In einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche und politischer Spannungen entwickelte sich um 1925 eine neue künstlerische Haltung: Der Neue Realismus. Die aktuelle Ausstellung „Sachlich – Kritisch – Magisch. Der neue Realismus um 1925“ zeigt Werke aus der renommierten Sammlung Frank Brabant und beleuchtet eine Epoche, in der Kunst zur unbestechlichen Chronistin der Zeit wurde.

„Brutalität! Klarheit, die wehtut – fang die rasende Zeit ein“, forderte der politische Künstler George Grosz. Diese Aufforderung spiegelt die Atmosphäre der Weimarer Republik wider: eine Gesellschaft zwischen Hyperinflation, Identitätskrise und kulturellem Aufbruch. Die Kunst dieser Jahre war keine Flucht vor der Realität, sondern eine präzise, oft gnadenlose Auseinandersetzung mit ihr.

Kunst zwischen Krisen und Klarheit

Ein einheitlicher Stil fehlte – stattdessen herrschte eine explosive Vielfalt. Was viele Werke dennoch verband, war ihre Orientierung an der Wirklichkeit: Detailtreue, klarer Bildaufbau, zeichnerische Strenge und Techniken, die an die alten Meister erinnerten. Die Künstlerinnen und Künstler dieser Zeit – darunter Georg Scholz, Hanna Nagel, Carlo Mense und Karl Hubbuch – nutzten ihre Kunst als Spiegel der Gesellschaft.

Die Spannweite ihrer Themen reichte von sozialer Ungleichheit und politischer Radikalisierung bis hin zu Fragen von Geschlechterrollen und Sexualität. Ob die moderne Frau mit Bubikopf, die brutale Darstellung eines Sexualverbrechens oder der magisch inszenierte Blumenstrauß – immer stand der unverstellte Blick auf das Menschliche im Zentrum.

Eine Epoche im Ausnahmezustand

Die 1920er Jahre waren geprägt von wirtschaftlicher Not, politischer Unsicherheit und kultureller Hochspannung. Der Versailler Vertrag, die Dolchstoßlegende und die Angst vor dem Bolschewismus prägten ein kollektives Krisenbewusstsein. In dieser Atmosphäre entstand eine Kunst, die nicht versöhnte, sondern aufrüttelte – und deren kritische Kraft bis heute nachhallt.

Mit „Sachlich – Kritisch – Magisch“ öffnet sich ein Fenster in eine kurze, aber bedeutende Phase der Moderne, deren Kunst trotz – oder gerade wegen – ihrer historischen Dringlichkeit bis heute Relevanz besitzt.

Produktion www.zumblum.deees

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Die Ausstellung “Menschheitsdämmerung. Kunst in Umbruchzeiten” (19.Oktober 2023 – 18. Februar 2024) zeigt Kunstwerke aus den ersten beiden Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts, die aus der Sammlung der Klassischen Moderne des Kunstmuseums Bonn stammen, im Dialog mit zeitgenössischen künstlerischen Positionen. Gemeinsam ist den Arbeiten aus beiden Epochen, dass ihr Entstehen in eine Zeit großer gesellschaftlicher, politischer und sozialer Krisen fiel und fällt – und dass diese Erfahrung in den Werken reflektiert und dargestellt wird: damals die Veränderung des Lebens durch die Folgen der industriellen Revolution, heute die aktuelle Transformation unseres gesellschaftlichen Miteinanders durch das Erleben des Klimawandels und der Erschöpfung der Ressourcen unserer Welt. Kriege und gewaltsame Konflikte, die unsere Existenz bedrohen, sowie Fragen nach Identität und Selbstbestimmung prägen sowohl den Beginn des 20. als auch des 21. Jahrhunderts.

Der Titel der Ausstellung Menschheitsdämmerung ist der gleichnamigen Gedichtsammlung von Kurt Pinthus aus dem Jahr 1919 entlehnt, die die expressionistische Lyrik des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts in vier Kapiteln zusammenfasst: „Sturz und Schrei“, „Erweckung des Herzens“, „Aufruf und Empörung“, „Liebe den Menschen“. Der Ausstellungsrundgang folgt in assoziativer Art und Weise diesen thematischen Ausrichtungen. Kunst wird hierbei als ein Mittel der Befragung der Welt verstanden, das neue Impulse für das Denken anstößt und damit auch gesellschaftlich agiert. Die Ausstellung zeigt die Krise, den gesellschaftlichen Umbruch im Blick der Kunst. Diese hinterfragt nicht nur Strukturen und bricht diese auf, sondern schafft auch neue Perspektiven und Handlungsmöglichkeiten. Die Kunstwerke aus den beiden Jahrhunderten werden aufeinander bezogen oder zueinander in Kontrast gesetzt. So entsteht ein Netz von Bezügen und Verweisen, aber auch Unterschiede und Gegensätze werden sichtbar gemacht.

Teilnehmende Künstler:innen:

Nevin Aladağ, Francis Alÿs, Kader Attia, Yael Bartana, Rebekka Benzenberg, Monica Bonvicini, Andrea Bowers, Heinrich Campendonk, Louisa Clement, Max Ernst, Georg Herold, Franz M. Jansen, Alexej von Jawlensky, Käthe Kollwitz, Wilhelm Lehmbruck, Max Liebermann, August Macke, Helmuth Macke, Goshka Macuga, Marie von Malachowski-Nauen, Carlo Mense, Zanele Muholi, Heinrich Nauen, Grace Ndiritu, Anys Reimann, Deborah Roberts, Daniel Scislowski, Paul Adolf Seehaus, Tschabalala Self, Monika Sosnowska, William Straube, Emma Talbot, Hans Thuar, Lawrence Weiner

Mehr unter: www.kunstmuseum-bonn.de

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