen Kontext gestellt.

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Das Kunst Museum Winterthur verwandelt die Villa Flora in einen Ort des Lichts. Die Ausstellung „Tout est lumière“ widmet sich der Faszination der klassischen Moderne für die Sonne Südfrankreichs und zeigt, wie Künstler wie Van Gogh, Cézanne und Matisse das Licht als Befreiungsschlag für ihre Malerei entdeckten.

Während die Impressionisten das Licht bereits in Paris für sich entdeckt hatten, zog es die nachfolgende Generation konsequent weg vom trüben Grau der Hauptstadt hin zum strahlenden Süden. Die aktuelle Schau in der Villa Flora folgt dieser Bewegung und lässt die Besucher in sonnendurchflutete Landschaften eintauchen.

Aufbruch in die künstlerische Freiheit

Für Künstler wie Vincent van Gogh oder Henri Matisse war der Süden weit mehr als ein idyllischer Ferienort. Die Lichtverhältnisse der Provence und der Riviera boten ihnen den nötigen künstlerischen Freiraum für neue Recherchen und Ausdrucksformen, um die Moderne radikal voranzutreiben.

In der Ausstellung sind absolute Meisterwerke zu bewundern, darunter:

• Vincent van Gogh: Mit Werken wie „Sardette und Leem“ feiert er das Licht in all seinen Facetten – vom strahlenden Tag bis zur sanften Abendstimmung.
• Paul Cézanne: Nach einem Aufenthalt in Paris kehrte er in seine Heimat zurück, um dort seine „Exerzitien zur Malerei“ zu vertiefen und die Struktur des Lichts zu erforschen.

Ein Vermächtnis der Sammlerfamilie Hahnloser

Besonders bemerkenswert: Alle gezeigten Werke stammen aus den eigenen Beständen des Museums. Ein Großteil geht auf die Sammlung von Hedy und Arthur Hahnloser zurück. Das Sammlerehepaar brachte mit großem Engagement und Offenheit die moderne französische Kunst nach Winterthur und legte damit den Grundstein für die heutige Bedeutung der Sammlung.

„Tout est lumière“ versteht sich somit nicht nur als eine Hommage an das Licht des Südens und die Freiheit der Künstler, sondern auch als Würdigung der visionären Sammlerarbeit der Familie Hahnloser.

Produktion: arttv.ch

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Das 2004 in Paris gegründete Kollektiv Claire Fontaine hinterfragt die Grenzen zwischen Alltag, virtueller Realität und politischem Aktivismus. In einer ungewöhnlichen Rauminstallation transformieren sie digitale Symbole in physische Objekte und konfrontieren uns mit den Nachrichtenströmen unserer Zeit.

Der Name „Claire Fontaine“ ist Programm und gleichzeitig ein vielschichtiges Zitat. Er leitet sich von einem bekannten französischen Schreibwarenhersteller ab, ist aber zugleich eine direkte Anspielung auf Marcel Duchamps berühmtes Readymade „Fountain“. Damit verbindet das Kollektiv einen gewöhnlichen Alltagsnamen mit der kunstgeschichtlichen Tradition, Objekte aus ihrem Kontext zu lösen und neu zu konzeptualisieren.

Emojis im Leuchtkasten: Die virtuelle Realität wird greifbar

Für Claire Fontaine endet das Prinzip des Readymades nicht beim physischen Gegenstand. Sie denken es zeitgenössisch weiter und beziehen die virtuelle Realität mit ein.

• Verdinglichung des Digitalen: Körperlose Emojis werden aus dem Smartphone isoliert und in schwebende Leuchtkästen transformiert. So wirken sie im realen Raum beinahe so, als befänden sie sich noch immer innerhalb eines digitalen Displays.

Politische Metaphern: Zitronen und Newsfeeds

Die Arbeitsweise des Kollektivs ist stark politisch ausgerichtet, was sich besonders in installativen Werken zeigt:

• „The Migrants“: 144 am Boden ausgelegte Zitronen bilden eine zerbrechliche Installation. Besucher müssen sich vorsichtig bewegen, um die Früchte nicht wegzustoßen – eine eindringliche Verbildlichung der Situation von Migranten, die oft keinen festen Platz in der Gesellschaft finden und an den Rand gedrängt werden.
• Der physische Newsfeed: Den täglichen Strom an Nachrichten, den wir normalerweise auf dem Handy durchscrollen, macht Claire Fontaine begehbar. Statt mit dem Daumen zu scrollen, läuft man über eine regelrechte „Nachrichtenschwemme“ am Boden.

Handarbeit trifft Digitalisierung

In Räumen, die klassischerweise der Malerei vorbehalten sind, präsentiert das Kollektiv eine überraschende Wendung: Alle gezeigten Objekte sind ursprünglich von Hand gemalt und wurden erst nachträglich digital transferiert. Symbolisiert wird dieser Prozess unter anderem durch ein Jackson-Pollock-Puzzle, das die Brücke zwischen analoger Kunstgeschichte und spielerischer Dekonstruktion schlägt.

Claire Fontaine zeigt eindrücklich, wie Readymade-Emotionen und digitale Informationsfluten unseren Blick auf die reale Welt formen und verändern.

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Im Kunst Museum Winterthur begegnen sich Vergangenheit und Gegenwart auf ungewöhnliche Weise. Der britische Konzeptkünstler Simon Starling dekonstruiert die Sammlung und verwebt historische Kunstwerke mit aktuellen Themen wie der Pandemie und dem Klimawandel.

Wer das Museum betritt, wird in der Lobby von einer rätselhaften Gestalt begrüßt: Ein hybrides Selbstporträt Starlings in der Gestalt des Malers Adolf Menzel. Die Figur trägt Starlings Körperproportionen, eine Menzel-Maske und hält Gipsabdrücke von Menzels Händen, die dessen beidhändige Malfertigkeit feierten.

Der Blick aus dem Fenster: Von 1848 bis COVID-19

Das zentrale Projekt der Ausstellung trägt den Titel „R 43“. Es entstand während der COVID-Pandemie, als das Gefühl des Eingesperrtseins Starling dazu brachte, über Menzels private Ansichten aus Berliner Wohnungen nachzudenken.

• Menzels Hinterhof: Eine kleine Ölskizze Menzels von 1848 wurde mittels 3D-Scan ins Unendliche vergrößert.
• Kontrast der Zeiten: Starling stellt dieser historischen, fast harmlosen Szenerie den heutigen, nüchternen Blick auf einen modernen Wohnblock gegenüber.

Gletscher als Zeugen des Wandels

Starlings Arbeiten sind oft Zeitreisen durch die Kunst- und Naturgeschichte. Er kombiniert einige der frühesten Darstellungen von Gletschern aus dem 17. und 18. Jahrhundert mit seinen eigenen Werken zur Gletscherschmelze.

• Die physische Reise: Die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Klima ist bei Starling oft an eine reale Reise gekoppelt. Für diese Arbeit legte er 320 Kilometer mit dem Fahrrad zurück – vom Ort, an dem die alten Fotografien bewahrt werden, bis hin zum eigentlichen Gletscher.

Ein Erzähler zwischen den Welten

Simon Starling versteht es meisterhaft, die Kultur- und Kunstgeschichte als Rohmaterial für seine „versponnenen Geschichten“ zu nutzen. Bei ihm verschmelzen die reale Reise im Raum und die intellektuelle Zeitreise zu einem Kunstwerk, das die Verbindungen zwischen unterschiedlichen Welten und Epochen sichtbar macht.

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Was passiert, wenn ein zeitgenössischer Konzeptkünstler auf die Meister des 19. Jahrhunderts trifft? Im Kunstmuseum erwartet die Besucher eine faszinierende Begegnung zwischen Simon Starling und Adolf Menzel. Eine Ausstellung, die den Blick auf die Sammlung radikal verändert.

Schon beim Betreten der Lobby werden die Besucher von einer rätselhaften Figur begrüßt: Es ist eine Art hybrides Selbstporträt von Simon Starling, das die Proportionen des Künstlers mit einer Maske von Adolf Menzel verbindet. In den Händen hält die Figur Gipsabdrücke von Menzels Händen – eine Hommage an die beidhändige Malfertigkeit des deutschen Meisters.

Der Blick aus dem Fenster: Von 1848 bis zur Pandemie

Das Projekt „R 43“ entstand während der COVID-Pandemie, als die globale Isolation Starling dazu brachte, über Menzels private Ansichten aus seinen Berliner Wohnungen nachzudenken.

• Vom Hinterhof zum Wohnblock: Eine Ölskizze Menzels von 1848 wurde mittels 3D-Scan ins Unendliche vergrößert. Starling stellt dieser historischen Szenerie den heutigen Ausblick auf einen modernen Wohnblock gegenüber und thematisiert so das Gefühl der Enge und des Wandels.

Gletscher im Wandel der Zeit

Starlings Arbeiten sind oft Zeitreisen. In einem weiteren Teil der Ausstellung kombiniert er frühe Gletscherdarstellungen aus dem 17. und 18. Jahrhundert mit seinen eigenen Werken zur aktuellen Gletscherschmelze.

• Die Reise als Kunstwerk: Die Klimathematik wird hier physisch erfahrbar. Starling legte 320 Kilometer mit dem Fahrrad zurück – vom Archiv der historischen Fotografien bis zum eigentlichen Gletscher.

Ein begnadeter Erzähler

Simon Starling ist mehr als ein Bildhauer; er ist ein Geschichtenerzähler, der tief in die Kultur- und Kunstgeschichte eintaucht. Seine Kunst verbindet reale Reisen im Raum mit intellektuellen Reisen durch die Zeit und schafft so „versponnene Geschichten“, die das Wesen unserer Gegenwart hinterfragen.

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Er wollte keine Spuren hinterlassen und schuf doch ein Werk, das die Kunstwelt nachhaltig erschütterte: Jack Goldstein (1945–2003). Das Kunst Museum Winterthur widmet der Schlüsselfigur der „Pictures Generation“ nun eine umfassende Werkschau. Unter dem Titel „Pictures, Sounds and Movies“ wird deutlich, wie visionär Goldstein die Mechanismen unserer medialen Wirklichkeit bereits vor Jahrzehnten sezierte.

Hier erfahren Sie, warum Goldsteins kühle Ästhetik heute aktueller ist denn je.

Hollywood-Präzision statt intimer Videokunst

Jack Goldstein, Absolvent des legendären CalArts, war ein Perfektionist der Distanz. Während viele seiner Zeitgenossen in den 70ern die Intimität des Videos suchten, lehnte er das Medium ab. Ihn faszinierte die technische Brillanz von 16-mm-Filmen. Er engagierte professionelle Hollywood-Crews, um Momente von existenzieller Wucht einzufangen.

Sein Meisterwerk »The Jump« (1978) zeigt einen Turmspringer, der in einer Endlosschleife in ein schwarzes Nichts eintaucht – ein ikonisches Bild zwischen purer Bewegung und vollkommener Leere.

Soundtracks ohne Film: Kino für die Ohren

Mitte der 1970er Jahre revolutionierte Goldstein die Klangkunst. Er isolierte archaische Geräusche – Explosionen, tobende Gewitter oder Tierlaute – und bearbeitete sie im Studio. Diese „Soundtracks ohne Film“ funktionieren als konzeptuelle Auslöser für tiefsitzende Erinnerungen der Hörer:innen. Er schuf Klangwelten, die im Kopf des Publikums ein eigenes Spektakel entfesseln, ohne ein einziges Bild zu zeigen.

Malerei ohne Handschrift

Ab 1980 vollzog Goldstein einen weiteren radikalen Bruch: Er wandte sich der Malerei zu, doch ohne den Pinsel selbst zu führen. In Airbrush-Technik ließen Assistenten nach seinen präzisen Vorgaben fotorealistische Gemälde entstehen.

• Themen: Krieg, Naturphänomene und technologische Spektakel.
• Konzept: Durch das Fehlen jeglicher persönlicher Handschrift kritisierte er die Konzepte von Autorschaft und Originalität. Das Bild wurde bei ihm zur reinen, theatralischen Oberfläche.

Eine Premiere in Winterthur

Dank einer Kooperation mit dem MAMCO Genf und Leihgaben der Kienzle Art Foundation präsentiert Winterthur erstmals eine repräsentative Auswahl dieses postmodernen Œuvres. Goldsteins Werk fordert uns heraus, unsere durch Medien, Bilder und Klänge konstruierte Realität kritisch zu hinterfragen.

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