Die Entstehung neuer Identitäten 1869–1939

Wann begannen wir, uns über unsere Identität zu definieren? Das Kunstmuseum Basel wagt mit der Sonderausstellung „The First Homosexuals“ eine Zeitreise zu den Wurzeln des queeren Selbstverständnisses. Anhand von rund 80 Exponaten zeigt die Schau, wie Künstler:innen zwischen 1869 und 1939 Bilder für ein Verlangen fanden, das damals gerade erst einen Namen bekam.

Das Jahr 1869 markiert einen Wendepunkt: In diesem Jahr tauchte der Begriff „homosexuell“ erstmals in einem öffentlichen Flugblatt auf. Die Ausstellung beleuchtet die darauffolgenden sieben Jahrzehnte, in denen sich neue Identitäten zwischen Emanzipation, Codierung und gesellschaftlichem Umbruch formten.

Mehr unter: kunstmuseumbasel.ch

Der Beitrag Mit Comedian Milan Milanski in der Ausstellung “The First Homosexuals” im Kunstmuseum Basel erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Rund 80 Fotografien und Collagen zeigen den Alltag von Menschen mit und ohne Migrationsgeschichte in der Bundesrepublik – sie erzählen von sozialer Ungleichheit, Sexismus, Rassismus und dem Leben im Exil. Die Ausstellung eröffnet damit einen neuen Blick auf Themen, die in der gegenwärtigen gesellschaftspolitischen Debatte aktueller sind denn je.

Im Geiste der Arbeiterfotografie-Bewegung, die sich dem Kampf gegen soziale Ungleichheit verschrieben hatte, greifen die vier Amateurfotograf*innen selbst zur Kamera, um ihr Umfeld sichtbar zu machen und Teil der öffentlichen Diskussion zu werden.

Die Fotograf*innen

Muhlis Kenter

(1952, Istanbul, Türkei)

Der in Bremen lebende Fotograf richtet seinen Blick auf Arbeit und Alltag in Deutschland. In eindringlichen Schwarzweißporträts dokumentiert Kenter türkische Arbeiter*innen in Bergwerken, Metall- und Textilfabriken, begleitet Bildungsprojekte für Kinder und Jugendliche und beleuchtet zugleich das deutsche Alltagsleben – vom Angeln über Taubenzucht bis zum Gärtnern. Seine Fotografien verbinden dokumentarische Schärfe mit empathischem Interesse für das Dazwischen: zwischen Fremdsein und Ankommen, zwischen Beobachtung und Teilhabe.

Nuri Musluoğlu

(1951, Istanbul, Türkei)

Musluoğlus Werk konzentriert sich auf das öffentliche Leben: Demonstrationen, Friedensmärsche, Streiks und politische Proteste, vor allem in Heilbronn, wo er lebte. Zwischen 1975 und 1988 entsteht ein visuelles Archiv des deutsch-türkischen Zusammenlebens. Seine Fotografien spiegeln die politische Kultur der 1970er- und 1980er-Jahre – von der Friedens- und Anti-AKW-Bewegung bis zum Widerstand gegen die Militärdiktatur in der Türkei – und dokumentieren zugleich die Realität von Rassismus und Ausgrenzung in Deutschland.

Asimina Paradissa

(1945, Vrastama, Griechenland)

Paradissa gehört zu den wenigen migrantischen Frauen, die in den 1960er-Jahren hinter der Kamera standen. Seit 1968 fotografiert sie ihr Leben in Deutschland – das Wohnheim für unverheiratete Arbeiterinnen in Wilhelmshaven, die Arbeit in der Fabrik, den Alltag zwischen Fremde und Selbstbehauptung. In ihren Selbstporträts verhandelt sie Fragen nach Identität und Zugehörigkeit. Ihre Fotografien geben migrantischen Frauen Gesichter, Namen und Stimmen und schreiben ihre Perspektive in die Geschichte der Arbeitsmigration ein.

Mehmet Ünal

(1951, Çanakkale, Türkei)

Ünals Werk verbindet Fotografie, Text und Objekt zu kraftvollen Collagen. Seine Arbeiten entstehen häufig aus dem Kontext politischer Aktionen und Proteste und beziehen Fundstücke aus Ämtern oder Behörden mit ein. Sie kommentieren die bürokratischen und gesellschaftlichen Erfahrungen von Migrant*innen in der Bundesrepublik und machen Mechanismen von Ausschluss und Marginalisierung sichtbar. In ihrer Komplexität und Prägnanz stehen Ünals Arbeiten an der Schnittstelle von Fotografie, Konzeptkunst und politischer Praxis.

Ein fotografisches Gedächtnis der Migration

Mit der Aufnahme dieser Werke in die Sammlung würdigt das MK&G vier künstlerische Positionen, die über Jahrzehnte unsichtbar blieben. Ihre Arbeiten erweitern die Geschichte der deutschen Fotografie um ein Kapitel, das Migration, Arbeit, Identität und Widerstand aus der Perspektive der Betroffenen selbst erzählt.

Mehr unter: mkg-hamburg.de

Der Beitrag “Früher hießen wir Gastarbeiter.” 31. Oktober 2025 – 17. Mai 2026 im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Springer macht vergessene Künstlerinnen wie Barbara und Margaretha Dietzsch oder Rachel Ruysch sichtbar und setzt diese in Beziehung zu Selbstinszenierungen moderner Ikonen wie Madonna, Mariah Carey oder zeitgenössischen Künstlerinnen auf Instagram.

Ihre Arbeiten verbinden kunsthistorische Zitate mit aktuellen Fragen nach Sichtbarkeit, Identität und Repräsentation. Sie bringen Unbequemes ans Licht, hinterfragen Sehgewohnheiten und machen deutlich, welche blinden Flecken in der Kunstgeschichtsschreibung bis heute fortwirken.

Neben Malerei auf Leinwand greift Springer zunehmend auch zu textilen Medien wie Garn und Wolle – Materialien, die ihre gesellschaftskritischen Positionen in einen alltagsnahen Kontext übertragen. Ergänzend präsentiert die Ausstellung sechs Papierarbeiten von Barbara Regina Dietzsch aus der Sammlung der Kunsthalle Bremen.

„Ferne Spiegel“ ist so zugleich ein Blick in die Vergangenheit und ein Kommentar zur Gegenwart – ein vielschichtiger Spiegel weiblicher Selbst- und Fremdbilder in der Kunst.

Eine Ausstellung des Förderkreises für Gegenwartskunst im Kunstverein Bremen.
Begleittexte in Deutsch und Englisch.

Mehr unter: www.kunsthalle-bremen.de

Der Beitrag Sibylle Springer. Ferne Spiegel. 30. August 2025 – 11. Januar 2026 in der Kunsthalle Bremen erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Maria Hahnenkamp zählt zu den wichtigsten Stimmen der österreichischen Gegenwartskunst. Seit den späten 1980er-Jahren arbeitet sie medienübergreifend mit, durch und gegen das fotografische Bild. Ihre Werke setzen sich kritisch mit Repräsentationsmechanismen auseinander und verbinden medienreflexive Strenge mit einem durchgängigen feministischen Impuls.

In diesem Jahr widmet das Belvedere 21 Hahnenkamp ihre erste große institutionelle Personale. Rund 100 Arbeiten – Fotografien, bearbeitetes Fotopapier, Diaprojektionen, Videos, raumgreifende Installationen und architektonische Interventionen – entfalten ein Spannungsfeld zwischen Sichtbarkeit und Leerstelle, Ornament und Struktur, Handwerk und Konzept. Zentrale Themen wie Raum und Leere erfahren in der von Walter Kräutler entworfenen Architektur des Belvedere 21 eine besondere Resonanz.

Die Ausstellung zeigt, wie konsequent Hahnenkamp mit visuellen Normen bricht und das Medium Fotografie in seiner Materialität und Ideologie gleichermaßen dekonstruiert.

Begleitend erscheint ein zweisprachiger Katalog (Deutsch/Englisch) bei Walther König, gestaltet von Martha Stutteregger, mit Texten von Clara Bouveresse, Rainer Fuchs, Ruth Horak, Christin Müller und Stefanie Reisinger.

Kuratorin: Stefanie Reisinger
Assistenzkuratorin: Ana Petrović

Mehr unter: belvedere.at

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