Zum 50-jährigen Jubiläum zeigt das Museum Ludwig Köln eine Ausstellung, die Schwarze Diaspora-Kunst und europäische Moderne in einen überfälligen Dialog bringt – und dabei koloniale Leerstellen in der eigenen Sammlung offenlegt.

Ein Jubiläum mit kritischem Blick auf die eigene Geschichte

Zum 50-jährigen Bestehen richtet das Museum Ludwig den Blick nach innen – und findet dabei eine Leerstelle. Ein Forschungsprojekt zur eigenen Sammlung machte deutlich, dass Werke Schwarzer Künstlerinnen und Künstler darin kaum vertreten sind, besonders im Bereich der Moderne. Diese Unterrepräsentation ist kein Zufall, sondern Ausdruck tief verwurzelter kolonialer Machtverhältnisse. Die Sonderausstellung „Along the Color Line. Spuren einer transatlantischen Moderne” (3. Oktober 2026 bis 7. März 2027) stellt sich genau dieser Erkenntnis.

W. E. B. Du Bois und die Kunst der Zwischenräume

Der Titel der Ausstellung geht auf Schriften des afroamerikanischen Soziologen W. E. B. Du Bois zurück, der zwischen 1892 und 1894 in Berlin studierte und 1936 als Journalist Deutschland erneut bereiste – und dabei Köln, Hamburg, die Wagner-Festspiele in Bayreuth und die Olympischen Spiele in Berlin besuchte. Seine Berichte liefern ein einzigartiges Zeugnis dieser historischen Periode und schärfen den Blick für die globalen Verflechtungen von Rassismus und Ausgrenzung. Ergänzt werden sie durch Schriften weiterer Vertreterinnen und Vertreter der Schwarzen Diaspora, die sich zeitweilig in Europa aufhielten – darunter der Philosoph Alain Locke, der 1910–1911 ebenfalls in Berlin studierte.

Harlem Renaissance, Négritude und transatlantische Verbindungen

Die Ausstellung versammelt eine Vielzahl internationaler Leihgaben: moderne und zeitgenössische Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen sowie Literatur und Musik der Schwarzen Diaspora treten in Dialog mit Werken aus der Sammlung des Museum Ludwig. Anhand von Bewegungen wie der Harlem Renaissance in den USA und der Négritude-Bewegung in Europa werden transatlantische Verbindungslinien nachgezeichnet und gefragt, wie Schwarze Künstlerinnen und Künstler durch ihre Werke neue Narrative schufen, die eurozentrische Sehgewohnheiten herausforderten.

Lokale Verankerung: Die Rheinregion als Diaspora-Ort

Die Ausstellung macht deutlich, dass Migration, Identität und kulturelle Zugehörigkeit nicht nur globale Phänomene sind, sondern auch lokal greifbar. So lebte die Künstlerin Mildred Thompson, die an der Howard University studierte, in den 1960er Jahren in Düren. Im Vorfeld der Ausstellung hat das Museum Ludwig gezielt Werke erworben – darunter Arbeiten von Thompson, Herbert Gentry (1919–2003) und Iba Ndiaye (1928–2008) – um diese Lücken in der Sammlung zu schließen.

James Gregory Atkinson: Ein Archiv gegen das Vergessen

Eine zentrale zeitgenössische Position nimmt der deutsch-amerikanische Künstler James Gregory Atkinson (*1981) ein. Er hat ein nichtlineares Archiv aus Bildern, Objekten, Texten und Oral History erarbeitet, das sich mit der Geschichte Schwarzer Menschen in Deutschland befasst und eine Linie von den Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts bis zur diasporischen Realität der Gegenwart zieht.

Eine Einladung zur Reflexion – damals wie heute

Über 100 Jahre nach den Aufenthalten von Du Bois und Locke im modernen Europa lädt die Ausstellung dazu ein, den gesellschaftlichen Stellenwert von kultureller Identität, Gemeinschaft und Zugehörigkeit neu zu befragen. Die Förderung erfolgt durch das Ministerium für Kultur und Wissenschaft NRW, die Kulturstiftung des Bundes, die Kunststiftung NRW und die Terra Foundation for American Art, unter anderem.

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Mit über 300 Arbeiten aus sieben Jahrzehnten ist diese Schau eine tiefgründige Reise durch die Psyche einer Frau, für die Kunst keine Wahl, sondern eine Lebensnotwendigkeit ist.

Von der ersten Zeichnung bis zum Infinity Room

Die Ausstellung spannt den Bogen von Kusamas frühesten Arbeiten (ca. 1934) bis zu ihrem kraftvollen Alterswerk.

• Exklusiv in Köln: Während die Schau durch Europa tourt, zeigt das Museum Ludwig Arbeiten, die in Basel nicht zu sehen sind. Darunter die ikonische Installation Aggregation: One Thousand Boats Show (1963) und das Schwarzlicht-Environment I’m Here but Nothing.
• Blumen auf dem Dach: Auf der Dachterrasse des Museums blühen monumentale, bunt bemalte Bronze-Blumen vor der Kulisse des Kölner Doms.
• Das Herzstück: Eigens für Köln wurde eine immersive Rauminstallation mit einem neuen Infinity Mirror Room konzipiert, die den größten Saal des Museums füllt.

Die Philosophie hinter den Punkten

Was für viele wie ein fröhliches Muster aussieht, entspringt Kusamas tiefster existenzieller Erfahrung.

• Self-Obliteration: Die Punkte (Polka Dots) sind Kusamas Weg, die Grenzen zwischen dem Individuum und dem Universum aufzulösen. Alles verschmilzt zu einem großen Ganzen.
• Heilung durch Kunst: Ihre Halluzinationen aus der Kindheit, in denen sie sich von Mustern überwuchert sah, verarbeitet sie bis heute. Ihre Kunst hilft ihr, Depressionen und Ängste zu überwinden – eine „Lebenskraft“, wie sie selbst sagt.

Stationen eines bewegten Lebens

Die Ausstellung folgt Kusamas Weg aus dem patriarchalischen Nachkriegsjapan in das New York der Flower-Power-Zeit, wo sie mit provokanten Nackt-Happenings gegen den Vietnamkrieg protestierte. Nach ihrer Rückkehr nach Japan 1973 erweiterte sie ihr Schaffen um Literatur und Lyrik, bevor sie in ihren späten Jahren zu den farbenprächtigen Bilderzyklen fand, die heute die Welt begeistern.

Während der Ausstellung länger geöggnet

Aufgrund des zu erwartenden hohen Besucher*innenandrangs verlängert das Museum Ludwig für die Kusama-Ausstellung seine Öffnungszeiten.

An den Wochenenden von Freitag bis Sonntag ist die Ausstellung jeweils von 10 bis 20 Uhr geöffnet. Das gilt auch für das Osterwochenende von Karfreitag bis Ostersonntag (3. bis 5. April). Am Ostermontag schließt das Museum dann wieder um 18 Uhr. Am Freitag, 1. Mai und am Pfingstsonntag, 24. Mai wird die Kusama-Ausstellung ebenfalls bis 20 Uhr geöffnet sein. An Christi Himmelfahrt, 14. Mai und Fronleichnam, 4. Juni, schließt die Ausstellung um 18 Uhr.

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Anlässlich des 250. Jahrestags der US-Unabhängigkeit im Jahr 2026 richtet das Museum Ludwig den Blick neu aus. Die Ausstellung HIER UND JETZT: De/Collecting Memories from Turtle Island konfrontiert historische Amerikabilder mit zeitgenössischen Positionen der indigenen Künstlerinnen Marie Watt und Wendy Red Star.

Das Kölner Museum Ludwig beherbergt die umfangreichste Pop-Art-Sammlung außerhalb der USA und ist traditionell eng mit der US-amerikanischen Kunstgeschichte verknüpft. Doch pünktlich zum Jubiläumsjahr der Vereinigten Staaten hinterfragt das Haus gängige Narrative der westlichen Geschichtsschreibung. Ab dem 7. Februar 2026 stehen nicht die Gründungsmythen der USA im Fokus, sondern „Turtle Island“ – eine in vielen indigenen Schöpfungsgeschichten verwurzelte Bezeichnung für den nordamerikanischen Kontinent.

Dekonstruktion des amerikanischen Mythos

Ausgangspunkt der Schau ist ein historisches Konvolut, das das Museum 2023 erwarb: Fotochrome der Detroit Publishing Company aus der Zeit um 1900. Diese millionenfach verbreiteten Farbbilder prägten das touristische Bild der USA nachhaltig. Sie zeigen ikonische Orte wie den Yellowstone Nationalpark oder den Grand Canyon als menschenleere, unberührte Naturräume.

Die Ausstellung De/Collecting Memories from Turtle Island entlarvt diese Leere als Konstruktion. Lange vor Ankunft der Europäer und der Staatsgründung vor 250 Jahren war das Land Heimat zahlreicher Nationen. Die Schau setzt dort an, wo die Postkartenmotive enden, und überschreibt die romantisierte „Entdeckung“ mit den verdrängten Perspektiven indigener Bevölkerungsgruppen.

Wendy Red Star: Satire gegen Stereotype

Die 1981 geborene Künstlerin Wendy Red Star nutzt fotografische Selbstinszenierungen, um westliche Vorstellungen von Indigenität humorvoll und satirisch zu brechen. In ihrer Arbeit hinterfragt sie kritisch das Label „Native Artist“, das in institutionellen Kontexten oft mehr als einschränkender Container denn als Beschreibung fungiert.

Red Star, die sich selbst als Apsáalooke verortet und deren Arbeit tief in der Geschichte ihres Volkes gründet, fordert mit ihren Werken dazu auf, den Blick für die Mechanismen der Kategorisierung zu schärfen und differenzierter hinzuschauen.

Marie Watt: Heilung, Klang und Interaktion

Marie Watt (geb. 1967, Mitglied der Seneca Nation) hat für das Museum Ludwig die raumgreifende Installation Thirteen Moons entwickelt. Die Arbeit besteht aus dreizehn hängenden Skulpturen aus Zinnschellen, die eine starke visuelle und auditive Präsenz entfalten. Im Gegensatz zur klassischen musealen Distanz ist hier Berührung erwünscht: Besucher können die Schellen in Bewegung versetzen und einen Klangraum erzeugen.

Die Installation referenziert den „Jingle-Dress-Tanz“ der Ojibwe, der um 1900 während der Grippepandemie als Heilungsritual entstand. Historisch ist der Tanz auch ein Akt des Widerstands, da er trotz des Verbots traditioneller Versammlungen durch die US-Regierung (1883–1978) praktiziert und weitergegeben wurde. Für die Performance arbeitet Watt mit der Jingle-Dress-Tänzerin Acosia Red Elk (Umatilla) zusammen.

HIER UND JETZT: Institutionelle Selbstkritik

De/Collecting Memories from Turtle Island ist die elfte Ausgabe der Reihe HIER UND JETZT. Mit diesem Format unterzieht das Museum Ludwig die eigene Arbeit und Sammlungspraxis regelmäßig einer kritischen Prüfung. Die aktuelle Ausstellung wird durch die Fördergruppe HIER UND JETZT der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig e. V. substanziell unterstützt.

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Sie sind Ikonen der Nachkriegs-Avantgarde – doch ihre tiefen, oft romantischen Bindungen blieben lange im Verborgenen. Das Museum Ludwig in Köln lüftet das Geheimnis um das einflussreichste Künstlernetzwerk des 20. Jahrhunderts.

John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Cy Twombly: Jeder dieser Namen markiert eine Revolution in seinem Fachgebiet. Doch die aktuelle Ausstellung „Fünf Freunde“ im Museum Ludwig geht über die individuelle Genialität hinaus und erzählt die Geschichte einer beispiellosen künstlerischen, freundschaftlichen und romantischen Allianz, die die Grenzen zwischen Musik, Tanz und Bildender Kunst auflöste.

Video-Einblicke in die Geburtsstunde der Avantgarde

In unserem Video zur Ausstellung erfahren Sie, wie diese enge Gemeinschaft die Kunst der Nachkriegszeit in Amerika und Europa grundlegend prägte. Die Schau konzentriert sich dabei auf die starken gegenseitigen Einflüsse, die bisher von der offiziellen Kunstgeschichte weitgehend übersehen wurden.

Mehr als nur Kollegen

Das Netzwerk umfasste:

• John Cage (Komponist)
• Merce Cunningham (Choreograf)
• Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Cy Twombly (Bildende Künstler)

Ihre gegenseitige Förderung und ihre persönlichen Beziehungen, darunter die Partnerschaften zwischen Cage/Cunningham und Johns/Rauschenberg, waren die kreativen Triebfedern für bahnbrechende Werke. Die Ausstellung stellt diese Interaktionen in den Vordergrund und beleuchtet, wie Freundschaft und Liebe zu einem Motor für die künstlerische Neudefinition wurden.

Die Ausstellung läuft noch bis ins neue Jahr hinein:

• Titel: Fünf Freunde. John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly
• Ort: Museum Ludwig, Köln
• Laufzeit: 03.10.2025 – 11.01.2026

Produktion: artbeats

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ROAD RUNNER – Realität trifft digitale Bedrohung

In ihrer Videoarbeit erzählt Sahin die Geschichte des kurdischen Mädchens Bêrîtan, das ihre Schwester aus einer digitalen Gefangenschaft befreien will. Um ihr Ziel zu erreichen, muss Bêrîtan sich sowohl in der filmischen Welt als auch in virtuellen Realitäten den Gefahren stellen. Realität und digitale Räume verschmelzen, sodass sich die Frage stellt: Wo endet das Eine und wo beginnt das Andere?

Mit Anleihen aus Popkultur, Social Media und Videospielen entwickelt Sahin ein dystopisches Szenario voller Unsichtbarer Autorität, Bedrohung und Flucht. Rasant wechselnde Perspektiven, schrille Designs, schnelle Schnittfolgen und ein intensiver Sound erzeugen eine unmittelbare, mitreißende Erfahrung. Die Ich-Perspektive und narrative Elemente aus Film, Werbung und Animation verstärken die Spannung und Intensität des Geschehens.

Die Künstlerin: Cemile Sahin

Geboren 1990 in Wiesbaden, lebt und arbeitet Cemile Sahin in Berlin. Ihr Werk vereint Film, Fotografie, Skulptur, Literatur und Collage und hinterfragt kritisch die Instrumentalisierung von Medien sowie die Rolle unterschiedlicher Perspektiven.

• Studium: Central Saint Martins College of Art and Design, London (bis 2011)
• Master: Universität der Künste Berlin, 2018
• Literarische Veröffentlichungen: Debütroman TAXI (2019, Alfred Döblin-Medaille), ALLE HUNDE STERBEN (2020), KOMMANDO AJAX (2024, nominiert für den Preis der Leipziger Buchmesse 2025)

Sahins Werke sind u. a. in den Sammlungen des Kunstmuseums Stuttgart, des Kunsthauses Zürich, des Castello di Rivoli und der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland vertreten.

Hintergrund: Junger Ankauf

Die Initiative Junger Ankauf wurde 2005 ins Leben gerufen. Junge Mitglieder der Gesellschaft für Moderne Kunst diskutieren gemeinsam mit Dr. Yilmaz Dziewior (Direktor) und Dr. Barbara Engelbach (Kuratorin für Zeitgenössische Kunst, Fotografie und Medienkunst) Positionen von Künstler:innen unter 40 Jahren. Anschließend wird in einem demokratischen Prozess über einen Neuerwerb für die Sammlung entschieden.

ROAD RUNNER wurde mit Unterstützung des CIRCA PRIZE 2023 realisiert und wird auf der Art Cologne dank der Galerie Esther Schipper und einem Sponsoring der Grisebach GmbH präsentiert. Die kontinuierliche Unterstützung durch Zilkens Fine Art Insurance Broker GmbH ermöglicht erneut die Präsentation des Jungen Ankaufs.

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Die Präsentation „Smile! Wie das Lächeln in die Fotografie kam“ untersucht die Entwicklung unserer „Fotografiergesichter“ vom 19. bis ins 21. Jahrhundert. Sie vereint anonyme Porträts und künstlerische Arbeiten zu einer kulturhistorischen Geschichte des Lächelns – zwischen gesellschaftlicher Konvention, technischer Entwicklung und ästhetischer Mode.

Ob gelächelt wird oder nicht, ob Zähne gezeigt werden oder nicht – all das war und ist abhängig von sozialen Normen, Klasse, Geschlecht und Kontext. Im 19. Jahrhundert galt Gefühlsausdruck auf Porträts als unangebracht; Ernsthaftigkeit war Zeichen von Würde und Bildung. Erst mit dem Stummfilm und der Werbefotografie hielt das Lächeln Einzug ins Bild – als Ausdruck von Emotion, Lebensfreude und Konsumversprechen.

Eine 2015 erschienene Untersuchung von US-amerikanischen Jahrbuchfotos zeigt: Seit Beginn des 20. Jahrhunderts wird immer häufiger gelächelt – Frauen mehr als Männer. Zugleich bleibt das „Photographiergesicht“, von dem Siegfried Kracauer schon 1927 schrieb, ein Spiegel gesellschaftlicher Inszenierung. Zwischen Nähe und Distanz, Natürlichkeit und Pose zeigt die Ausstellung: Das Lächeln hat eine Geschichte – und sie ist noch längst nicht zu Ende.

Kuratorinnen: Miriam Szwast mit Brit Meyer

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Bereits während ihres Kunstgeschichtestudiums in den späten 1940er Jahren begann das Ehepaar zu sammeln – stets mit dem Ziel, die Werke der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Peter Ludwig war überzeugt, dass die kulturellen Verluste durch den Nationalsozialismus und den Zweiten Weltkrieg nur durch privates Engagement ausgeglichen werden konnten. Ein prägendes Erlebnis war für ihn die Besichtigung der Sammlung Haubrich 1946 in Köln.

Zunächst sammelten die Ludwigs vor allem Kunst aus Deutschland und Frankreich, doch 1967 wagten sie den Sprung in die amerikanische Pop Art – ein Wendepunkt. Peter Ludwig schrieb später, die Kunst jener Jahre sei „wie ein Sturm“ über ihn hereingebrochen.

Sein kulturpolitisches Engagement prägte die Museumslandschaft entscheidend: 1976 schenkte er der Stadt Köln rund 350 Werke moderner Kunst – das Fundament des Museum Ludwig, das bis heute international für seine bedeutende Pop Art-Sammlung bekannt ist.

Kölns Oberbürgermeisterin Henriette Reker würdigt Peter Ludwig als Kulturpolitiker, dessen Sammlung wesentlich zum Ruf der Kunststadt Köln beitrug. Yilmaz Dziewior, Direktor des Museum Ludwig, betont, dass das Haus den internationalen, offenen Geist der Sammlung Ludwig heute weiterführt und die Sammlung global ausrichtet.

Ein besonderes Andenken: 1980 fertigte Andy Warhol auf Vermittlung eines Kölner Möbelhauses ein berühmtes Porträt von Peter Ludwig an. Eines der sechs entstandenen Werke ist heute als Stiftung im Museum Ludwig zu sehen.

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Ehrhardt studierte 1928/1929 am Dessauer Bauhaus Malerei, u.a. bei Paul Klee und Wassily Kandinsky. 1933 wurde er wegen seiner modernistischen Kunstauffassung von den Nationalsozialisten aus dem Schuldienst an der Hamburger Landeskunstschule entlassen. Mit seiner Kamera suchte er Strukturen und abstrakte Formen im Dünensand der Kurischen Nehrung und im Watt. Er entdeckte Erhabenes im Detail – seine Form der inneren Emigration. Immer ging es ihm um das Wirken von „Urkräften“, abseits der Zivilisation, um „das Wesentliche“. 1967 fasste er es so zusammen: „Es kam mir darauf an, bereits im Ausschnitt das organisch Ganze zu zeigen, was nur möglich ist, wenn man die Statik einer Erscheinungsform in der Wahl des Ausschnitts überwindet und das dynamische Element des Objekts so im Licht und im Winkel fasst, dass trotz des Ausschnitts das Ganze lebendig wird. Man darf also auf dem Gebiet der Fotografie durchaus von einer Gestaltung sprechen. Sie besteht allerdings nicht in optischen Kniffen und Tricks. Sie besteht vielmehr in einer Art grundsätzlich neuen Sehens, das uns das Wesentliche der Dinge offenbart.“ Publiziert hat Ehrhardt seine Werke in Fotobüchern wie „Die Kurische Nehrung“ (1934) und „Das Watt“ (1937) oder später in „Wattenmeer. Formen und Strukturen“ (1967). Neben den Aufnahmen im Freien entstanden im Atelier neusachliche Vergrößerungen von Muschelschalen und Schneckengehäusen, später auch avantgardistische Filme wie der 1959 veröffentlichte und preisgekrönte  „Tanz der Muscheln“.

Auch Elfriede Stegemeyer hatte zunächst in anderen Medien künstlerisch gearbeitet bevor sie 1932 zur Kamera griff. Sie stand in engem Kontakt zur Künstler*innengruppe der Kölner Progressiven und der Dadaisten  und ging noch einen Schritt weiter: sie nutzte Fotografien, die sie auf Sylt, auf Ibiza – wo sie den Künstler Raoul Hausmann besuchte – und auf Sizilien angefertigt hatte für Collagen oder übermalte sie mit dem Pinsel. „ich stehe zu sehr hinter meiner arbeit“, schrieb sie um 1981 an den Kunsthistoriker Uli Bohnen, „als dass ich sie etikettieren könnte, aber wenn ich darüber nachgrübele, würde ich sie bei ‚naturlieb‘ einordnen, weil ich alles lebendige in gefahr sehe, und irgendwo meine ich, dass ich durch meine arbeit dem kern der dinge nähergekommen bin, ich lasse mein ‚ding‘ möglichst von selber wachsen, was ich dazu tue ist beobachten, untersuchen, einkreisen, verbinden – auch auf die gefahr von fehlschlüssen. wenn wir uns nicht selbst riskieren, gewinnen wir das lebendige nicht. Deshalb riskiere ich folgende betrachtung: ich glaube nicht, dass abstraktion allein zielführend ist. struktur ist an sich keine abstraktion. aber sie umschliesst sie und schliesst sie aus. Ich meine, man sollte alle doktrinen vermeiden, sie hemmen den natürlichen fluss.“ Ein Großteil von Elfriede Stegemeyers Werk wurde 1943 bei einem Bombenangriff zerstört.

Sowohl Elfriede Stegemeyer als auch Alfred Ehrhardt ersetzten das klassische Seestück, also die maritime Darstellung, durch die Seherfahrung natürlicher Strukturen. Beide griffen zur Zeit des Nationalsozialismus zur Kamera, einem Medium, das weniger im Fokus der NS-Kunstzensur und -zerstörung stand.Sie wandten sich in ihren Bildern der Natur zu, und vom Menschen ab undwählten mit ihrer Kamera Ausschnitte, die die Natur abstrahieren. Elfriede Stegemeyer und Alfred Ehrhadt zählten zur fotografischen Avantgarde und wurden erst spät wirklich entdeckt.

Alle Aufnahmen der Präsentation sind Neuzugänge in der Sammlung Fotografie des Museum Ludwig. Alfred Ehrhardts Werke stammen aus einer großzügigen Schenkung der Familie Bartenbach. Elfriede Stegemeyers Fotografien wurden jüngst aus dem Nachlass des Galeristen Gerd Sander erworben, der mit dazu beigetragen hatte, Stegemeyers Werk bekannt zu machen. Einmal mehr zeigt sich: Die fotografische Moderne ist noch immer nicht auserzählt.

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Give Me Para­dox or Give Me Death ist eine um­fan­greiche Einze­lausstel­lung der ein­fluss­reichen US-amerikanischen Kün­st­lerin Roni Horn mit über ein­hun­dert Werken, die von den An­fän­gen ihr­er kün­st­lerischen Tätigkeit bis heute reichen. Roni Horns Werk reicht von Fo­to­gra­fie über Zeich­nung und Kün­stler­buch bis hin zu Skulp­tur und In­s­tal­la­tion. Hin­ter dies­er Of­fen­heit ste­ht das Ver­ständ­nis der Kün­st­lerin, das Alles in der Welt wan­del­bar ist und sich kein­er fes­ten Zuschrei­bung un­terord­nen lässt. Die Ausstel­lung im Mu­se­um Lud­wig be­trachtet diese Idee an­hand von drei wied­erkehren­den The­men in Horns Schaf­fen: Na­tur, Iden­tität und Sprache. /

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Über 50 Werke aus dem Nationalen Kunstmuseum der Ukraine sowie dem Mu­se­um für The­ater-, Musik- und Filmkunst der Ukraine in Kyjiw werden aktuell in der Ausstellung HIER UND JETZT im Museum Ludwig. Ukrainische Moderne 1900-1930 & Daria Koltsova gezeigt. Sie wurden während des Krieges außer Landes gebracht und wurden zuerst un­ter dem Ti­tel In the Eye of the Storm: Mod­er­nism in Ukraine, 1900-1930s im Museo Na­cio­n­al Thyssen-Bornemisza in Ma­drid präsentiert. In Köln wird diese Auswahl durch Werke aus pri­vat­en Samm­lun­gen und den Bestän­den des Mu­se­um Lud­wig ergänzt.

Die Ausstel­lung stellt die Viel­s­tim­migkeit der kün­st­lerischen Stile und kul­turellen Iden­titäten in der Ukraine zu Be­ginn des 20. Jahrhun­derts dar. Sie konzen­tri­ert sich auf die Städte Kyjiw und Charkiw und erzählt die Geschichte der ukrainischen Kün­stler*in­nen der Mod­erne und ihr­er Ver­suche, auf un­ter­schiedlichen We­gen die kul­turelle Iden­tität und Ei­gen­ständigkeit zu prä­gen.

Video: artbeats

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