Prof. Doris Titze ist Künstlerin und Kunsttherapeutin. Sie arbeitet seit vielen Jahren im psychiatrischen und suchttherapeutischen Bereich und war als Professorin sowie Studiengangsleiterin für Kunst und Kunsttherapie tätig. In ihrem Vortrag geht sie der Frage nach, wie Kunst und Kunsttherapie mit belastenden Erfahrungen umgehen und neue Perspektiven eröffnen können.

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Ein persönlicher Abend mit der Präsidentin der Europäischen Zentralbank: Im Gespräch mit Dr. Oliver Kornhoff erzählte Christine Lagarde, was ihr Großvater ihr über Kunst beigebracht hat, welche Gemälde in ihrem Büro hängen und wie Kunst und Kultur dazu beitragen können, den gesellschaftlichen Zusammenhalt zu stärken.

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documenta 16: Internationales Kuratorenteam wird erweitert

Mit der Berufung von vier weiteren Fachleuten verstärkt die documenta 16 ihre internationale und interdisziplinäre Ausrichtung. Die neuen Mitglieder bringen Erfahrungen aus der zeitgenössischen Kunst, Musik, Performance, Kunstgeschichte und technologischen Forschung mit. Ihre Perspektiven sollen in die Entwicklung des Ausstellungsprogramms einfließen. Die Künstlerische Leiterin Naomi Beckwith arbeitet dabei weiterhin mit dem bereits berufenen kuratorischen Kernteam zusammen. Ihm gehören Carla Acevedo-Yates, Romi Crawford, Mayra A. Rodríguez Castro und Xiaoyu Weng an.

Das erweiterte Team soll künstlerische Positionen unterschiedlicher geografischer und kultureller Kontexte zusammenführen. Inhaltlich beschäftigt sich die documenta 16 mit gesellschaftlichen Umbrüchen, technologischen Veränderungen und den Herausforderungen einer von ökologischer Instabilität geprägten Gegenwart. Eine besondere Bedeutung kommt dabei der Improvisation zu. Sie wird als künstlerische Strategie verstanden, um mit Unsicherheit umzugehen und neue Formen des gemeinsamen Handelns zu entwickeln.

Raven Chacon wird Curator-at-Large der documenta 16

Der US-amerikanische Komponist, Performer und Installationskünstler Raven Chacon übernimmt die Funktion des Curator-at-Large. Chacon wurde in Fort Defiance auf dem Gebiet der Navajo Nation geboren. Im Jahr 2022 erhielt er als erster indigener Komponist den Pulitzer-Preis für Musik. Seine künstlerische Praxis verbindet experimentelle Musik, Klanginstallationen und Performance mit gesellschaftlichen und politischen Fragestellungen. Von 2009 bis 2018 war Chacon Mitglied des Künstlerkollektivs Postcommodity. Dessen Arbeiten wurden unter anderem auf der documenta 14 präsentiert.

Zu den bekanntesten Projekten des Kollektivs gehört die rund zwei Meilen lange Land-Art-Installation „Repellent Fence“ an der Grenze zwischen den USA und Mexiko. Neben seiner eigenen künstlerischen Arbeit engagiert sich Chacon seit vielen Jahren für die Förderung junger indigener Komponistinnen und Komponisten. Mit seiner Berufung erhält die experimentelle Musik- und Klangkunst innerhalb des kuratorischen Teams eine wichtige Stimme.

Osei Bonsu: Internationale Kunst und afrikanische Diaspora

Der britisch-ghanaische Kurator, Autor und Kunsthistoriker Osei Bonsu wird die documenta 16 als kuratorischer Berater unterstützen. Bonsu ist an der Tate Modern als Jorge M. Pérez Senior Curator of International Art, Africa, and Diaspora tätig. Dort beschäftigt er sich mit internationaler Ausstellungsplanung, Sammlungsentwicklung und kunsthistorischer Forschung. Ein Schwerpunkt seiner Arbeit liegt auf Kunst aus Afrika und der afrikanischen Diaspora.

Bonsu untersucht insbesondere postkoloniale Perspektiven auf die Kunstgeschichte und die Entwicklung globaler Modernismen. Mit seiner Forschung hinterfragt er kunsthistorische Erzählungen, die sich überwiegend an europäischen und nordamerikanischen Entwicklungen orientieren. Seine Beteiligung an der documenta 16 stärkt die Auseinandersetzung mit transnationalen Kunstgeschichten und künstlerischen Positionen aus dem Globalen Süden.

Timea Junghaus: Roma-Kunst, Migration und künstliche Intelligenz

Die Kunsthistorikerin und Kuratorin Timea Junghaus bringt ihre langjährige Erfahrung in der internationalen Roma-Kunst und institutionellen Kulturarbeit in das Team ein. Sie war Gründungsdirektorin der Gallery8 – Roma Contemporary Art Space in Budapest und von 2017 bis 2025 geschäftsführende Gründungsdirektorin des European Roma Institute for Arts and Culture (ERIAC) in Berlin.

Bereits 2007 kuratierte Junghaus mit „Paradise Lost“ den ersten Roma-Pavillon auf der Biennale von Venedig. Sie gehörte außerdem zu den Initiatorinnen des Projekts RomaMoMA, das sich mit der Sichtbarkeit und institutionellen Repräsentation von Kunst der Roma beschäftigt.

Ihre Forschung und kuratorische Arbeit befassen sich mit Migration, Vertreibung, kultureller Selbstrepräsentation und gesellschaftlicher Teilhabe. Zunehmend untersucht Junghaus auch die Auswirkungen künstlicher Intelligenz und technologischer Transformationen. Damit verbindet sie Fragen kultureller Repräsentation mit den gesellschaftlichen Herausforderungen digitaler Technologien.

Noam Segal: Zeitgenössische Kunst und neue Technologien

Die Kuratorin und Wissenschaftlerin Noam Segal ergänzt das Team mit ihrer Expertise an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Gesellschaft. Segal ist als LG Electronics Associate Curator am Solomon R. Guggenheim Museum in New York tätig. Dort verantwortet sie unter anderem das Auswahlverfahren für den LG Guggenheim Award. Zuvor arbeitete Segal in der kuratorischen Forschung an der School of Visual Arts und war Gastwissenschaftlerin an der Tisch School of the Arts der New York University.

Ihre wissenschaftliche und kuratorische Tätigkeit beschäftigt sich mit den gesellschaftlichen Auswirkungen technologischer Entwicklungen und deren Bedeutung für die zeitgenössische Kunst. Sie hat mit internationalen Kunstinstitutionen und Veranstaltungen zusammengearbeitet, darunter dem Palais de Tokyo in Paris, Performa NYC, der Gwangju Biennale und der Berlin Biennale. Bei der documenta 16 dürfte ihre Expertise insbesondere für die Auseinandersetzung mit digitalen Medien, künstlicher Intelligenz und technologischen Zukunftsfragen relevant werden.

Naomi Beckwith setzt auf Zusammenarbeit und Improvisation

Mit dem erweiterten Team verfolgt Naomi Beckwith einen kollaborativen Ansatz. Die unterschiedlichen fachlichen Hintergründe der Beteiligten sollen nicht nur das Spektrum künstlerischer Positionen erweitern, sondern auch neue Formen der Zusammenarbeit ermöglichen. Beckwith betont, dass sie sich auf die Kooperation mit Persönlichkeiten freue, deren Überzeugungen und Werte ebenso ausgeprägt seien wie ihr Engagement für gemeinschaftliche Arbeitsweisen.

Die documenta 16 versteht Improvisation dabei als Möglichkeit, auf gesellschaftliche Veränderungen zu reagieren, ohne bereits festgelegte Antworten vorauszusetzen. Experimentelle Kunstformen und kollektive Lernprozesse sollen Räume eröffnen, in denen unterschiedliche Erfahrungen und Wissensformen aufeinandertreffen.

Kunst, Technologie und ökologische Krisen als Themen der documenta 16

Die kommende documenta beschäftigt sich mit einer Gegenwart, die von politischen, gesellschaftlichen und ökologischen Veränderungen geprägt ist. Im Mittelpunkt stehen künstlerische Strategien, die neue Perspektiven auf Unsicherheit und Transformation eröffnen. Dazu gehören Fragen nach den Möglichkeiten und Risiken gegenwärtiger Technologien ebenso wie die Auswirkungen globaler Krisen auf das Zusammenleben.

Die documenta 16 will Künstlerinnen und Künstler vorstellen, die sich mit diesen Entwicklungen auseinandersetzen und alternative Formen des Denkens, Handelns und Zusammenlebens erproben. Dabei sollen transkultureller Dialog, experimentelle Arbeitsweisen und gemeinsame Erfahrungen eine zentrale Rolle spielen.

documenta 16 in Kassel: Ausstellung vom 12. Juni bis 19. September 2027

Die documenta zählt zu den international bedeutendsten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst. Seit ihrer Gründung im Jahr 1955 findet sie traditionell alle fünf Jahre in Kassel statt. Die 16. Ausgabe wird vom 12. Juni bis zum 19. September 2027 veranstaltet.

Mit der Erweiterung des kuratorischen Teams konkretisieren sich nun die personellen und inhaltlichen Grundlagen der kommenden Ausstellung. Welche Künstlerinnen und Künstler teilnehmen und wie die einzelnen Ausstellungsorte bespielt werden, bleibt weiteren Ankündigungen vorbehalten. Fest steht bereits, dass die documenta 16 mit ihrem internationalen Team auf eine Verbindung unterschiedlicher künstlerischer Disziplinen, kultureller Perspektiven und gesellschaftlicher Fragestellungen setzt.

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Die Schirn Kunsthalle Frankfurt präsentiert vom 1. Oktober 2026 bis zum 10. Januar 2027 die erste Einzelausstellung der tschechischen Künstlerin Anna Hulačová in Deutschland. Unter dem Titel „Abundantia“ zeigt die Ausstellung Skulpturen, Reliefs und Installationen, die sich mit dem Verhältnis von Mensch, Natur und Technologie beschäftigen. Im Mittelpunkt stehen die Folgen industrieller Landwirtschaft, der Verlust biologischer Vielfalt und die gesellschaftliche Bedeutung von Arbeit. Eine besondere Rolle spielen dabei Bienen, die an der Entstehung einiger Kunstwerke unmittelbar beteiligt sind.

Anna Hulačová: Erste Einzelausstellung in Deutschland

Die 1984 im tschechischen Sušice geborene Künstlerin Anna Hulačová verbindet in ihren Arbeiten unterschiedliche kunsthistorische Traditionen. Ihre figurativen Skulpturen greifen Elemente des Surrealismus, des Sozialistischen Realismus und der tschechischen Volkskunst auf. Daraus entwickelt sie eine Bildsprache, in der menschliche Körper, technische Apparate und organische Strukturen miteinander verschmelzen. Gesichtslose Figuren, insektenartige Wesen und monumentale Maschinen erinnern teilweise an Science-Fiction-Darstellungen.

Die Ausstellung „Anna Hulačová. Abundantia“ in der Schirn Kunsthalle Frankfurt findet anlässlich des tschechischen Ehrengastauftritts bei der Frankfurter Buchmesse 2026 statt. Ein großer Teil der präsentierten Arbeiten wurde eigens für die Frankfurter Ausstellung geschaffen.

Bienen und Beton: Wie Anna Hulačová mit lebenden Bienenvölkern arbeitet

Eine Besonderheit von Hulačovás künstlerischer Praxis ist die Zusammenarbeit mit ihren eigenen Bienenvölkern. Die Künstlerin, die auf einem Bauernhof aufgewachsen ist, beschäftigt sich seit Langem mit der Beziehung zwischen Menschen, Tieren und Pflanzen. Für einige ihrer Skulpturen schafft sie Hohlräume, die von Bienen mit Wabenstrukturen ausgebaut werden. Diese organischen Elemente verbindet sie anschließend mit Materialien wie Beton und geschnitztem Lindenholz. So entstehen hybride Kunstwerke, in denen menschliche Gestaltung und tierische Bautätigkeit zusammentreffen.

Die Biene besitzt dabei mehrere Bedeutungen: Sie steht für kollektive Arbeit und ökologische Abhängigkeiten, aber auch für die Gefährdung natürlicher Lebensräume durch intensive Landwirtschaft, Monokulturen und den Rückgang der Artenvielfalt. Die Verbindung von Bienenwachs und Beton macht den Gegensatz zwischen lebendigen Ökosystemen und industriell geprägten Produktionsweisen unmittelbar sichtbar.

„Abundantia“: Eine Ausstellung über Wohlstand und unsichtbare Arbeit

Der Ausstellungstitel verweist auf Abundantia, die römische Personifikation des Überflusses und des Wohlstands. In der antiken Bildtradition wird sie häufig mit einem Füllhorn dargestellt, aus dem scheinbar unerschöpfliche Reichtümer hervorgehen. Anna Hulačová greift diese Vorstellung auf, um nach den Voraussetzungen von Wohlstand zu fragen. Denn hinter der Fülle landwirtschaftlicher Produkte stehen menschliche Arbeit, natürliche Ressourcen und technische Produktionsprozesse.

Die Ausstellung untersucht insbesondere jene Arbeitsleistungen, die in modernen Wirtschafts- und Versorgungssystemen häufig unsichtbar bleiben. Aus ökofeministischer Perspektive verbindet Hulačová die Ausbeutung natürlicher Ressourcen mit Fragen nach Geschlechterrollen, Arbeitsteilung und gesellschaftlichen Machtverhältnissen.

„Engine“ und „Big Machine“: Monumentale Betonskulpturen in der Schirn

Im ersten Ausstellungsraum präsentiert Hulačová großformatige, maschinenartige Skulpturen aus Beton. Zu den gezeigten Arbeiten gehören „Engine“ (2026) und „Big Machine“ (2026). Ergänzt werden sie durch von der Decke hängende Betonreliefs, die mit feinen Grafitzeichnungen, geschnitztem Lindenholz und teilweise mit Bienenwaben kombiniert sind. Die Künstlerin nimmt dabei Bezug auf die monumentale Bildsprache sozialistischer Architektur. Motive wie aufstrebende Getreideähren erinnern an historische Darstellungen von Landwirtschaft, Produktivität und gesellschaftlichem Fortschritt.

Diese Formensprache verbindet Hulačová mit den Skulpturen „Alien Bees“ aus den Jahren 2021 und 2026. Die insektenartigen Figuren besitzen menschliche Merkmale und erinnern an Science-Fiction-Comics und Filme der 1950er-Jahre. Durch die Gegenüberstellung entstehen Bildwelten, in denen industrielle Maschinen und organische Lebensformen nicht mehr eindeutig voneinander getrennt werden können.

„Still Life / Still Alive“: Lebensmittelproduktion und weibliche Arbeitskraft

Der zweite Ausstellungsraum widmet sich unter anderem der eigens für die Ausstellung entstandenen Installation „Still Life / Still Alive“ (2026). Im Zentrum steht ein Förderband für Lebensmittel vor metallischen, klinisch wirkenden Wänden. Figuren von Arbeiterinnen sind im Raum verteilt. Am Ende des Förderbandes türmen sich Früchte zu einem großen Berg, während eine der Figuren versucht, die angesammelten Produkte mit einem Quirl zu bearbeiten. Die Installation thematisiert die industrielle Herstellung und Verarbeitung von Lebensmitteln. Zugleich verweist sie auf kunsthistorische Darstellungen, in denen Frauen häufig gemeinsam mit Früchten und anderen Symbolen der Fruchtbarkeit gezeigt wurden.

Hulačová verbindet diese Bildtraditionen mit der Frage nach der gesellschaftlichen Bedeutung weiblicher Arbeitskraft. Die Installation macht sichtbar, wie eng landwirtschaftliche Produktion, technische Rationalisierung und geschlechtsspezifische Arbeitsteilung miteinander verbunden sind.

„After Bugonia“: Bienenmythos und Sozialistischer Realismus

Eine weitere Arbeit im zweiten Ausstellungsraum ist „After Bugonia“ (2025). Die Installation zeigt drei Arbeiterinnen mit Gummistiefeln, Arbeitskitteln und Kopftüchern. Ihre Körperhaltung und Kleidung erinnern an Darstellungen arbeitender Frauen im Sozialistischen Realismus. Die Gesichter der Figuren fehlen oder sind durch Bienenwaben ersetzt.

Der Titel bezieht sich auf den antiken Mythos der Bugonie. Nach dieser überlieferten Vorstellung konnten Bienenvölker aus den verwesenden Körpern toter Rinder entstehen. Hulačová verbindet den Mythos mit der modernen Milchwirtschaft und historischen Vorstellungen von Fruchtbarkeit und weiblicher Arbeit. Die Biene erscheint dabei erneut als Symbol für ein arbeitsteilig organisiertes Kollektiv. Gleichzeitig verweist die Arbeit auf gesellschaftliche Erwartungen an Frauen, deren Leistungen in Haushalt, Landwirtschaft und industrieller Produktion häufig als selbstverständlich betrachtet wurden.

Ökofeminismus in der zeitgenössischen Kunst

Ein zentrales Thema der Ausstellung ist die ökofeministische Perspektive auf das Verhältnis zwischen Gesellschaft und Umwelt. Ökofeministische Ansätze untersuchen unter anderem Zusammenhänge zwischen der Ausbeutung natürlicher Ressourcen und gesellschaftlichen Macht- und Geschlechterverhältnissen. In Hulačovás Arbeiten werden diese Fragen anhand konkreter Materialien und Bildmotive verhandelt. Beton steht für industrielle Produktion und technische Eingriffe in die Umwelt, während Bienenwaben die komplexen Strukturen lebendiger Organismen sichtbar machen.

Die Skulpturen verbinden beide Bereiche und zeigen, wie eng menschliche Gesellschaften mit natürlichen Kreisläufen verflochten sind. Die Ausstellung entwirft dabei keine eindeutige Zukunftsvision. Vielmehr bewegt sie sich zwischen utopischen Vorstellungen eines neuen Zusammenlebens und dystopischen Szenarien ökologischer Zerstörung.

Multisensorische Station ermöglicht inklusiven Ausstellungsbesuch

Ergänzend zu den Skulpturen und Installationen bietet die Schirn Kunsthalle Frankfurt eine multisensorische Vermittlungsstation im Foyer an. Besucherinnen und Besucher können dort ausgewählte Materialien und Motive der Ausstellung über Tast-, Hör- und Geruchseindrücke kennenlernen. Das Angebot richtet sich sowohl an Erwachsene als auch an Kinder sowie an sehende und sehbehinderte Menschen. Damit werden zentrale Aspekte der Kunstwerke auch jenseits der visuellen Wahrnehmung zugänglich gemacht. Die Station ergänzt die Ausstellung um einen inklusiven Zugang zu Hulačovás Materialwelt.

Anna Hulačová: Internationale Ausstellungen und künstlerischer Werdegang

Anna Hulačová wurde 1984 in Sušice in der damaligen Tschechoslowakei geboren. Sie studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Prag im Studio of Intermedia Work II bei Jiří Příhoda. Ihre Arbeiten wurden bereits in zahlreichen internationalen Kunstinstitutionen gezeigt, darunter das Centre Pompidou und die Fondation Louis Vuitton in Paris, die Nationalgalerie Prag sowie das Casino Luxembourg.

Darüber hinaus war sie an internationalen Ausstellungsformaten wie der Aichi Triennale 2019 in Japan und der Art Encounters Biennial 2021 in Timișoara beteiligt. Mit „Abundantia“ erhält die Künstlerin nun ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland.

Schirn Kunsthalle Frankfurt verbindet Kunst und ökologische Gegenwartsfragen

Die von Martina Weinhart kuratierte Ausstellung macht das Verhältnis zwischen Natur, Technologie und gesellschaftlicher Arbeit zum Ausgangspunkt einer umfassenden künstlerischen Untersuchung. Dabei verbindet Hulačová historische Bildtraditionen mit aktuellen Fragen zum Insektensterben, zur industriellen Landwirtschaft und zur Verteilung von Ressourcen.

Ihre Skulpturen und Installationen zeigen eine Welt, in der Maschinen, Menschen und Tiere zu ungewöhnlichen Mischformen verschmelzen. „Abundantia“ lädt damit dazu ein, Vorstellungen von Fortschritt, Wohlstand und Produktivität kritisch zu betrachten und über die ökologischen und sozialen Voraussetzungen unseres Lebens nachzudenken.

Mehr unter: schirn.de

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Dr. Christina Berndt ist Autorin, Journalistin und Leitende Redakteurin im Ressort Wissen der Süddeutschen Zeitung. In ihrem Vortrag beschäftigt sie sich mit psychischer Widerstandskraft und der Frage, was Menschen hilft, Krisen und belastende Lebenssituationen zu bewältigen. Ihr Buch Resilienz. Das Geheimnis der psychischen Widerstandskraft wurde zum Spiegel-Bestseller.

Mehr unter: www.kunsthalle-darmstadt.de/

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Mit der Ausstellung „Courant Van Gogh“ stellt die Kunsthalle Darmstadt den niederländischen Multimedia-Künstler Hilarius Hofstede erstmals einem größeren Publikum in Deutschland vor. Rund 250 Papierarbeiten und eigens für die Ausstellungsräume entwickelte Installationen geben Einblick in sein vielschichtiges Werk. Im Mittelpunkt steht die künstlerische Auseinandersetzung mit Vincent van Gogh sowie mit Fragen nach psychischer Verletzlichkeit, Fürsorge und den Belastungen der modernen Gesellschaft.

Hilarius Hofstede: Niederländischer Multimedia-Künstler erstmals umfassend in Deutschland

Der 1966 geborene Künstler Hilarius Hofstede lebt und arbeitet in Amsterdam. Sein Schaffen umfasst Zeichnungen, Fotografien, Texte, Filme und raumbezogene Installationen. Internationale Aufmerksamkeit erhielt Hofstede unter anderem durch Ausstellungen im Stedelijk Museum Amsterdam, in den Royal Museums of Art and History in Brüssel und im Musée de la Chasse et de la Nature in Paris.

Mit „Courant Van Gogh“ präsentiert die Kunsthalle Darmstadt nun eine umfangreiche Auswahl seiner Arbeiten. Die Ausstellung vereint rund 250 Werke auf Papier aus dem Atelier des Künstlers sowie aus privaten Sammlungen. Ergänzt werden sie durch ortsspezifische Installationen, die sich mit Verletzlichkeit, psychischen Erfahrungen und gesellschaftlichen Fragen beschäftigen.

„Courant Van Gogh“: Ein künstlerischer Dialog mit Vincent van Gogh

Ein zentrales Thema der Ausstellung ist Hofstedes intensive Beschäftigung mit seinem niederländischen Landsmann Vincent van Gogh (1853–1890). Van Gogh gehört zu den bekanntesten Künstlern der Moderne. Seine ausdrucksstarke Malerei und seine persönliche Lebensgeschichte sind bis heute Gegenstand kunsthistorischer Forschung und öffentlicher Auseinandersetzungen.

Hofstede greift diese Geschichte auf und verbindet sie mit aktuellen Fragen nach dem Verhältnis zwischen Individuum und Gesellschaft. Dabei geht es nicht allein um künstlerische Einflüsse oder formale Gemeinsamkeiten. Vielmehr untersucht Hofstede, wie Menschen mit psychischen Belastungen umgehen und welche Bedeutung Fürsorge, gesellschaftliche Erwartungen und individuelle Verletzlichkeit besitzen. Der Ausstellungstitel „Courant Van Gogh“ verweist auf diese Verbindung zwischen der historischen Künstlerfigur und der Gegenwart.

Dr. Gachet: Van Goghs einzige Radierung als Ausgangspunkt

Eine besondere Rolle spielt in der Ausstellung ein Exemplar von Van Goghs einziger bekannter Radierung. Sie zeigt den Arzt Paul Gachet, der Van Gogh während dessen letzten Lebenswochen in Auvers-sur-Oise medizinisch betreute. Die 1890 entstandene Druckgrafik bildet einen Ausgangspunkt für den künstlerischen Dialog zwischen Hofstede und Van Gogh. Sie verweist zugleich auf die historische Verbindung zwischen Kunst, medizinischer Behandlung und psychischer Gesundheit. Van Gogh hatte sich 1889 freiwillig in die psychiatrische Einrichtung von Saint-Rémy-de-Provence begeben. Dort entstanden zahlreiche bedeutende Gemälde. Seine letzten Lebenswochen verbrachte er anschließend in Auvers-sur-Oise. Die Ausstellung greift diese biografischen Zusammenhänge auf, ohne Van Goghs künstlerisches Werk ausschließlich über seine Erkrankung zu erklären.

Psychische Verletzlichkeit und Fürsorge als zentrale Ausstellungsthemen

Hilarius Hofstede setzt sich in seinen Arbeiten intensiv mit psychischen Erfahrungen auseinander. Der Künstler erhielt nach eigenen biografischen Angaben bereits im Alter von zwanzig Jahren die Diagnose einer bipolaren Störung und befand sich wiederholt in psychiatrischer Behandlung. Sein künstlerisches Schaffen wurde dadurch zeitweise unterbrochen, entwickelte sich jedoch über Jahrzehnte kontinuierlich weiter. Die Ausstellung stellt diese Erfahrungen in einen größeren gesellschaftlichen Zusammenhang.

Hofstede beschreibt den gegenwärtigen Zustand der Welt als toxisch, insbesondere für Menschen, die sich in psychisch verletzlichen Lebenssituationen befinden. Seine Arbeiten beschäftigen sich deshalb auch mit Fragen nach gesellschaftlicher Verantwortung, Empathie und dem Umgang mit psychischen Erkrankungen. Dabei werden individuelle Erfahrungen mit allgemeinen gesellschaftlichen Entwicklungen verbunden.

Collage als künstlerisches Prinzip: Zeichnung, Film und Fotografie

Charakteristisch für Hofstedes Werk ist die Verbindung unterschiedlicher Medien und Materialien. Zeichnungen, Texte, Fotografien, Filme und skulpturale Elemente stehen nicht isoliert nebeneinander, sondern werden zu komplexen Bild- und Bedeutungszusammenhängen kombiniert. Die Collage bildet dabei ein grundlegendes Arbeitsprinzip. Hofstede greift vorhandene Bilder, kulturelle Motive und historische Bezüge auf, verändert sie und stellt neue Beziehungen zwischen ihnen her. Auf diese Weise entstehen Arbeiten, die zwischen persönlichen Erfahrungen, kunsthistorischen Zitaten und gesellschaftlicher Kritik vermitteln. Die rund 250 Papierarbeiten der Darmstädter Ausstellung ermöglichen einen umfassenden Einblick in diese Arbeitsweise.

Outsider Art und Hieronymus Bosch: Hofstedes vielfältige Inspirationsquellen

Zu den künstlerischen Bezugspunkten Hofstedes gehören neben Vincent van Gogh auch Werke aus psychiatrischen Kontexten und der sogenannten Outsider Art. Dieser Begriff wird häufig für künstlerische Arbeiten verwendet, die außerhalb etablierter Kunstinstitutionen oder akademischer Ausbildung entstanden sind.

Auch außereuropäische Kunsttraditionen und historische Künstler wie Hieronymus Bosch spielen für Hofstedes Bildwelt eine Rolle. Boschs fantastische Figuren, rätselhafte Szenen und komplexe Bildräume bieten Anknüpfungspunkte für eine Kunst, die unterschiedliche Wirklichkeitsebenen miteinander verbindet. Hofstede verarbeitet solche Einflüsse jedoch nicht als bloße Zitate. Er integriert sie in eine eigenständige Formensprache, in der historische Kunst, persönliche Erfahrungen und gegenwärtige gesellschaftliche Themen aufeinandertreffen.

Rauminstallationen erweitern die Ausstellung in der Kunsthalle Darmstadt

Neben den Papierarbeiten zeigt die Kunsthalle Darmstadt eigens für die Ausstellung entwickelte Rauminstallationen. Diese Arbeiten beziehen die räumlichen Bedingungen der Kunsthalle in das künstlerische Konzept ein. Sie erweitern Hofstedes Arbeitsweise über die Fläche des Papiers hinaus und schaffen zusätzliche Möglichkeiten, sich mit den Themen Verletzlichkeit, Fürsorge und psychischer Disposition auseinanderzusetzen. Durch die Verbindung von Zeichnungen, Fotografien, Texten und räumlichen Elementen entsteht eine Ausstellung, die unterschiedliche Zugänge zum Werk des Künstlers eröffnet.

Ausstellungsfilm zeigt „Courant Van Gogh“ in Darmstadt

Der begleitende Ausstellungsfilm dokumentiert die Präsentation von Hilarius Hofstedes Arbeiten in der Kunsthalle Darmstadt. Er vermittelt Einblicke in die Vielfalt der ausgestellten Papierarbeiten und Installationen und stellt die Verbindung zwischen Hofstedes Werk und Vincent van Gogh in den Mittelpunkt. Dabei wird deutlich, dass „Courant Van Gogh“ nicht nur eine kunsthistorische Auseinandersetzung mit einem berühmten Maler ist. Die Ausstellung fragt zugleich danach, wie Kunst persönliche Krisenerfahrungen, gesellschaftliche Belastungen und den Wunsch nach Fürsorge sichtbar machen kann.

Mit der Präsentation eröffnet die Kunsthalle Darmstadt einen Einblick in das Werk eines Künstlers, der unterschiedliche Medien, kulturelle Einflüsse und biografische Erfahrungen zu einer eigenständigen künstlerischen Sprache verbindet.

Mehr unter: www.kunsthalle-darmstadt.de

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DAM Architectural Book Award 2026 – Die besten Architekturbücher

Die Frankfurter Buchmesse und das Deutsche Architekturmuseum (DAM) verleihen in diesem Jahr bereits zum achtzehnten Mal den gemeinsam initiierten internationalen DAM Architectural Book Award.

Bei der Preisverleihung werden die zehn Preisträger und weitere zehn Bücher als Shortlist-Kandidaten prämiert. Wir bitten um Verständnis, dass nur wenige Personen aus dem Kreis der Preisträger vor Ort im DAM teilnehmen können – daher laden wir herzlich dazu ein, die Verleihung im Livestream zu verfolgen.

Das DAM dankt der Gesellschaft der Freunde des DAM e.V. für ihre großzügige Förderung des Preises.

Mehr unter: dam-online.de/

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Vom 17. September 2026 bis 17. Januar 2027 zeigen das Städel Museum und das Liebieghaus erstmals im deutschsprachigen Raum eine umfassende Schau über die wohl wandelbarste Figur der Kunstgeschichte. Über 100 Meisterwerke vom Mittelalter bis heute erzählen von einer Frau, die seit Jahrhunderten fasziniert, provoziert und dabei immer wieder neu erfunden wurde.

Ein Leben, viele Gesichter

Sie war treue Jüngerin, Büßerin, ekstatische Heilige und feministische Ikone: Maria Magdalena ist eine der facettenreichsten Frauenfiguren der Bibel und der Kunst. Ihre Geschichte ist vor allem eine Geschichte der Wandlungen – und der Blicke, die Männer und Frauen der jeweiligen Epoche auf sie warfen. Wie sich Vorstellungen von Glaube, Körper und gesellschaftlichen Rollen im Laufe der Jahrhunderte verschoben, lässt sich an kaum einer anderen Gestalt so eindrücklich ablesen wie an der Magdalena.

Zwei Häuser, ein Panorama

Mit „Maria Magdalena. Sin. Pray. Love.“ präsentieren das Städel Museum und die Liebieghaus Skulpturensammlung erstmals im deutschsprachigen Raum eine große Doppelausstellung, die der biblischen Frau in all ihren künstlerischen Verwandlungen gewidmet ist. Ausgehend von zentralen Werken der eigenen Sammlungen beider Häuser werden über 100 hochkarätige Gemälde, Skulpturen und Grafiken vom Mittelalter bis in die Gegenwart zusammengeführt. Dabei erscheint Maria Magdalena nicht nur als Projektionsfläche kultureller und religiöser Sehnsüchte, sondern als eigenständige, vielstimmige Figur.

Stars der Kunstgeschichte und bedeutende Leihgaben

Zu den Highlights zählen fünf exzellente Werke aus der National Gallery in London sowie weitere Leihgaben aus der Berliner Gemäldegalerie, dem Metropolitan Museum of Art in New York, dem Louvre in Paris, den Vatikanischen Museen und der National Gallery of Art in Washington.

Die Schau setzt bewusst auf weibliche Perspektiven: Arbeiten von Künstlerinnen wie Lavinia Fontana, Elisabetta Sirani, Luisa Roldán, Lotte Laserstein, Kiki Smith, Marlene Dumas und Nieves González bilden eine besondere Facette. Daneben werden Hauptwerke bedeutender Künstler wie Albrecht Dürer, Pedro de Mena, Guercino, Georges de la Tour, Claude Lorrain, Arnold Böcklin, Max Beckmann und David LaChapelle gezeigt.

Stimmen zur Ausstellung

„Maria Magdalena fasziniert, weil sich an ihr die wechselnden Vorstellungen von Frauen, Glauben und Gesellschaft über Jahrhunderte hinweg besonders eindrücklich ablesen lassen. Ihre Geschichte ist deshalb immer auch eine Geschichte der Blicke auf sie.”

Philipp Demandt, Direktor des Städel Museums und der Liebieghaus Skulpturensammlung, betont die einzigartige Möglichkeit der beiden Häuser, diese Entwicklung über Epochen und geografische Grenzen hinweg zu verfolgen.

Die Kuratoren Bastian Eclercy (Städel Museum) und Stefan Roller (Liebieghaus) ergänzen:

„Über fast ein Jahrtausend hinweg wurde Maria Magdalena in den unterschiedlichsten Medien und Epochen immer wieder neu dargestellt. Im direkten Gegenüber der Werke werden überraschende Verbindungen sichtbar, aber auch die tiefgreifenden Veränderungen, die das Bild Maria Magdalenas im Laufe der Zeit erfahren hat.”

Mehr unter: staedelmuseum.de

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Am 4. und 5. September 2026 öffnete das Städel Museum in Frankfurt seine Türen für das große STÄDEL KI FESTIVAL „Imagining Futures in Noisy Times”. An der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Gesellschaft diskutierten Expertinnen und Experten, wie Künstliche Intelligenz den Zugang zu Kunst und Wissen verändert – und welche Rolle das Museum in Zukunft spielen kann. Das gesamte Programm war hier abrufbar.

Vorträge und Talks: Wie sprechen wir über KI?

Auf zwei Bühnen erwartete das Publikum ein vielfältiges Programm, moderiert von Michel Abdollahi und Laura Cazés. Den Auftakt bildete die Keynote „Zukunft gestalten: Warum KI ins Museum gehört” von Björn Ommer. In einem Gespräch zwischen Ijoma Mangold und Claudia Paganini ging es der Frage nach, wie wir über KI sprechen sollten. Bernhard Pörksen hielt den Impuls „Die Kunst des Zuhörens im digitalen Zeitalter”.

In Paneldiskussionen mit namhaften Gästen wie Ingo Dachwitz, Melina Hoischen, Gitta Kutyniok, Constanze Kurz, Christian Uhle und Wolfgang M. Schmitt wurden zentrale Zukunftsfragen diskutiert: Wie verändert KI Lernen und Bildung? Welche Verantwortung und welches Vertrauen brauchen wir? Und wie verändert KI unsere Begegnungen sowie die Authentizität in sozialen Medien?

Ausprobieren statt nur Zuhören

Das Festival bot mehr als Theorie. Die KI-Performance „CHATBOT CHALLENGE” von Interrobang und ein Workshop zum Museum der Zukunft mit The Future:Project luden zum Mitmachen ein. In kreativen Workshops konnten Teilnehmer historische Fotografien mithilfe von KI neu erleben, einen KI-gestützten Museumsguide entwickeln oder erkunden, wie eine KI Kunstwerke nach Stimmungen bewertet.

An verschiedenen Stationen in der Städel Sammlung wurde Technologie erlebbar: „REALTALK 1864″ führte immersiv in die Frankfurter Judengasse des Jahres 1864, Smart Glasses eröffneten neue Blicke auf die Sammlung und das Game „MANIFESTO” lud spielerisch dazu ein, ein eigenes Kunst-Manifest zu entwickeln. Zudem wurden digitale Angebote des Museums und innovative KI-Projekte regionaler Partner vorgestellt.

Führungen und Feiern

Thematische Führungen durch die Städel Sammlung eröffneten historische Perspektiven auf Fragen nach Mensch und Maschine, der Zukunft der Bilder sowie Originalität und Kopie. An beiden Abenden lud das Festival zum Ausklang ein: am Freitag zu einem entspannten Hangout, am Samstag zur abschließenden After-Party mit DJ-Set und Drinks.

Mehr unter: www.staedelmuseum.de

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Am letzten Tag seiner Ausstellung „Paradaidha” sprach der niederländische Maler Robert Zandvliet über seine Arbeitsweise – und darüber, warum Landschaftsmalerei heute ganz anders beginnt als man denkt.

Großformat, Farbfeld, idealisierte Natur

Mit seiner aktuellen Serie „Paradaidha” zeigt der niederländische Maler Robert Zandvliet in der Kunsthalle Darmstadt großformatige Farbfeldmalereien, die ein Fenster in eine idealisierte, nicht abgebildete Natur öffnen. Die Werke sind keine Abbilder von Landschaften – sie sind Verdichtungen einer Idee davon. Am 29. August 2026, einen Tag vor Ausstellungsende, nutzten Kunsthalle und Publikum die besondere Gelegenheit eines Künstlergesprächs, um tiefer in Zandvliets Denken und Arbeitsprozess einzutauchen.

Nicht Studie, sondern Idee: Ein ungewöhnlicher Ausgangspunkt

Was Zandvliets Praxis von klassischer Landschaftsmalerei unterscheidet, ist ihr Ausgangspunkt. Nicht das Studium der Natur steht am Beginn seiner Bilder, sondern die Idee eines Gegenstands – eine konzeptuelle Vorentscheidung, aus der heraus die Abstraktion sich Schritt für Schritt bis zur Ausführung auf der Leinwand entfaltet. Wie genau dieser Prozess verläuft, welche Entscheidungen er unterwegs trifft und wie klassische Gattungen wie die Landschaftsmalerei dabei neu formuliert werden, war Kern des Gesprächs.

Ein Gespräch auf Augenhöhe

Sein Gesprächspartner war Dr. Invar-Torre Hollaus, Dozent für Bildgeschichte und Bildtheorie an der Fachhochschule Nordwestschweiz (FHNW), der sich intensiv mit Zandvliets aktuellem Schaffen auseinandergesetzt hat. Erst kürzlich erschien von ihm ein Beitrag über den Künstler im renommierten New Yorker Kunstmagazin „The Brooklyn Rail” – ein Beleg für die internationale Aufmerksamkeit, die Zandvliets Werk derzeit erfährt. Kunsthallen-Direktor Dr. León Krempel begrüßte beide Gäste zu dem Dialog am Samstagnachmittag.

Ein Abschluss, der öffnet

Das Künstlergespräch vom 29. August 2026 liegt nun als Aufzeichnung vor – und macht damit einen Dialog zugänglich, der weit über den Ausstellungsraum hinausweist: als Einladung, Malerei nicht nur zu sehen, sondern zu verstehen, wie sie entsteht.

Mehr unter: www.kunsthalle-darmstadt.de

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