Künstlerische Intervention im kolonialen Archiv

Das Museum Rietberg in Zürich präsentiert die Ausstellung „Falsches Paradies“ (original: Facing a Paradise). Im Zentrum der Schau steht die kritische Auseinandersetzung mit historischen Fotografien aus der Kolonialzeit. Zwanzig zeitgenössische Kunstschaffende wurden eingeladen, mit den Archivbeständen zu arbeiten. Ziel des Projekts ist es, die oft einseitigen, stereotypen Bildwelten der Kolonialgeschichte konfrontativ zu hinterfragen und gleichzeitig einen fürsorglichen Umgang mit den abgebildeten Personen zu etablieren.

Empowerment und historische Fiktion

Die beteiligten Künstlerinnen und Künstler nutzen unterschiedliche Ansätze, um die Dokumente aus ihrer rein bürokratischen oder kolonialen Funktion zu lösen. In den Statements wird betont, dass offizielle Archivdokumente die Identität der Betroffenen nicht definieren können; die historischen Aufnahmen müssen daher aktiv herausgefordert werden. Durch die künstlerische Bearbeitung sollen die dargestellten Figuren gestärkt, ihre Menschlichkeit sichtbar gemacht und ein Raum der Hoffnung und Schönheit abseits von Retraumatisierungen geschaffen werden.

Kuration gegen die Leerstellen der Geschichte

Die Kunst agiert in diesem Kontext als Narrativ, um die dokumentarischen Leerstellen der offiziellen Geschichtsschreibung zu füllen. Dabei bewegen sich die Arbeiten in einem bewussten Spannungsverhältnis zwischen historischer Realität und historischer Fiktion (fabulation historique), um alternative Sichtweisen auf die bestehenden Erzählungen zu eröffnen.

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Vergessen Sie die Klischees von den “wilden Horden” und einsamen Nomaden: Die neue Ausstellung im Museum Rietberg in Zürich präsentiert basierend auf bahnbrechender Archäologie ein überraschendes, 2000-jähriges Bild der Mongolei als Zentrum hochentwickelter urbaner Kulturen.

Für die meisten ist die Mongolei gleichbedeutend mit endloser Steppe und nomadischer Tradition. Die Schau „Mongolei – Eine Reise durch die Zeit“ widerlegt diese Sichtweise radikal: 200 einzigartige Objekte, die grösstenteils erstmals ausserhalb des Landes zu sehen sind, beleuchten eine 2000-jährige Geschichte von Urbanisierung, weltweitem Handel und kulturellem Austausch.

Von der Megacity in die Antike

Die faszinierende Zeitreise beginnt im Hier und Jetzt: der Megacity Ulaanbaatar. Umgeben von raumhohen Projektionen tauchen Besuchende in das zentrale Spannungsfeld der heutigen mongolischen Identität ein – der Dynamik zwischen quirligem Stadtleben und der tief verwurzelten nomadischen Tradition.

Sehen Sie in unserem Video-Feature, wie zeitgenössische Künstler*innen wie Nomin Zezegmaa oder Erdenebayar Monkhor dieses Spannungsfeld in ihren Werken thematisieren und damit einen Dialog zwischen Gegenwart und Vergangenheit aufbauen.

Vergessene Weltmächte und Metropolen

Die Ausstellung enthüllt die Bedeutung der Mongolei als Standort großer Stadtsiedlungen, die bereits zwischen dem 2. und 14. Jahrhundert florierten:

• Karakorum (13. Jh.): Hauptstadt des von Dschingis Khan begründeten, grössten Reiches der Geschichte, das durch ausgeklügelte Organisation und Verwaltung glänzte.
• Karabalgasun (8. Jh.): Die uigurische Metropole, die sich über 40 km² erstreckte und polyglotte Bewohner aus Zentralasien bis zum Mittelmeer vereinte.
• Die Xiongnu (1. Jh.): Die Reise endet bei den Xiongnu, die bereits die Traditionen (Pferd, Kompositbogen) begründeten, die für die späteren Reiche bestimmend wurden.

Die kostbaren Fundstücke zeugen von dem Reichtum und der herausragenden Bedeutung der Mongolei für den kulturellen Austausch der Weltgeschichte.

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Im Jahr 2012 wurde „Gangnam Style“ von PSY zum viralen Video und erreichte als erstes Musikvideo 1 Milliarde Aufrufe auf YouTube. Das Musikvideo gewann mit seiner eingängigen Melodie und den von Lee Ju-Sun choreografierten Reitmoves renommierte Preise und internationale Fans. Das adrenalingeladene Video hatte eine weitreichende Wirkung und inspirierte Parodien von gesellschaftlichen Gruppen in verschiedenen geografischen Regionen und Kulturkreisen, von Politikern bis hin zu Umweltaktivisten.

Obwohl er als flüchtiger Hype abgetan wurde, setzte PSY Südkorea endgültig auf die globale Landkarte der Mainstream-Popmusik und wurde zum Aushängeschild des „Hallyu“ in der ganzen Welt.

Und jetzt… konnte es das Team des Museum Rietberg nicht erwarten, auf der Welle mitzureiten! Inspiriert von dem globalen Phänomen haben wir uns dem Trend mit viel Lachen, Energie und Kreativität angeschlossen – und präsentieren stolz unsere ganz eigene Version des legendären Gangnam Style Tanzes.

Die Ausstellung “Hallyu! The Korean Wave” im Museum Rietberg

K-Pop, K-Dramen, K-Beauty und koreanische Mode – die Ausstellung „Hallyu! The Korean Wave“ bringt die energiegeladene Popkultur Südkoreas ins Museum Rietberg. Die Schau beleuchtet die globale Erfolgsgeschichte der koreanischen Welle – von ihren Anfängen in den 1990er Jahren bis zu ihrem weltweiten Einfluss auf Musik, Film, Medienkunst und Lifestyle.

Als einzige Station in Europa nach Erfolgen in London, Boston und San Francisco zeigt das Zürcher Museum eine umfassende Darstellung der südkoreanischen Kulturrevolution: Glitzernde K-Pop-Outfits, ikonische Requisiten aus dem Oscar-prämierten Film Parasite, interaktive Installationen wie der „Google Art Dance Room“ oder Werke des Medienkunst-Pioniers Nam June Paik.

Dabei reicht der Blick über das Spektakel hinaus: Dokumente, Fotografien und historische Objekte zeichnen Südkoreas rasanten Wandel von einem durch Krieg gezeichneten Land zum digitalen und kulturellen Vorreiter nach.

Besonderes Augenmerk liegt auf der Rolle der Unterhaltungsindustrie: In der Demokratisierung der 1980er Jahre wurzelt der Aufstieg des Kinos und der K-Dramen. K-Pop entwickelte sich dank sozialer Medien zur globalen Musikmacht – mit Fangemeinden von Seoul bis São Paulo.

Auch K-Beauty und K-Fashion kommen nicht zu kurz. Die Ausstellung zeigt, wie Südkorea zur internationalen Stilikone wurde – von traditionellen hanbok-Roben über LED-Gesichtsmasken bis zu Streetwear und Couture.

Exklusiv für Zürich wurde ein zusätzlicher Raum mit Kunstwerken aus der ständigen Sammlung eingerichtet: Farbholzschnitte, Genremalerei, buddhistische und schamanistische Werke zeigen die kulturellen Wurzeln, aus denen die moderne Popkultur gewachsen ist.

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Liebe, Kummer, Glück, Sehnsucht. Wir alle fühlen das manchmal. Aber wie würdest du diese Gefühle in einem Kunstwerk ausdrücken?

Die neue Ausstellung im Museum Rietberg widmet sich Ragamala – einem Juwel der indischen Kunst, in der Malerei, Musik und Poesie miteinander verschmelzen. Jedes Bild erzählt uns etwas. Lausche der Musik und rieche die Düfte, die in diesen Kunstwerken verborgen sind. Was macht es mit dir?

Die Ausstellung präsentiert rund fünfzig prachtvolle Meisterwerke der Ragamala-Malerei aus der Sammlung des Museums, ergänzt durch Werke zeitgenössischer Miniaturmaler.

Projektleitung: Jan-Marcel Müller
Produktion: Henne / Ordnung
Kamera & Schnitt: Sebastian Heindorff
Color Grading: Bernd Güßbacher
Sprecherin: Sonika Soni
Assistenz: Linda Deutsch

© 2024 Museum Rietberg

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Songs recorded on 8 November 2023 in Zurich

Songs by:
Edo Cultural Group
Lady Aghabiomon Ogbeiwi
Monday Edo Igbinidu

Exhibition “In Dialogue with Benin. Art, Colonialism and Restitution”
The exhibition is part of the Benin Initiative Switzerland

1. Ogbaisi mwen nogie
   Ogbaisi, my king,
   Ovonramwen, who presides over Edo,
   Ogbaisi, my king,
   Ovonramwen, Ogbaisi, my king,
   Ogbaisi
2. Ehi mwen
   My guardian angel,
   Come to my aid, guardian angel
3. Iye mwen niye
   My mother, my mother, my mother,
   The insides should have been on the outside
   So as to know the intent of the heart.
   My mother
4. E o yowo
   Oh nooooo
   The white man deceitfully
   Carried Oba Ovonramwen away.

We were on our own,
Minding our own business,
Serving our Oba,
Performing the festival of our Oba.

The white men came and
Brought bad blood to the land.
Hey came to compete
To be the first to capture Edo,
Edo, land of the Oba of Benin.

James Phillips the white man,
The overzealous,
Came to Edo
To overdo it.
He swore to capture Edo.
But he failed.
He took many Edo artefacts
To the white man’s land.

Capt. Gen. Moor, the Elder,
Wrote a letter to Edo,
Telling the Oba,
I will come in three days’ time.
When he (Oba) is done with the Ague Festival,
I am traveling back to London, Oba.

The white men have laws,
The Edo also have laws.
When the Oba observes the Ague ceremony,
Strangers are not received
Violation of this is a sacrilege that may
result in death.
White man, violation of this is a sacrilege
That may result in death.

Lamentation Songs composed by: 1) Monday Edo Igbinidu 2) and 3) Edo Cultural Group 4) Lady Aghabiomon Ogbeiwi

More information: Museum Rietberg

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Nigeria operates over 52 museums under the leadership of the National Commission for Museums and Monuments. The NCMM also works to achieve the return of plundered cultural artifacts. During the British colonial era in the 1940s, there was already an Antiquities Service, and the first national museum was founded in Jos in 1952, the same year as the Museum Rietberg. With the 1953 Antiquities Act there came the first successful export ban. Benin City has been home to the National Museum since 1973. Now two more museums are planned: the Benin Royal Museum and the Museum of West African Art (MOWAA).

Film by Omoregie Osakpolor; Nigeria; 2024

Exhibition “In Dialogue with Benin. Art, Colonialism and Restitution”
The exhibition is part of the Benin Initiative Switzerland

More information: Museum Rietberg

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The film provides an in-depth look at the opportunities and challenges encountered by our interdisciplinary and cross-continental team in bringing the exhibition to life. The four curators—Josephine Ebiuwa Abbe, associate professor in the Department of Theatre Arts at the University of Benin City; Swiss-Nigerian architect Solange Mbanefo; and Michaela Oberhofer, curator of African art, and Esther Tisa Francini, head of archives and provenance research at the Museum Rietberg—are featured discussing the various approaches and perspectives that shaped the conception and realization of the exhibition.

Exhibition:
In Dialogue with Benin. Art, Colonialism and Restitution

More information: Museum Rietberg

Project lead: Dr. Michaela Oberhofer and Esther Tisa Francini Production: Tillo Spreng Recording: Isabella Jumana (Camera), Luca Marano (Sound)

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In the Western world, pre-Hispanic Colombia has been associated with the legend of “El Dorado” for centuries. Yet this view obscures the true cultural wealth of the indigenous peoples who live there. The groundbreaking exhibition “More Than Gold – Splendour and Thought of Indigenous Colombia” offers an entirely new perspective on the art and culture of this region. The exhibition is the first ever to explore the diverse spectrum of masterful artistic production in pre-Hispanic Colombia and spotlight these works from an indigenous perspective.

The exhibition was realised in cooperation with the Los Angeles County Museum of Art (LACMA), the Museo del Oro in Bogotá, the Museum of Fine Arts, Houston, and members of the Arhuaco indigenous community of Colombia. In Europe, it can only be seen in Zurich.

More Than Gold – Splendour and Thought of Indigenous Colombia

More information: Museum Rietberg

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Anna Jackson, Kuratorin des V&A, gibt einen persönlichen Einblick in die faszinierende Entwicklung des Kimonos. Im Fokus steht heute das Porträt von Lady Elizabeth Smith, die auf dem Gemälde einen Kimono trägt. Als Mitglied der literarischen Gesellschaft Londons wählte Elizabeth Smith bewusst dieses Kleidungsstück, um ihren künstlerischen und literarischen Lebensstil zu repräsentieren. Das Bild veranschaulicht die anhaltende Faszination der Europäer für alles Japanische. Entdecken Sie in der Ausstellung «KIMONO – Kyoto to Catwalk», wie der Kimono nach London kam.

Wussten Sie, dass einige der heutigen Kimono-Designer als «Lebende Nationalschätze» gelten? Im Fokus der Tour von Anna Jackson, Kuratorin des V&A, steht heute der Kimono als nationales Symbol. Nach dem Zweiten Weltkrieg suchte Japan nach einer Neuorientierung und besann sich auf seine Vergangenheit. Der Kimono zum Symbol japanischer Identität in einer globalisierten Welt. Viele Designer führen die traditionellen Techniken weiter, kreieren damit aber höchst zeitgenössische Mode. Entdecken Sie die Bedeutung des Kimonos im heutigen Japan in der Ausstellung «KIMONO – Kyoto to Catwalk».

Anna Jackson, die Kuratorin des V&A, gibt Ihnen einen persönlichen Einblick in die Ausstellung. Heute steht der Kimono in der Popkultur im Fokus. Auf der Bühne und im Film ist das wandlungsfähige Kleidungsstück ein beliebtes Element. Er inspirierte nicht nur Filmkostüme von Star Wars, sondern wurde auch von Stars wie Freddie Mercury, David Bowie oder Björk in ihren Auftritten inszeniert. Tauchen Sie ein in die Ausstellung «KIMONO – Kyoto to Catwalk» und entdecken Sie die Exponate der Stars.

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Die zeitgenössische Kimono-Designerin Hiroko Takahashi strebt in ihren Kreationen eine einzigartige Fusion von Kunst und Mode an. Mit charakteristischen Kreismustern und klaren Linien vermittelt sie die Botschaft, dass wahres Glück in der heutigen Welt des Überflusses mit minimalen Dingen erreicht werden kann. Ihre Kimonos beruhen auf jahrhundertealter Handwerkskunst und erwecken die Bedeutung des Kimono aufs Neue.

Die japanisch-schweizerische Modedesignerin Kazu Huggler hat sich von der Wandlungsfähigkeit und Langlebigkeit des Kimono inspirieren lassen und für die Ausstellung ein Outfit aus einem alten Kimono entworfen. Ihr Beitrag «Unstitch and Liberate!» interpretiert das T-förmige Kleidungsstück als Symbol weiblicher Selbstbestimmung und Modernität im Japan der 20er Jahre. Der Kurzfilm zeigt Kazus Beziehung zum Kimono und wie sie den kunst- und sozialhistorischen Hintergrund in moderne Mode übersetzt.

In der Curator’s Tour gibt Ihnen Anna Jackson, Kuratorin des V&A, einen persönlichen Einblick in die Ausstellung. Entdecken Sie die Geschichte des Kimonos von den 1660er Jahren bis heute und den erstaunlichen Wandel des Kleidungsstücks vom traditionellen Kostüm zum dynamischen Modesymbol. «KIMONO – Kyoto to Catwalk» widerlegt die gängige Vorstellung vom Kimono als unveränderlich und zeitlos und zeigt seine kontinuierliche Entwicklung. Erfahren Sie, wie der Kimono in der Edo-Periode im pulsierenden städtischen Umfeld des alten Japans zum Modeprodukt wurde und wie er sich von westlicher Kleidung unterscheidet. Das Video ist mit deutschen und englischen Untertiteln verfügbar.

In der Ausstellung «KIMONO – Kyoto to Catwalk» im Museum Rietberg sticht ein Kimono-Motiv besonders ins Auge: der majestätische Berg Fuji. Das wohl bekannteste Wahrzeichen Japans war und ist Inspirationsquelle für viele Kimono-Künstler*innen. Khanh Trinh, Kuratorin für Japan und Korea im Museum Rietberg, stellt ihr Lieblingsmotiv der Ausstellung vor. In der Curator’s Tour erfahren Sie alles über die verschiedenen Kimono-Motive und ihre tiefgründige Symbolik.

Die spektakuläre Ausstellung im Museum Rietberg in Zürich feiert und hinterfragt die Geschichte des ikonischen Kleidungsstücks, das untrennbar mit dem Bild Japans verbunden ist. Sie präsentiert den Kimono nicht als statisch und unveränderlich, sondern als ein äusserst dynamisches und modisches Kleidungsstück. Die Ausstellung ist eine Übernahme vom Victoria and Albert Museum in London und die einzige Station im gesamten deutschsprachigen Raum.

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Der Beitrag “Kimono – Kyoto to Catwalk” im Museum Rietberg (Serie 1) erschien zuerst auf museumsfernsehen.