Das Kunstmuseum St. Gallen würdigt den verstorbenen Schweizer Künstler Urs Frei mit einer umfassenden Werkschau. Fernab vom Mainstream der 80er-Jahre entwickelte Frei eine Bildsprache, die Ausstellungsarchitektur und banale Fundstücke zu Kunst erklärte.

Urs Frei (1958–2023) war ein Künstler der klaren Setzungen. In der ersten Retrospektive „A bis Z“ zeigt das Kunstmuseum St. Gallen nun das gesamte Spektrum seines Schaffens: von den analytischen Werken der späten 80er-Jahre über voluminöse, farbgewaltige Kissenobjekte bis hin zu seinen späten malerischen Erkundungen.

Architektur als Teil des Werks

Ein besonderes Augenmerk der Ausstellung liegt auf Freis Verständnis von Raum und Infrastruktur. Kuratorische Wegbegleiter erinnern sich an seine kompromisslose Haltung: Stellwände betrachtete er nicht als neutrale Träger, sondern als integralen Teil seiner Arbeit. So duldete er etwa keine Fremdbespielung der Rückseiten seiner Wände – für ihn war die gesamte Architektur ein skulpturales Element.

Ein Gegenpol zur „Wilden Malerei“

In den 80er-Jahren, einer Zeit, die von der sogenannten „Wilden Malerei“ dominiert wurde, bildete Urs Frei einen markanten Gegenpol. Während viele Zeitgenossen auf expressive Gestik setzten, antwortete Frei mit einer teilweise extrem reduzierten, dann wieder überraschend bunten und üppigen Bildsprache. Er suchte die Reibung und fand sie oft im Alltäglichen.

Die Schönheit des Gefundenen

Wie radikal sein Ansatz war, zeigte sich oft in kleinen, intimen Ausstellungen, in denen er lediglich zusammengetragene Holzstücke präsentierte. Was damals für viele nicht „wie Kunst aussah“, überzeugt heute durch seine konsequente Verweigerung gegenüber klassischen Schönheitsidealen. In St. Gallen sind diese assemblageartigen Werke nun im Kontext seines Gesamtwerks zu erleben und unterstreichen seine Rolle als einer der eigenwilligsten Protagonisten der Schweizer Kunstszene.

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Das Kunstmuseum St.Gallen präsentiert mit „Urs Frei. A–Z“ eine umfassende Retrospektive eines Künstlers, der die Malerei und Plastik zeitlebens gegen den Strich bürstete. Von den internationalen Erfolgen der 1990er Jahre bis hin zu seinen späten Farbuntersuchungen zeigt die Schau das Vermächtnis einer eigenwilligen Schweizer Position.

Urs Frei (1958–2023) gehörte zu jenen Künstlern, die das Medium Malerei nicht einfach nutzten, sondern es sezierten. Der Zürcher, der 1997 die Schweiz an der Biennale di Venezia vertrat, zerlegte das klassische Gemälde konsequent in seine Einzelteile: Leinwand, Farbe und Keilrahmen wurden bei ihm zu modularen Bausteinen, die er in völlig neuen Konstellationen wieder zusammenfügte.

Stapeln, Stecken, Verschnüren

Freis plastisches Werk ist geprägt von einer faszinierenden Materialästhetik. Er nutzte „Halbzeug“ und Alltagsgegenstände – Metallrohre, Plastikkübel, Holz, Karton und Kunststoff –, um daraus komplexe, oft eigenartig anmutende Gebilde zu formen. Dabei mied er klassische bildhauerische Techniken zugunsten von intuitiven Prozessen wie Stapeln, Nageln, Verschnüren oder Verkleben. Diese Werke markieren Freis einzigartige Stellung im internationalen Kunstkontext: eine Kunst, die das Provisorische und den Prozess feiert.

Die Empfindung von Farbe

Ab der Jahrtausendwende verlagerte sich Freis Fokus wieder verstärkt auf die Malerei – allerdings in einem sehr weiten Sinne. Sein Spätwerk lässt sich als eine fortlaufende, fast wissenschaftliche Untersuchung der Empfindung von Farbe begreifen. Es ging ihm nicht mehr um das Abbild, sondern um die physische Präsenz und die Wirkung von Pigmenten im Raum.

Die Retrospektive in St.Gallen bietet nun die Gelegenheit, dieses konsequente Werk in seiner gesamten Breite von „A bis Z“ zu erfassen und die radikale Freiheit eines Künstlers nachzuerleben, der sich nie mit den konventionellen Grenzen der Kunst zufrieden gab.

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Vom 27. September 2025 bis 22. März 2026 zeigt das Kunstmuseum St. Gallen die erste umfassende Retrospektive der 2024 verstorbenen niederländischen Künstlerin Jacqueline de Jong. Die Präsentation beleuchtet das vielfältige Œuvre der Künstlerin, die als Malerin, Bildhauerin und Grafikerin zentrale Impulse für die Kunst der Nachkriegszeit setzte.

De Jongs Arbeiten stehen in einem engen Austausch mit Strömungen wie Art brut, Pop Art, Neuer Figuration und Postmoderne. Bereits im Alter von 21 Jahren schloss sie sich der Situationistischen Internationale an, einer radikalen Avantgardebewegung, deren rebellischer Geist ihr Schaffen nachhaltig prägte. Ihr Werk ist politisch, humorvoll, spielerisch und zugleich von einer konsequent zeitgenössischen Haltung geprägt.

Die Ausstellung zeichnet auch die biografischen Hintergründe der 1939 in Hengelo geborenen Künstlerin nach. De Jongs jüdischstämmige Familie musste während der deutschen Besatzung der Niederlande untertauchen. 1942 floh ihre Mutter mit der damals dreijährigen Jacqueline in die Schweiz, wo sie die Kriegsjahre in Zürich verbrachten. Nach ihrer Rückkehr in die Niederlande kam De Jong früh mit moderner Kunst in Berührung – ihre Eltern sammelten Werke von Künstlern wie Karel Appel, Jean Dubuffet, Roberto Matta und Wifredo Lam.

Bevor sie zur bildenden Kunst fand, wollte De Jong Schauspielerin werden und reiste bereits als Jugendliche nach Paris und London. Nach dem Scheitern an der Schauspielschule in Arnheim begann sie im Stedelijk Museum Amsterdam zu arbeiten und studierte Kunstgeschichte. Dort lernte sie führende Vertreter der Avantgarde kennen, darunter Asger Jorn, mit dem sie eine Beziehung verband, sowie Mitglieder der deutschen Künstlergruppe SPUR. 1960 wurde sie offiziell Teil der Situationistischen Internationale, ein Jahr später zog sie nach Paris, um sich vollständig der Kunst zu widmen.

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Vom 23. August bis 2. November 2025 zeigt das Kunstmuseum St.Gallen in der Lokremise eine große Einzelausstellung der Schweizer Künstlerin Sara Masüger (*1978 in Baar, lebt in Zürich). Unter dem Titel „Gedächtnislandschaften“ entwickelt die Plastikerin eigens für den Ort eine raumgreifende Installation und präsentiert neue skulpturale Arbeiten.

Masügers Werk bewegt sich im Spannungsfeld von Materialität, Körper und Erinnerung. Ihre Skulpturen verbinden glatte und poröse Gipsoberflächen mit schwarzem Polyesterharz und glänzendem Aluminium. In organisch wuchernden Formen übersetzt sie das Zusammenspiel von Erinnerungen und physischen Erfahrungen, die sich im Körper speichern, überlagern und verändern – oft widersprüchlich, unscharf und doch präsent.

Den Auftakt bildet die ortsspezifische Installation „37 Grad“: eine begehbare Landschaft aus Gips, die wie ein archaisches Gebirge wirkt. Sie thematisiert Körpererinnerungen und lädt die Besucher:innen ein, sich sinnlich und physisch im Werk zu orientieren.

Ein weiteres Highlight ist die mehrteilige Arbeit „Notation“, bestehend aus schwarzglänzenden Tropfen aus Polyesterharz, die im Moment des Fallens eingefroren scheinen. Leichte Schwingungen durch die Luft lassen die Tropfen fast lebendig wirken und verweisen auf den Gedanken des Aufzeichnens von Klang und Zeit.

Mit „Gedächtnislandschaften“ knüpft Masüger an ihre langjährige Auseinandersetzung mit Skulptur und Raum an. Nach Studien an der Hochschule der Künste Bern (1997–2000) und einem Residency-Programm an der Rijksakademie in Amsterdam (2001–2003) hat sie sich als eine der spannendsten Positionen der zeitgenössischen Plastik in der Schweiz etabliert.

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Ein exklusiver Blick hinter die Kulissen: Im Atelier des Sitterwerks hat ein Kamerateam des Kunstmuseums St. Gallen die Zürcher Künstlerin Sara Masüger bei den Vorbereitungen zu ihrer Ausstellung „Gedächtnislandschaften“ begleitet. Masüger gewährt Einblicke in ihren Arbeitsprozess und die Entstehung neuer Werke, die ab Ende August in der LOK des Kunstmuseums St.Gallen zu sehen sein werden.

Sara Masüger (*1978 in Baar) setzt sich in ihrer skulpturalen Arbeit intensiv mit dem menschlichen Körper, seiner Fragmentierung und Präsenz im Raum auseinander. Ihre oft ortsspezifischen Installationen oszillieren zwischen Figuration und Abstraktion und nutzen Materialien wie Gips, Harz und Metall. Die Ausstellung lädt zur körperlich-sinnlichen Auseinandersetzung mit Wahrnehmung, Erinnerung und Raum ein – und stellt gewohnte Blickregime gezielt infrage.

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Das Kunstmuseum St.Gallen zeigt eine große Einzelausstellung des international anerkannten griechisch-britischen Künstlers Mikhail Karikis. Unter dem Titel “Voices, Communities, Ecologies.” bietet die Schau eine Mid-Career-Retrospektive mit gefeierten Werken sowie einer eigens für die Ausstellung geschaffenen Neuproduktion. Karikis ist für seine genreübergreifenden Arbeiten aus Klang, Film und Performance bekannt. Seine Kunst thematisiert gesellschaftliche und ökologische Fragestellungen und gibt marginalisierten Gemeinschaften eine Stimme.

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Das visionäre Werk der österreichisch-liechtensteinischen Künstlerin Anne Marie Jehle (Feldkirch 1937–2000 Vaduz) umfasst zahlreiche Medien wie Skulptur und Installation, Malerei, Zeichnung, Fotografie und Text. Im Mittelpunkt steht ihre kritische Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Strukturen und Machtverhältnissen, insbesondere mit weiblicher Identität und Rollenbildern.

In den 1970er-Jahren wird Jehle international bekannt. Ihr Schaffen steht im Kontext der feministischen Avantgarde und der Fluxus-Bewegung. Mitte der 1980er-Jahre zieht sie sich aus der Öffentlichkeit zurück, und ihr künstlerisches Schaffen bricht jäh ab.

Ihre Fähigkeit, Alltagsgegenstände und persönliche Erfahrungen in ausdrucksstarke Kunstwerke zu verwandeln, macht ihre Arbeit bedeutend, vor allem in der heutigen Diskussion über Gender und Selbstbestimmung in der Kunst.

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Künstler*innengespräch 24.08.2024, Kunstzone Lokremise mit Künstler*innenkollektiv RM und Kuratorin Melanie Bühler

Das Kunstmuseum St.Gallen präsentiert mit Anus Horribilis die erste museale Einzelausstellung von RM (ehemals Real Madrid) mit neuen, extra für die Ausstellungsräumlichkeiten der LOK by Kunstmuseum St.Gallen geschaffenen Werken. Die Arbeit des 2015 in Genf gegründeten Künstler*innenkollektivs bezieht sich auf die Schnittstelle von Sexualität, Konsum, Identität und Körperlichkeit. In gross angelegten Skulpturen- und Installationsprojekten untersuchte RM bisher soziale und politische Reaktionen auf stigmatisierte, sexuell übertragbare Krankheiten und Infektionen. Für Anus Horribilis führt das Duo diese thematische Auseinandersetzung jetzt konsequent weiter: bis zum letzten Stigma, jenem des Sterbens.

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Das Kunstmuseum St.Gallen präsentiert mit Anus Horribilis die erste museale Einzelausstellung von RM (ehemals Real Madrid) mit neuen, extra für die Ausstellungsräumlichkeiten der LOK by Kunstmuseum St.Gallen geschaffenen Werken. Die Arbeit des 2015 in Genf gegründeten Künstler*innenkollektivs bezieht sich auf die Schnittstelle von Sexualität, Konsum, Identität und Körperlichkeit. In gross angelegten Skulpturen- und Installationsprojekten untersuchte RM bisher soziale und politische Reaktionen auf stigmatisierte, sexuell übertragbare Krankheiten und Infektionen. Für Anus Horribilis führt das Duo diese thematische Auseinandersetzung jetzt konsequent weiter: bis zum letzten Stigma, jenem des Sterbens.

Produktion: arttv.ch

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Vom 1. Juni bis 8. September 2024 präsentiert das Kunstmuseum St.Gallen eine bedeutende Ausstellung, die sich intensiv mit der Familie als Tradition, Konzept und Lebensform beschäftigt. Die Ausstellung vereint mehr als 30 internationale Künstler*innen sowie ausgewählte Werke aus der Museumssammlung.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog bei Hatje Cantz, der Essays renommierter Theoretikerinnen und Kunsthistorikerinnen enthält. Zeitgleich veröffentlicht das Gottlieb Duttweiler Institut eine Studie zur Zukunft der Familie, die zur Vernissage unter gdi.chverfügbar sein wird.

Kritische Auseinandersetzung mit der Familie in der zeitgenössischen Kunst

In der zeitgenössischen Kunst wird das Thema Familie selten aufgegriffen. Während feministische Künstler*innen ihre Rollen als Frau, Mutter und Betreuungsperson intensiv beleuchten, bleibt die Familie oft unbeachtet. Obwohl sie ein etabliertes Genre in der Fotografie ist und das Familienporträt eine lange Tradition in der Malerei hat, fehlt bisher eine kritische Auseinandersetzung, die über die bloße visuelle Darstellung hinausgeht.

Es scheint, als ob die Familie so tief in unserer Realität verankert ist, dass eine kritische Betrachtung als unzulässig erscheint. In einer Zeit, in der Institutionen und Werte radikal hinterfragt werden, bleibt die Familie merkwürdig unberührt. Die aktuelle Ausstellung im Kunstmuseum St.Gallen hat das Ziel, genau dies zu ändern.

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