Die achte Ausgabe von „Made in Düsseldorf” fragt, was Bilder eigentlich zeigen – und entlarvt Fotografie, Film und Skulptur als Konstruktionen unserer Wahrnehmung.

Ein Bild ist kein Abbild der Wirklichkeit

Was sehen wir, wenn wir ein Foto betrachten? Und was glauben wir zu sehen? „Made in Düsseldorf #8 – In Szene gesetzt” stellt diese Fragen ins Zentrum einer Ausstellung, die vom 21. August bis zum 27. September 2026 im Kunstpalast Düsseldorf zu erleben ist. Gezeigt werden Werke aus der Kunstsammlung der Stadtsparkasse Düsseldorf, die das Spannungsfeld zwischen Wirklichkeit und menschlicher Wahrnehmung auf je eigene Weise erkunden.

Fotografie als Konstruktion, nicht als Dokument

Die beteiligten Künstlerinnen und Künstler machen deutlich: Fotografie und Bewegtbilder sind längst keine neutralen Dokumentationsmittel mehr – wenn sie das jemals waren. Ein Bild kann Konstruktion sein, chemischer oder digitaler Prozess, räumliche Behauptung oder sprachliches Fragment. Mittels Fotografie, Film, Ton und Skulptur hinterfragen die Werke, was es überhaupt bedeutet, Realität abzubilden. Die Medien selbst werden dabei zum eigentlichen Thema.

Potenziale, Limitationen, Übersetzungsleistungen

Die Ausstellung offenbart mit verschiedenen künstlerischen Strategien, was Medien können – und was ihnen unweigerlich entgleitet. Zwischen (De-)Konstruktion und Neuerfindung der Wirklichkeit entstehen Perspektiven, die den gewohnten Blick auf Bilder verschieben und die Frage nach dem Verhältnis von Wahrnehmung und Realität neu stellen.

Die beteiligten Künstlerinnen und Künstler

Vertreten sind Jan Dibbets, Simon Dybbroe Møller, Andreas Gefeller, Gudrun Kemsa, Sophie Meuresch, Steven Pippin, Barbara Probst, Amanda Ross-Ho und Juergen Staack – ein vielstimmiges Ensemble, das die Bandbreite zeitgenössischer Auseinandersetzung mit Bild und Wirklichkeit abbildet.

Mehr unter: www.kunstpalast.de

Der Beitrag Was ist wirklich? „In Szene gesetzt” im Kunstpalast Düsseldorf erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Dr. Harriet Zilch, Kuratorin der Ausstellung von Barbara Probst in der Kunsthalle Nürnberg, stellt einige Werke der Künstlerin vor.

lle Exposures der 1964 in München geborenen und in New York lebenden Fotografin verbindet ihr spezifischer Entstehungsprozess: Die aus bis zu vierzehn Einzelbildern bestehenden Bildreihen erfassen einen Moment simultan aus verschiedenen Kamerapositionen, die durch einen über Funkwellen gesteuerten Auslösemechanismus miteinander verbunden sind. Diese multiperspektivische Sichtweise auf ein und dieselbe Situation ermöglicht es, diese ohne eine Veränderung des Standortes gleichzeitig aus verschiedenen Perspektiven zu sehen: ein visuelles Paradoxon, das grundlegende Wahrnehmungsparameter konterkariert. Denn der Mensch kann niemals dieselbe Szene im gleichen Augenblick aus unterschiedlichen Perspektiven betrachten.

Mehr unter: www.kunstkulturquartier.de

Der Beitrag “Barbara Probst. Streets, Fashion, Nudes, Still Lifes” in der Kunsthalle Nürnberg erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Kuratorin Dr. Harriet Zilch spricht mit der Künstlerin Barbara Probst über ihre Fotografien. Der Dialog entstand anlässlich der Ausstellung “Barbara Probst. Streets, Fashion, Nudes, Still Lifes” in der Kunsthalle Nürnberg und im Studio der Künstlerin in New York.

Weitere Informationen: Kunsthalle Nürnberg

Der Beitrag Harriet Zilch im Gespräch mit Barbara Probst Nürnberg New York 2021 erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Der Fokus der Ausstellung »Nullpunkt der Orientierung. Fotografie als Verortung im Raum« liegt auf Arbeiten, in denen die Erfahrung von Dreidimensionalität eine zentrale Rolle spielt. Es werden Werke gezeigt, in denen eben diese Erfahrung durch einen plastischen Umgang mit dem Fotomaterial entsteht. Ebenso sind Arbeiten zu sehen, die mit den räumlichen Wahrnehmungen des Betrachters spielen – in Zeiten eines alltäglichen Umgangs mit Bildschirmen ein Thema, das uns zunehmend beschäftigen wird.

Mit Arbeiten von Alexandra Baumgartner, Miriam Böhm, Jose Dávila, Jan Paul Evers, Christiane Feser, Alex Hartley, Raphael Hefti, Gottfried Jäger, Louise Lawler, Lilly Lulay, Barbara Probst, Georges Rousse, Stefanie Seufert, Shirana Shahbazi, Lorna Simpson, Susa Templin, James Welling, Bruno Zhu

Mehr unter www.kunststiftungdzbank.de

Der Beitrag Christiane Feser “Nullpunkt der Orientierung” Künstlergespräch erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Der Fokus der Ausstellung »Nullpunkt der Orientierung. Fotografie als Verortung im Raum« liegt auf Arbeiten, in denen die Erfahrung von Dreidimensionalität eine zentrale Rolle spielt. Es werden Werke gezeigt, in denen eben diese Erfahrung durch einen plastischen Umgang mit dem Fotomaterial entsteht. Ebenso sind Arbeiten zu sehen, die mit den räumlichen Wahrnehmungen des Betrachters spielen – in Zeiten eines alltäglichen Umgangs mit Bildschirmen ein Thema, das uns zunehmend beschäftigen wird.

Mit Arbeiten von Alexandra Baumgartner, Miriam Böhm, Jose Dávila, Jan Paul Evers, Christiane Feser, Alex Hartley, Raphael Hefti, Gottfried Jäger, Louise Lawler, Lilly Lulay, Barbara Probst, Georges Rousse, Stefanie Seufert, Shirana Shahbazi, Lorna Simpson, Susa Templin, James Welling, Bruno Zhu

Mehr unter www.kunststiftungdzbank.de

Der Beitrag Raphael Hefti “Nullpunkt der Orientierung” Künstlergespräch erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Der eigens für die Ausstellung entwickelte Architekturparcours ermöglicht in 14 Kapiteln neben zahlreichen mentalen Rotationen auch räumlich-körperliche Erfahrungen des Loops. Der Bogen der Schau spannt sich vom „Ouroboros“-Oktogon – einer Schatzkammer der Kulturgeschichte – über den „Zen“-Saal bis hin zur quadratisch verspiegelten „Music Hall“. Anthropologisch orientierte Ausstellungskapitel wie „Eros in der Endlosschleife“, „Die Verdauung der Welt“, „Politik: Zwischen Themenkarussell und Teufelskreis“ oder „Architektur ohne Ende“ weiten sich immer aufs Neue zu Kino-, Installations- und Selbsterfahrungsräumen: Großzügige Black Boxes mit Videoloops von Salla Tykkä, Rodney Graham oder Omer Fast treffen auf immersive Rauminstallationen von Douglas Gordon, Ragnar Kjartansson oder Bruce Nauman. Geradezu kontrapunktisch können wir Yayoi Kusamas trancehafte Lichtunendlichkeit auf vier mal vier Metern und Gregor Schneiders ultimativen Raumloop „Bad“ auf mehr als 500 Quadratmetern erleben.

Die selten fokussierte Endlosschleife des Glücks im archetypischen Märchen – „… and they lived happily ever after“ (Nedko Solakov) – trifft im „Loopodrom“ des Kunstmuseums auf die „Zirkelschlüsse und Lesemaschinen“ der Literatur, für die James Joyce, Raymond Roussel und Gertrude Stein, aber auch Johann Wolfgang von Goethe, Georg Büchner und Julio Cortázar Pate stehen. Das Kapitel „Wundermaschine Film“ thematisiert den multimedialen Einsatz des Loops vom ersten Kuss der Filmgeschichte 1896 über Marcel Duchamps hypnotisches „Anémic Cinéma“, entstanden 1925, bis hin zu Thomas Bayrles Film „Loop“ von 2008. „Mensch und Maschine im Kreisverkehr“ vereint Frank B. Gilbreths frühe Arbeitseffizienz-Untersuchungen mit der Samuel Beckett nahen Ineffizienz-Absurdität von Juan Muñoz’ „Living in a Shoe Box“. „Der Künstler im Loop“ bündelt in sich kreisende Selbstreflexionen von Akteuren der Moderne wie Gegenwart. Während Markus Raetz sein von Endlosschleifen durchzogenes Lebenswerk konzentriert verräumlicht, ist dank Max Grau ein fulminanter filmmusikalischer Metaloop zu erleben: Die audiovisuelle Endlosschleife kommentiert sich selbst.

Am Ende der Schau schließt sich ein letztes Mal ein Kreis im Kreis im Kreis … Sandra Filics Sound- und Plattenspielerinstallation „Loop“ lässt immerfort das Knistern, Rauschen und Knacken der Auslaufrille einer Schallplatte hören – medienhistorische Nostalgie und zugleich Leerlauf in Permanenz und Reinkultur: Die Endlosigkeit der letzten Schallplattenrille ist nur ein kleines Signal und doch zugleich das große Finale, wo Form und Inhalt in eins fallen.

Mehr unter www.kunstmuseum-wolfsburg.de

Der Beitrag Never Ending Stories. Der Loop in Kunst, Film, Architektur, Musik, Literatur und Kulturgeschichte erschien zuerst auf museumsfernsehen.