Köln, die Lichtbildwerkstatt und vergessene Vorträge

Über drei Jahrzehnte lebte und arbeitete August Sander in Köln. Die Stadt mit ihrer historischen Bausubstanz, dem rheinischen Karneval und der Gruppe progressiver Künstler prägte sein Schaffen nachhaltig. Ein besonderer Höhepunkt der Ausstellung ist die Bildgruppe „Lichtbildwerkstatt August Sander, Köln-Lindenthal”, die zwischen 1930 und 1942/43 entstand und erstmals in diesem Umfang zu sehen ist.

Erstmals werden auch sechs Radiovorträge präsentiert, die Sander 1931 im Auftrag des WDR verfasste und im Rundfunk hielt. Im Ausstellungsraum können Besucher*innen diese Texte in einer aktuell eingesprochenen Version anhören. Eine begleitende Publikation (Schirmer/Mosel) führt die Vorträge und die Lichtbildwerkstatt zusammen – ein Projekt, das auf eigenen Plänen Sanders aus dem Jahr 1952 basiert.

Der Blick auf den Menschen – und seine Hände

Neben Porträts aus seinem zentralen Kultur- und Gesellschaftswerk Menschen des 20. Jahrhunderts zeigt die Schau weitere wichtige Konvolute: Studien, Der Mensch und Mensch und Maschine. Dabei rückt vor allem die menschliche Hand in den Fokus. Wie in einem individuellen Porträt erzählt sie von unterschiedlichen Lebenszusammenhängen und steht als arbeitendes „Werkzeug” am Beginn maschineller Entwicklung.

Auch Sanders enger Austausch mit der Kölner Gruppe progressiver Künstler wird beleuchtet. Er fertigte Reproduktionen ihrer Werke an und besaß eigene Arbeiten von Künstlern wie Franz Wilhelm Seiwert und Heinrich Hoerle, die er in sein Wohnumfeld integrierte.

Vom Westerwald nach Sardinien: Landschaften als Gesichter der Zeit

Sanders Werk umfasst weit mehr als Porträts. Geboren im westfälischen Herdorf, dokumentierte er zeitlebens seine Heimatregion, den Rhein, das Siebengebirge und die Eifel. Sein landschaftliches Werk zeichnet sich durch ein besonderes Augenmerk auf das Zusammenspiel von Natur, menschlicher Besiedlung und den Spuren menschlicher Tätigkeit aus. Für Sander trug die Landschaft ein Gesicht, in das sich die Zeit einschrieb.

Eine biografische Besonderheit ist Sanders einzige Auslandsreise 1927 nach Sardinien. Gemeinsam mit dem Schriftsteller Ludwig Mathar entstanden über 300 Negative, die ein seltenes visuelles Zeugnis der damals noch kaum besuchten Insel bieten. Sander war der erste professionelle Fotograf, der Sardinien in einer so stringenten und breit angelegten Dokumentation würdigte.

Gestern und heute: Sander im Dialog mit Gerhard Fleischer

Ergänzt wird die Ausstellung durch eine Monitorpräsentation, die August Sanders Landschaftsaufnahmen von Rhein und Siebengebirge denen des Fotografen Gerhard Fleischer (*1952) gegenüberstellt. Seit 2014 sucht Fleischer die von Sander festgehaltenen Ansichten auf und nähert sich dabei dessen Perspektive und Blickwinkel an. So wird sichtbar, was sich in fast 100 Jahren verändert hat – und was überraschend konstant geblieben ist.

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Ab Herbst 2026 führt Dr. Clara Bolin die Photographische Sammlung der Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn. Die promovierte Kunsthistorikerin bringt Erfahrung aus renommierten Häusern wie dem Victoria and Albert Museum in London und dem Fotomuseum Winterthur mit – und setzt auf Photographie als historische Praxis, nicht nur als schönes Motiv.

Von London über Winterthur nach Köln

Dr. Clara Bolin wechselt im Oktober 2026 an die Spitze der Photographischen Sammlung in der Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn. Zuvor hat die Kunsthistorikerin in einigen der bedeutendsten Häuser für Fotografie gearbeitet: Im Victoria and Albert Museum in London, im Fotomuseum Winterthur, im Museum Folkwang Essen und im Münchner Stadtmuseum. Diese internationale und institutionelle Breite prägt ihren Ansatz: Photographie versteht sie nicht bloß als Bildmotiv, sondern als historische Bildpraxis mit gesellschaftlicher Relevanz.

Besonders geprägt wurde Bolin durch das Stipendienprogramm „Museumskurator*innen für Photographie” der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, das sie innerhalb von zwei Jahren durch vier renommierte Museen führte. Zuletzt zeichnete sie bei der Kunststiftung DZ BANK in Frankfurt für die Ausstellungshalle verantwortlich.

Digitalisierung und Zugänglichmachung im Fokus

Eine ihrer zentralen Aufgaben wird die Weiterentwicklung der digitalen Infrastruktur der Sammlung sein. Die systematische Digitalisierung der Bestände und ihre archivische Öffnung für Forschung und Öffentlichkeit sind Arbeitsschwerpunkte, die die Photographische Sammlung in den kommenden Jahren ausbauen will. Damit erhält eine der wenigen deutschen Institutionen, die konsequent eine eigene Sammlung dokumentarischer Photographie aufgebaut haben, eine Leiterin, deren Profil genau hier ansetzt: in der Geschichte, Theorie und Vermittlung photographischer Bildpraktiken – stets mit einem zeitgenössischen Blick auf Bildkulturen.

„Neue Wege für photographisches Erbe”

„Ich freue mich sehr darauf, die Photographische Sammlung in ihrer ganzen Tiefe kennenzulernen und gemeinsam mit dem Team sowie mit Partner*innen aus Wissenschaft, Kunst und Kulturpolitik neue Wege für die Arbeit mit photographischem Erbe zu gehen – und dabei die Photographie des 21. Jahrhunderts im Blick zu haben”, sagt Bolin. Die Einbettung der Sammlung in die Stiftung Kultur – neben der Photographischen Sammlung gehören dazu das Deutsche Tanzarchiv Köln und die Medienkunstvermittlung – sieht sie als Chance für spartenübergreifende Angebote und die Gewinnung neuer Zielgruppen.

Norbert Minwegen, Geschäftsführer der Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn, betont: „Dr. Clara Bolin bringt wissenschaftliche Tiefe, kuratorische Praxis und institutionelle Breite mit. Ihr Engagement für eine inklusive Sammlungsarbeit rundet das Profil ab, das diese Sammlung für ihre nächste Phase braucht.”

Bolin tritt die Nachfolge von Gabriele Conrath-Scholl an, die die Sammlung fast 20 Jahre lang geleitet hat und im Frühjahr 2026 in den Ruhestand getreten ist.

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Zum 50-jährigen Jubiläum zeigt das Museum Ludwig Köln eine Ausstellung, die Schwarze Diaspora-Kunst und europäische Moderne in einen überfälligen Dialog bringt – und dabei koloniale Leerstellen in der eigenen Sammlung offenlegt.

Ein Jubiläum mit kritischem Blick auf die eigene Geschichte

Zum 50-jährigen Bestehen richtet das Museum Ludwig den Blick nach innen – und findet dabei eine Leerstelle. Ein Forschungsprojekt zur eigenen Sammlung machte deutlich, dass Werke Schwarzer Künstlerinnen und Künstler darin kaum vertreten sind, besonders im Bereich der Moderne. Diese Unterrepräsentation ist kein Zufall, sondern Ausdruck tief verwurzelter kolonialer Machtverhältnisse. Die Sonderausstellung „Along the Color Line. Spuren einer transatlantischen Moderne” (3. Oktober 2026 bis 7. März 2027) stellt sich genau dieser Erkenntnis.

W. E. B. Du Bois und die Kunst der Zwischenräume

Der Titel der Ausstellung geht auf Schriften des afroamerikanischen Soziologen W. E. B. Du Bois zurück, der zwischen 1892 und 1894 in Berlin studierte und 1936 als Journalist Deutschland erneut bereiste – und dabei Köln, Hamburg, die Wagner-Festspiele in Bayreuth und die Olympischen Spiele in Berlin besuchte. Seine Berichte liefern ein einzigartiges Zeugnis dieser historischen Periode und schärfen den Blick für die globalen Verflechtungen von Rassismus und Ausgrenzung. Ergänzt werden sie durch Schriften weiterer Vertreterinnen und Vertreter der Schwarzen Diaspora, die sich zeitweilig in Europa aufhielten – darunter der Philosoph Alain Locke, der 1910–1911 ebenfalls in Berlin studierte.

Harlem Renaissance, Négritude und transatlantische Verbindungen

Die Ausstellung versammelt eine Vielzahl internationaler Leihgaben: moderne und zeitgenössische Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen sowie Literatur und Musik der Schwarzen Diaspora treten in Dialog mit Werken aus der Sammlung des Museum Ludwig. Anhand von Bewegungen wie der Harlem Renaissance in den USA und der Négritude-Bewegung in Europa werden transatlantische Verbindungslinien nachgezeichnet und gefragt, wie Schwarze Künstlerinnen und Künstler durch ihre Werke neue Narrative schufen, die eurozentrische Sehgewohnheiten herausforderten.

Lokale Verankerung: Die Rheinregion als Diaspora-Ort

Die Ausstellung macht deutlich, dass Migration, Identität und kulturelle Zugehörigkeit nicht nur globale Phänomene sind, sondern auch lokal greifbar. So lebte die Künstlerin Mildred Thompson, die an der Howard University studierte, in den 1960er Jahren in Düren. Im Vorfeld der Ausstellung hat das Museum Ludwig gezielt Werke erworben – darunter Arbeiten von Thompson, Herbert Gentry (1919–2003) und Iba Ndiaye (1928–2008) – um diese Lücken in der Sammlung zu schließen.

James Gregory Atkinson: Ein Archiv gegen das Vergessen

Eine zentrale zeitgenössische Position nimmt der deutsch-amerikanische Künstler James Gregory Atkinson (*1981) ein. Er hat ein nichtlineares Archiv aus Bildern, Objekten, Texten und Oral History erarbeitet, das sich mit der Geschichte Schwarzer Menschen in Deutschland befasst und eine Linie von den Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts bis zur diasporischen Realität der Gegenwart zieht.

Eine Einladung zur Reflexion – damals wie heute

Über 100 Jahre nach den Aufenthalten von Du Bois und Locke im modernen Europa lädt die Ausstellung dazu ein, den gesellschaftlichen Stellenwert von kultureller Identität, Gemeinschaft und Zugehörigkeit neu zu befragen. Die Förderung erfolgt durch das Ministerium für Kultur und Wissenschaft NRW, die Kulturstiftung des Bundes, die Kunststiftung NRW und die Terra Foundation for American Art, unter anderem.

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Mit über 300 Arbeiten aus sieben Jahrzehnten ist diese Schau eine tiefgründige Reise durch die Psyche einer Frau, für die Kunst keine Wahl, sondern eine Lebensnotwendigkeit ist.

Von der ersten Zeichnung bis zum Infinity Room

Die Ausstellung spannt den Bogen von Kusamas frühesten Arbeiten (ca. 1934) bis zu ihrem kraftvollen Alterswerk.

• Exklusiv in Köln: Während die Schau durch Europa tourt, zeigt das Museum Ludwig Arbeiten, die in Basel nicht zu sehen sind. Darunter die ikonische Installation Aggregation: One Thousand Boats Show (1963) und das Schwarzlicht-Environment I’m Here but Nothing.
• Blumen auf dem Dach: Auf der Dachterrasse des Museums blühen monumentale, bunt bemalte Bronze-Blumen vor der Kulisse des Kölner Doms.
• Das Herzstück: Eigens für Köln wurde eine immersive Rauminstallation mit einem neuen Infinity Mirror Room konzipiert, die den größten Saal des Museums füllt.

Die Philosophie hinter den Punkten

Was für viele wie ein fröhliches Muster aussieht, entspringt Kusamas tiefster existenzieller Erfahrung.

• Self-Obliteration: Die Punkte (Polka Dots) sind Kusamas Weg, die Grenzen zwischen dem Individuum und dem Universum aufzulösen. Alles verschmilzt zu einem großen Ganzen.
• Heilung durch Kunst: Ihre Halluzinationen aus der Kindheit, in denen sie sich von Mustern überwuchert sah, verarbeitet sie bis heute. Ihre Kunst hilft ihr, Depressionen und Ängste zu überwinden – eine „Lebenskraft“, wie sie selbst sagt.

Stationen eines bewegten Lebens

Die Ausstellung folgt Kusamas Weg aus dem patriarchalischen Nachkriegsjapan in das New York der Flower-Power-Zeit, wo sie mit provokanten Nackt-Happenings gegen den Vietnamkrieg protestierte. Nach ihrer Rückkehr nach Japan 1973 erweiterte sie ihr Schaffen um Literatur und Lyrik, bevor sie in ihren späten Jahren zu den farbenprächtigen Bilderzyklen fand, die heute die Welt begeistern.

Während der Ausstellung länger geöggnet

Aufgrund des zu erwartenden hohen Besucher*innenandrangs verlängert das Museum Ludwig für die Kusama-Ausstellung seine Öffnungszeiten.

An den Wochenenden von Freitag bis Sonntag ist die Ausstellung jeweils von 10 bis 20 Uhr geöffnet. Das gilt auch für das Osterwochenende von Karfreitag bis Ostersonntag (3. bis 5. April). Am Ostermontag schließt das Museum dann wieder um 18 Uhr. Am Freitag, 1. Mai und am Pfingstsonntag, 24. Mai wird die Kusama-Ausstellung ebenfalls bis 20 Uhr geöffnet sein. An Christi Himmelfahrt, 14. Mai und Fronleichnam, 4. Juni, schließt die Ausstellung um 18 Uhr.

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Die Schau vereint 14 künstlerische Positionen aus drei Jahrzehnten (1990er-Jahre bis 2024). In Schwarz-Weiß-Aufnahmen, großformatigen Farbserien und filmischen Arbeiten werfen Künstlerinnen und Künstler mehrerer Generationen einen unbestechlichen Blick auf das, was uns umgibt: den Raum, in dem wir leben, arbeiten und uns begegnen.

Köln im Fokus: Architektur und Alltag

Drei Fotografen setzen sich intensiv mit dem urbanen Gesicht Kölns auseinander:

• Boris Becker: Erhebt technische Konstruktionen und Alltagsbauten durch monumentale Farbaufnahmen zu Objekten von hoher ästhetischer Qualität.
• Frank Dömer: Sucht die Schönheit im Aufeinandertreffen von städtischer Ordnung und gewachsenem Chaos.
• Gerhard Winkler: Verleiht Alltagssituationen durch Handkolorierung eine fast traumhafte, transformative Note.
• Almourad Aldeeb: Taucht filmisch in das Marktgeschehen am Kölner Wilhelmplatz ein und macht den Puls der Stadt spürbar.

Industrie und Wunde: Das Erbe der Kohle

Für NRW bleibt die Industrie prägend – auch in ihrem Verschwinden oder ihrer Zerstörungskraft. Claudia Fährenkemper und Gregor Schneider dokumentieren den Braunkohletagebau. Während Fährenkemper die gigantischen Schaufelradbagger fast wie archaische Skulpturen in der Landschaft festhält, visualisiert Schneider die radikalen räumlichen Umwälzungen und die daraus resultierenden neuen, oft surrealen Landschaftsformen.

Das Porträt als Zeitgeschichte

Besonders eindringlich zeigt die Ausstellung, wie eng Identität mit dem privaten Raum verknüpft ist:

• Emine Ercihan: Porträtiert die erste Generation der sogenannten Gastarbeiter in ihren Wohnzimmern – ein stilles, aber kraftvolles Zeugnis bundesdeutscher Wirtschaftsgeschichte.
• Katharina Kemme: Fängt das soziale Gefüge eines Essener Wohnblocks über die Innenräume der Nachbarschaft ein.
• Melina Lehmacher: Begleitet junge Frauen an der Schwelle zum Berufsleben in ihrem persönlichen Umfeld.

Warum regional global ist

Obwohl die Orte in NRW verwurzelt sind, verweisen die Arbeiten auf universelle Themen: Migration, Strukturwandel und die Suche nach individueller Identität in einer massenmedialen Welt. Die Ausstellung macht deutlich, dass „Heimat“ kein statischer Begriff ist, sondern sich aus den Bedürfnissen der Menschen und den Hinterlassenschaften der Vergangenheit täglich neu formiert.

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Anlässlich des 250. Jahrestags der US-Unabhängigkeit im Jahr 2026 richtet das Museum Ludwig den Blick neu aus. Die Ausstellung HIER UND JETZT: De/Collecting Memories from Turtle Island konfrontiert historische Amerikabilder mit zeitgenössischen Positionen der indigenen Künstlerinnen Marie Watt und Wendy Red Star.

Das Kölner Museum Ludwig beherbergt die umfangreichste Pop-Art-Sammlung außerhalb der USA und ist traditionell eng mit der US-amerikanischen Kunstgeschichte verknüpft. Doch pünktlich zum Jubiläumsjahr der Vereinigten Staaten hinterfragt das Haus gängige Narrative der westlichen Geschichtsschreibung. Ab dem 7. Februar 2026 stehen nicht die Gründungsmythen der USA im Fokus, sondern „Turtle Island“ – eine in vielen indigenen Schöpfungsgeschichten verwurzelte Bezeichnung für den nordamerikanischen Kontinent.

Dekonstruktion des amerikanischen Mythos

Ausgangspunkt der Schau ist ein historisches Konvolut, das das Museum 2023 erwarb: Fotochrome der Detroit Publishing Company aus der Zeit um 1900. Diese millionenfach verbreiteten Farbbilder prägten das touristische Bild der USA nachhaltig. Sie zeigen ikonische Orte wie den Yellowstone Nationalpark oder den Grand Canyon als menschenleere, unberührte Naturräume.

Die Ausstellung De/Collecting Memories from Turtle Island entlarvt diese Leere als Konstruktion. Lange vor Ankunft der Europäer und der Staatsgründung vor 250 Jahren war das Land Heimat zahlreicher Nationen. Die Schau setzt dort an, wo die Postkartenmotive enden, und überschreibt die romantisierte „Entdeckung“ mit den verdrängten Perspektiven indigener Bevölkerungsgruppen.

Wendy Red Star: Satire gegen Stereotype

Die 1981 geborene Künstlerin Wendy Red Star nutzt fotografische Selbstinszenierungen, um westliche Vorstellungen von Indigenität humorvoll und satirisch zu brechen. In ihrer Arbeit hinterfragt sie kritisch das Label „Native Artist“, das in institutionellen Kontexten oft mehr als einschränkender Container denn als Beschreibung fungiert.

Red Star, die sich selbst als Apsáalooke verortet und deren Arbeit tief in der Geschichte ihres Volkes gründet, fordert mit ihren Werken dazu auf, den Blick für die Mechanismen der Kategorisierung zu schärfen und differenzierter hinzuschauen.

Marie Watt: Heilung, Klang und Interaktion

Marie Watt (geb. 1967, Mitglied der Seneca Nation) hat für das Museum Ludwig die raumgreifende Installation Thirteen Moons entwickelt. Die Arbeit besteht aus dreizehn hängenden Skulpturen aus Zinnschellen, die eine starke visuelle und auditive Präsenz entfalten. Im Gegensatz zur klassischen musealen Distanz ist hier Berührung erwünscht: Besucher können die Schellen in Bewegung versetzen und einen Klangraum erzeugen.

Die Installation referenziert den „Jingle-Dress-Tanz“ der Ojibwe, der um 1900 während der Grippepandemie als Heilungsritual entstand. Historisch ist der Tanz auch ein Akt des Widerstands, da er trotz des Verbots traditioneller Versammlungen durch die US-Regierung (1883–1978) praktiziert und weitergegeben wurde. Für die Performance arbeitet Watt mit der Jingle-Dress-Tänzerin Acosia Red Elk (Umatilla) zusammen.

HIER UND JETZT: Institutionelle Selbstkritik

De/Collecting Memories from Turtle Island ist die elfte Ausgabe der Reihe HIER UND JETZT. Mit diesem Format unterzieht das Museum Ludwig die eigene Arbeit und Sammlungspraxis regelmäßig einer kritischen Prüfung. Die aktuelle Ausstellung wird durch die Fördergruppe HIER UND JETZT der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig e. V. substanziell unterstützt.

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Sie sind Ikonen der Nachkriegs-Avantgarde – doch ihre tiefen, oft romantischen Bindungen blieben lange im Verborgenen. Das Museum Ludwig in Köln lüftet das Geheimnis um das einflussreichste Künstlernetzwerk des 20. Jahrhunderts.

John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Cy Twombly: Jeder dieser Namen markiert eine Revolution in seinem Fachgebiet. Doch die aktuelle Ausstellung „Fünf Freunde“ im Museum Ludwig geht über die individuelle Genialität hinaus und erzählt die Geschichte einer beispiellosen künstlerischen, freundschaftlichen und romantischen Allianz, die die Grenzen zwischen Musik, Tanz und Bildender Kunst auflöste.

Video-Einblicke in die Geburtsstunde der Avantgarde

In unserem Video zur Ausstellung erfahren Sie, wie diese enge Gemeinschaft die Kunst der Nachkriegszeit in Amerika und Europa grundlegend prägte. Die Schau konzentriert sich dabei auf die starken gegenseitigen Einflüsse, die bisher von der offiziellen Kunstgeschichte weitgehend übersehen wurden.

Mehr als nur Kollegen

Das Netzwerk umfasste:

• John Cage (Komponist)
• Merce Cunningham (Choreograf)
• Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Cy Twombly (Bildende Künstler)

Ihre gegenseitige Förderung und ihre persönlichen Beziehungen, darunter die Partnerschaften zwischen Cage/Cunningham und Johns/Rauschenberg, waren die kreativen Triebfedern für bahnbrechende Werke. Die Ausstellung stellt diese Interaktionen in den Vordergrund und beleuchtet, wie Freundschaft und Liebe zu einem Motor für die künstlerische Neudefinition wurden.

Die Ausstellung läuft noch bis ins neue Jahr hinein:

• Titel: Fünf Freunde. John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly
• Ort: Museum Ludwig, Köln
• Laufzeit: 03.10.2025 – 11.01.2026

Produktion: artbeats

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ROAD RUNNER – Realität trifft digitale Bedrohung

In ihrer Videoarbeit erzählt Sahin die Geschichte des kurdischen Mädchens Bêrîtan, das ihre Schwester aus einer digitalen Gefangenschaft befreien will. Um ihr Ziel zu erreichen, muss Bêrîtan sich sowohl in der filmischen Welt als auch in virtuellen Realitäten den Gefahren stellen. Realität und digitale Räume verschmelzen, sodass sich die Frage stellt: Wo endet das Eine und wo beginnt das Andere?

Mit Anleihen aus Popkultur, Social Media und Videospielen entwickelt Sahin ein dystopisches Szenario voller Unsichtbarer Autorität, Bedrohung und Flucht. Rasant wechselnde Perspektiven, schrille Designs, schnelle Schnittfolgen und ein intensiver Sound erzeugen eine unmittelbare, mitreißende Erfahrung. Die Ich-Perspektive und narrative Elemente aus Film, Werbung und Animation verstärken die Spannung und Intensität des Geschehens.

Die Künstlerin: Cemile Sahin

Geboren 1990 in Wiesbaden, lebt und arbeitet Cemile Sahin in Berlin. Ihr Werk vereint Film, Fotografie, Skulptur, Literatur und Collage und hinterfragt kritisch die Instrumentalisierung von Medien sowie die Rolle unterschiedlicher Perspektiven.

• Studium: Central Saint Martins College of Art and Design, London (bis 2011)
• Master: Universität der Künste Berlin, 2018
• Literarische Veröffentlichungen: Debütroman TAXI (2019, Alfred Döblin-Medaille), ALLE HUNDE STERBEN (2020), KOMMANDO AJAX (2024, nominiert für den Preis der Leipziger Buchmesse 2025)

Sahins Werke sind u. a. in den Sammlungen des Kunstmuseums Stuttgart, des Kunsthauses Zürich, des Castello di Rivoli und der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland vertreten.

Hintergrund: Junger Ankauf

Die Initiative Junger Ankauf wurde 2005 ins Leben gerufen. Junge Mitglieder der Gesellschaft für Moderne Kunst diskutieren gemeinsam mit Dr. Yilmaz Dziewior (Direktor) und Dr. Barbara Engelbach (Kuratorin für Zeitgenössische Kunst, Fotografie und Medienkunst) Positionen von Künstler:innen unter 40 Jahren. Anschließend wird in einem demokratischen Prozess über einen Neuerwerb für die Sammlung entschieden.

ROAD RUNNER wurde mit Unterstützung des CIRCA PRIZE 2023 realisiert und wird auf der Art Cologne dank der Galerie Esther Schipper und einem Sponsoring der Grisebach GmbH präsentiert. Die kontinuierliche Unterstützung durch Zilkens Fine Art Insurance Broker GmbH ermöglicht erneut die Präsentation des Jungen Ankaufs.

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Die Präsentation „Smile! Wie das Lächeln in die Fotografie kam“ untersucht die Entwicklung unserer „Fotografiergesichter“ vom 19. bis ins 21. Jahrhundert. Sie vereint anonyme Porträts und künstlerische Arbeiten zu einer kulturhistorischen Geschichte des Lächelns – zwischen gesellschaftlicher Konvention, technischer Entwicklung und ästhetischer Mode.

Ob gelächelt wird oder nicht, ob Zähne gezeigt werden oder nicht – all das war und ist abhängig von sozialen Normen, Klasse, Geschlecht und Kontext. Im 19. Jahrhundert galt Gefühlsausdruck auf Porträts als unangebracht; Ernsthaftigkeit war Zeichen von Würde und Bildung. Erst mit dem Stummfilm und der Werbefotografie hielt das Lächeln Einzug ins Bild – als Ausdruck von Emotion, Lebensfreude und Konsumversprechen.

Eine 2015 erschienene Untersuchung von US-amerikanischen Jahrbuchfotos zeigt: Seit Beginn des 20. Jahrhunderts wird immer häufiger gelächelt – Frauen mehr als Männer. Zugleich bleibt das „Photographiergesicht“, von dem Siegfried Kracauer schon 1927 schrieb, ein Spiegel gesellschaftlicher Inszenierung. Zwischen Nähe und Distanz, Natürlichkeit und Pose zeigt die Ausstellung: Das Lächeln hat eine Geschichte – und sie ist noch längst nicht zu Ende.

Kuratorinnen: Miriam Szwast mit Brit Meyer

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Ab 11. Oktober 2025 öffnet das Museum nach umfassender Sanierung wieder – mit neuer Hängung, erweiterten Vermittlungsflächen und neuem Namen

Nach fast drei Jahren der Sanierung ist es soweit: Das Käthe Kollwitz Museum Köln öffnet am 11. Oktober 2025 seine Pforten wieder. Anlass ist nicht nur die bauliche Erneuerung, sondern auch ein doppeltes Jubiläum: 80. Todestag der Ausnahmekünstlerin Käthe Kollwitz (1867–1945) und das 40-jährige Bestehen des Hauses.

Im Zentrum der Wiedereröffnung steht die Ausstellung „KOLLWITZ NEU SEHEN“, die ikonische Werke aus der weltweit renommierten Sammlung in einem frischen kuratorischen Konzept zeigt. Besucherinnen und Besucher können sich auf eine sorgfältig ausgewählte Präsentation von Zeichnungen, Druckgrafiken und Plastiken freuen – ergänzt durch neu erworbene Arbeiten, die den Blick auf das Werk Kollwitz’ erweitern und vertiefen.

Zeitlose Themen, neue Perspektiven

Die Ausstellung beleuchtet zentrale Themen des Kollwitz’schen Schaffens, die heute aktueller denn je erscheinen: soziale Gerechtigkeit, politische Umbrüche, Geschlechterverhältnisse und weibliche Lebensrealitäten. Besonderer Fokus liegt auf der weiblichen Perspektive der Künstlerin – zwischen Mutterschaft, Verlust, Trauer, aber auch Hoffnung, Widerstand und Solidarität.

Ein neues Zuhause für die Kunst

Mit der Wiedereröffnung bekommt das Museum auch eine neue Adresse: Aus der bisherigen „Neumarkt Passage“ wird das „Kollwitz Forum“ – ein deutliches Zeichen für die kulturelle Strahlkraft der Namensgeberin. Zusätzlich wurden die Räume für Kunstvermittlung und Bildung deutlich erweitert, um Besucher*innen aller Altersgruppen einen tieferen Zugang zum Werk von Käthe Kollwitz zu ermöglichen.

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