Mit der ersten Folge von „Belvedere Studio Visits“ gewährt das Belvedere Museum einen Blick hinter die Kulissen zeitgenössischer Kunstproduktion. Im Mittelpunkt steht die slowenische Künstlerin Maruša Sagadin, die in ihrem Atelier Einblicke in die Entstehung ihrer skulpturalen Arbeiten gibt.

“Jede Arbeit ist eigentlich wie bei null anzufangen, als wäre es die erste. Und auch diesmal ist es so. Mit wahnsinnig viel Unsicherheiten, grübeln, nicht wissen wohin”_ Maruša Sagadin

Das Video begleitet den künstlerischen Prozess von den ersten Skizzen und Modellen bis zur fertigen Skulptur. Dabei wird deutlich, wie Sagadin Themen wie Körper, Raum und soziale Strukturen in ihre Werke einfließen lässt und welche Überlegungen der Präsentation im Museum vorausgehen.

Mit dem neuen Format „Belvedere Studio Visits“ stellt das Belvedere zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler, ihre Arbeitsweisen und ihre Ateliers vor. Die Reihe vermittelt, wie Kunst entsteht, und macht die kreativen Prozesse sichtbar, die hinter einer Ausstellung im Museum stehen.

Mehr unter: belvedere.at

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Mehr unter: www.museum-joanneum.at/kunsthaus-graz

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Mit ihrer zweiten Interventions-Ausstellung widmet sich die Heidi Horten Collection dem Wiener Fotografen Ouriel Morgensztern, der in seiner Arbeit Ort das Museumsgebäude selbst zum Protagonisten macht. Seine Fotografien sind keine dokumentarischen Abbildungen, sondern subjektive, intime Erkundungen der Architektur.

Morgensztern richtet seinen Blick auf das Detail – auf Linien, Oberflächen, Spiegelungen und Schatten. Durch extreme Aus- und Anschnitte, durch das Spiel von Licht und Dunkel entstehen abstrakte Kompositionen, die zwischen Realität und Wahrnehmung oszillieren. Das Haus wird dabei zugleich sichtbar und entzogen: präsent und abwesend.

Diese Spannung zwischen Anwesenheit und Abwesenheit durchzieht Morgenszterns gesamtes Werk. Menschen und Kunstwerke, die das Museum beleben, erscheinen in seinen Bildern nur indirekt – als Nachhall, als Spur.

Auch in seinem jüngsten Projekt, in dem er den Wiener Drehorten des Filmklassikers Der dritte Mann folgt, greift er dieses Prinzip auf. Wie die Titelfigur Harry Lime, die lange Zeit unsichtbar bleibt und dennoch die Handlung bestimmt, sind auch die Räume der Heidi Horten Collection in seinen Fotografien zugleich da und nicht da.

So schafft Morgensztern in Ort eine stille, poetische Meditation über Raum, Wahrnehmung und Erinnerung – und macht sichtbar, was sich oft nur im Verborgenen zeigt.

Mehr unter: hortencollection.com

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Der japanische Künstler Takehito Koganezawa bringt in seiner Arbeit Zeichnung, Video, Installation und Performance in einen experimentellen Dialog. Als CoMuse Fellow und Artist in Residence der Abteilung für zeitgenössische Kunst arbeitet er derzeit eng mit Kerstin Pinther, dem Ethnologischen Museum und dem Museum für Asiatische Kunst zusammen.

Unter dem Titel „Eins auf Zwei, Zwei aus Eins“ präsentiert Koganezawa eine Einzelausstellung, die zentrale Themen seines Schaffens sichtbar macht: Raum, Zeit und Wahrnehmung. Zu sehen sind unter anderem die Videoinstallationen „Double Sisters“ (2022–) und „Divided Brothers“ (2022–) sowie das neue Werk „Exquisite Corpse“ (2025), das in einem Workshop mit Studierenden der Weißensee Kunsthochschule Berlin entstanden ist.

Koganezawas Arbeiten verbinden surrealistische Bildwelten mit spielerischen Prinzipien, die Zufall und Spontaneität bewusst einbeziehen. Seine konzeptuelle Praxis zielt darauf, das Fließen der Zeit und die Flüchtigkeit des Moments erfahrbar zu machen – zwischen Bewegung, Stillstand und Transformation.

Weitere Informationen zu seiner Arbeit und dem Projekt finden sich auf der Website von „Das Kollaborative Museum“, einer Initiative des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst.

Mehr unter: smb.museum

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Das Belvedere 21 widmet der österreichischen Künstlerin Maria Hahnenkamp im Frühjahr 2025 eine umfassende Ausstellung. Seit den späten 1980er-Jahren setzt sich Hahnenkamp kritisch mit dem Medium Fotografie auseinander – feministisch, konzeptuell und medienreflexiv.

Die Ausstellung zeigt rund 100 Werke – darunter Fotografien, Arbeiten auf Fotopapier, Diaprojektionen, Videos, Installationen und ortsbezogene Wandbohrungen – und thematisiert zentrale Aspekte ihres Schaffens: Leere, Raum, Handwerk und Ornament. Die Architektur von Walter Kräutler bildet dafür den räumlichen Resonanzraum.

Einblicke in ein wegweisendes Werk zwischen Konzeptkunst, Fotografie und Feminismus.
Begleitend erscheint ein zweisprachiger Katalog (Dt/Engl.) bei Walther König, gestaltet von Martha Stutteregger, mit Texten von Clara Bouveresse, Rainer Fuchs, Ruth Horak, Christin Müller und Stefanie Reisinger.

Mehr unter: belvedere.at

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Unerwartete Begegnungen, spielerische Experimente und die Kräfte der Natur – in Roman Signers Kunst entfaltet sich eine Welt voller Energie und Transformation. Der grosse Ausstellungssaal im Kunsthaus Zürich wird zu einer offenen Landschaft, in der Zeit, Bewegung und Material auf überraschende Weise miteinander in Dialog treten.

Seit mehr als fünf Jahrzehnten erprobt Roman Signer die Gesetze von Zeit, Raum und Energie – und das mit verblüffender Leichtigkeit. In seiner Kunst verwandeln sich Alltagsgegenstände wie Eimer, Flaschen oder Kajaks in Akteure unerwarteter, oft humorvoller Ereignisse. Was nüchtern und zweckmäßig wirkt, wird bei ihm zum Auslöser poetischer Transformationen.

Signer gilt als Meister der künstlerischen Experimentierfreude. Mit Neugier und einem spielerischen Blick auf die Welt kippt er gewohnte Ordnungen und eröffnet neue Perspektiven auf Schönheit und Kraft alltäglicher Dinge. Ob Explosionen, Strömungen oder das kontrollierte Spiel mit dem Zufall – seine Arbeiten sind zugleich präzise inszeniert und offen für das Unvorhersehbare.

Anders als viele seiner Zeitgenossen war Signer nie ein Atelierkünstler. Schon in den 1970er-Jahren, während eines Studienaufenthalts in Warschau, machte er die Straße zu seiner „Akademie“. Bis heute entstehen seine Werke bevorzugt in freier Natur oder in urbanen Räumen – dort, wo Kunst auf das Leben trifft.

Damit hat Roman Signer eine unverwechselbare Position innerhalb der zeitgenössischen Kunst entwickelt: Er ist ein Forscher des Alltäglichen, ein Dichter der Elemente, ein Künstler, der aus dem Unspektakulären das Spektakel formt.

Mehr unter: https://www.kunsthaus.ch

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Hanswerner Kirschmanns (*1954) bildhauerische Werke basieren auf mathematischen Prinzipien wie Subtraktion, Addition, Konstruktion und Wiederholungen, führen aber zu keiner eindeutigen Lösung. Seine Methode ist experimentell, und sein Formenrepertoire scheint grenzenlos. In über 25 Jahren künstlerischen Schaffens hat Kirschmann eine eigene, abstrakte und reduzierte Bildsprache entwickelt, die in ihrer Zurückhaltung dennoch kraftvoll wirkt. Seine Arbeiten aus Spanplatten und Sperrholz bewegen sich an der Grenze zwischen Zeichnung und Bildhauerei.

Trotz moderner technologischer Entwicklungen und künstlicher Intelligenz bleibt Kirschmann dem handwerklichen Aspekt seiner Kunst treu. Seine räumlichen Gebilde, die er durch eine konsequente innere Logik entwickelt, erinnern an Bekanntes, ohne es direkt zu repräsentieren. Diese Arbeiten sind das Ergebnis einer fortlaufenden „Grundlagenforschung“, bei der er das Verhältnis von Fläche zu Volumen, Volumen zu Raum und Raum zur Betrachter*in untersucht.

Weitere Informationen: Gerhard-Marcks-Haus Bremen

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Die Erforschung des Raums ist ein zentrales Thema in der künstlerischen Arbeit von Edit Oderbolz (*1966 in Stein am Rhein, wohnhaft in Basel). Ihre konzeptuellen Werke umfassen hauptsächlich Objekte, Raumzeichnungen und Installationen, die sie aus der unmittelbaren Umgebung und alltäglichen Architekturen ableitet. Ihr Fokus liegt dabei auf gesellschaftlichen Merkmalen und Strukturen. Ihre Arbeiten stellen stets kunstimmanente Fragen zu Zeichnung, Malerei, Form, Prozess und Vergänglichkeit.

Im Mittelpunkt der Ausstellung in der Kunsthalle Arbon steht die Auseinandersetzung mit dem architektonischen Raum. Oderbolz versteht diesen sowohl als physisch erfahrbaren Moment als auch als mentalen Gedankenraum. Zwei leichte Installationen bilden den Ausgangspunkt und rufen verschiedene Assoziationen hervor. Diese Installationen stehen in enger Beziehung zur umgebenden Halle und nehmen sowohl formalästhetische als auch inhaltliche Bezüge auf. Auf poetische Weise eröffnet die Ausstellung vielfältige Fragen zu räumlichen Bedingungen und deren Auswirkungen auf unser Handeln und Sein.

Produktion: arttv.ch

Mehr unter: kunsthallearbon.ch

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Eintreten, erkunden, erleben! Während virtuelle Formate das Museum im digitalen Raum erweitern, erhält das körperlich-sinnliche Erleben in der Ausstellung eine grössere Bedeutung. Die Ausstellung Total Space reflektiert diese Entwicklung und macht sie zugleich erlebbar: Fünf Designstudios haben dafür je einen eigenen Erlebnisraum entworfen. Ein Spiegelkabinett von Trix und Robert Haussmann, eine Raumlandschaft aus Licht und Farbe von Luftwerk, ein überdimensioniertes Kinderzimmer von Sucuk & Bratwurst, eine Säulenwald von Kueng Caputo und ein Raum in Bewegung von Soft Baroque lassen den Besuch dieser Ausstellung zu einer vielschichtigen Gesamtraumerfahrung werden.

Mehr unter: museum-gestaltung.ch

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Oben: # 1 Kosmos Wand

Die Ausstellung WÄNDE І WALLS fokussiert erstmals die wichtigsten Themenbereiche der künstlerischen Auseinandersetzung mit der Wand und präsentiert Arbeiten aus den letzten 50 Jahren. Drei Aspekte stehen dabei im Vordergrund: die Wand in ihrer Funktion des Ein- und Ausschließens, die Wand als soziales Konstrukt und die symbolische Bedeutung der weißen Wand des Ausstellungsraums.

Oben: #2: Die Wand rückt ins Bewusstsein

Wände stehen einerseits für den Schutz des Individuums, andererseits können sie einsperren und Zugang verwehren.

Oben: #3 Raum als soziales Konstrukt

Als raumbildendes Architekturelement bestimmen sie unsere Lebensräume mit und sind beteiligt an identitätsstiftenden Prozessen.

Oben: #4: Die weiße Ausstellungswand

Film
Mark Julien Hahn – markjulienhahn.de
Martin Mannweiler – martin-mannweiler.de
Sprecherin: Doro Wolfsberger – doavolland.de

Mehr unter: kunstmuseum-stuttgart.de

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