In der konstruktiv-konkreten Kunst wurde der menschliche Körper lange Zeit weitgehend ausgeblendet. Im Mittelpunkt standen die autonomen bildnerischen Mittel Linie, Farbe und Fläche. Figürliche Darstellungen galten als illusionistisch und damit als Gegensatz zu einer Kunst, die sich auf ihre eigenen formalen Gesetzmäßigkeiten konzentriert.

Die Gruppenausstellung „The Body Within Abstraction“ im Museum Haus Konstruktiv hinterfragt diese traditionelle Sichtweise mit acht international renommierten Künstler. Ihre Arbeiten zeigen, dass der Körper auch in minimalistisch reduzierter, nicht-figurativer Kunst eine zentrale Rolle spielen kann – als Maßeinheit, Erfahrung, Material und Ausgangspunkt künstlerischer Produktion.

Acht Positionen zwischen Körper und Abstraktion

Die Ausstellung versammelt Arbeiten von Heidi Bucher, Eva Fàbregas, Kimsooja, Dóra Maurer, Bruce Nauman, Steven Parrino, Chiharu Shiota und Franz West. Gemeinsam ist den unterschiedlichen Positionen die Frage, wie sich Körperlichkeit ausdrücken lässt, ohne den menschlichen Körper klassisch abzubilden. Stattdessen wird der Körper zum Instrument, mit dem Räume, Materialien und Formen erfahren werden.

Gleichzeitig markiert die Ausstellung eine Premiere für das Museum Haus Konstruktiv: Erstmals seit dem Umzug ins Löwenbräukunst-Areal werden sämtliche neuen Ausstellungsräume – Ost- und Westtrakt – gemeinsam bespielt. Mit „The Body Within Abstraction“ feiert das Museum zudem sein 40-jähriges Jubiläum.

Dóra Maurer: Den Körper vermessen

Ausgangspunkt der Ausstellung ist Dóra Maurers Filmarbeit Proportions von 1979 aus der Sammlung des Museums Haus Konstruktiv. Maurer untersucht darin systematisch die Proportionen ihres eigenen Körpers. Der menschliche Körper wird damit nicht als klassisches Motiv dargestellt, sondern dient als Maßstab und Ausgangspunkt einer abstrakten Untersuchung. Die Arbeit macht deutlich, wie eng geometrische Ordnung und körperliche Erfahrung miteinander verbunden sein können.

Bruce Nauman: Abstraktion wird körperlich

Besonders unmittelbar wird diese Idee in den Arbeiten von Bruce Nauman erfahrbar. Seine Arbeit Body Pressure von 1974 fordert die Besucher auf, den eigenen Körper gegen eine Wand zu drücken und dabei bewusst die Kontaktpunkte zwischen Körper und Oberfläche wahrzunehmen.

Skulptur wird hier nicht allein betrachtet, sondern körperlich erlebt. Das Kunstwerk entsteht in der Erfahrung und verändert sich mit jeder Person, die daran teilnimmt. Auch die Videoperformance Dance or Exercise on the Perimeter of a Square von 1967/68 verbindet geometrische Abstraktion mit körperlicher Anstrengung. Ein einfaches Quadrat wird zum Rahmen einer physischen Bewegung.

Heidi Bucher: Körper als tragbare Hülle

Heidi Buchers Bodyshells von 1972, in der Ausstellung als Repliken von 2024 zu sehen, bestehen aus Schaumstoff, der mit Perlmuttfarbe gestaltet wurde. Die voluminösen Objekte können als Körperhüllen getragen werden. Ursprünglich waren sie Teil einer gefilmten Performance in Venice Beach. Tastend und schwerfällig bewegten sich die an Meereswesen oder Science-Fiction-Kreaturen erinnernden Formen vom Pazifik auf den Strand zu.

Zur Eröffnung von „The Body Within Abstraction“ wird die Performance Bodyshells erstmals in der Schweiz gezeigt. Am 18. Dezember 2026 sollen sie im Rahmen des 40-jährigen Museumsjubiläums erneut in Bewegung gesetzt werden.

Steven Parrino: Körperliche Energie auf der Leinwand

Auch bei Steven Parrino wird Körperlichkeit zu einem entscheidenden Bestandteil des künstlerischen Prozesses. Der Künstler, der in den 1980er- und 1990er-Jahren neben seiner Tätigkeit als bildender Künstler auch Musiker der New Yorker Szene war, übertrug Rhythmus und physische Energie unmittelbar auf seine Leinwände.

In Push up – pull down – push up – pull down von 1987 wird die monochrome schwarze Leinwand gespannt, zerknittert und unter Druck gesetzt. Das Bild erscheint damit nicht länger als statische Fläche, sondern als Spur einer körperlichen Handlung, die bis an die Grenze der Zerstörung führt.

Franz West, Chiharu Shiota, Kimsooja und Eva Fàbregas

Weitere Arbeiten zeigen, wie unterschiedlich Körperlichkeit in abstrakter Kunst erscheinen kann. Franz Wests tragbare Passstücke beziehen den Körper unmittelbar in die künstlerische Erfahrung ein. Die Skulptur wird zu einem Objekt der Interaktion und verändert ihre Bedeutung durch die körperliche Begegnung.

Chiharu Shiotas raumgreifende Fadeninstallation Endless Connections macht Verbindungen, Bewegung und räumliche Wahrnehmung körperlich erfahrbar. Die textilen Bottari von Kimsooja greifen Fragen nach Körper, Material und Bewegung auf, während Eva Fàbregas mit ihren aus Latex gefertigten Exudates organisch wirkende Formen schafft, die zwischen Skulptur, Körper und abstrakter Form angesiedelt sind.

Abstrakte Kunst neu denken

„The Body Within Abstraction“ zeigt, dass Abstraktion keineswegs körperlos sein muss. Der Körper kann als Maßstab, Werkzeug, Material, Bewegung und Erfahrung in ein Kunstwerk eingehen, ohne selbst abgebildet zu werden.

Die Ausstellung eröffnet damit einen neuen Blick auf die Geschichte der konstruktiv-konkreten und minimalistischen Kunst. Sie fragt danach, wie körperliche Erfahrungen in abstrakten Formen sichtbar werden – und fordert zugleich dazu auf, die Grenzen zwischen Skulptur, Raum, Bewegung und eigener Wahrnehmung neu zu denken.

Mit acht unterschiedlichen künstlerischen Positionen verbindet das Museum Haus Konstruktiv historische Fragestellungen mit zeitgenössischen Perspektiven und feiert zugleich vier Jahrzehnte Museumsgeschichte.

Mehr unter: hauskonstruktiv.ch

Der Beitrag Wie der menschliche Körper die abstrakte Kunst prägt. “The Body Within Abstraction” im Museum Haus Konstruktiv erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Vom 15. August bis 27. September 2026 zeigt die Kunsthalle Wil die Ausstellung „Das Surren trägt Hufe“ von Myriam Gämperli. Zwischen Skulptur, Performance, Malerei und Installation entwickelt die Zürcher Künstlerin hybride Bildwelten, in denen gewohnte Ordnungen ins Wanken geraten.

Die Arbeiten von Myriam Gämperli bewegen sich zwischen Vertrautem und Irritation. In Anlehnung an die surrealistische Tradition des Arrangements verbindet die Künstlerin unterschiedliche Materialien, Körper und Motive zu eigensinnigen Szenen. Dabei entsteht ein augenzwinkernder Charme, der ihre Inszenierungen ebenso prägt wie die Frage, was als normal, schön oder eindeutig wahrgenommen wird.

Für ihre Arbeiten schafft Gämperli Räume, in denen bestehende Hierarchien außer Kraft gesetzt werden. Die Schwerkraft scheint aufgehoben, Körper lösen sich aus ihren gewohnten Grenzen und Identitäten bleiben bewusst beweglich. Häufig tritt die Künstlerin selbst als hybrides Wesen auf – irgendwo zwischen Objekt und Subjekt.

Zwischen Körper, Natur und urbanem Raum

Die skulpturale Performance wird bei Gämperli zum Werkzeug, um unterschiedliche Identitäten anzunehmen und körperliche Vorstellungen neu zu verhandeln. Ihre Figuren bewegen sich dabei entlang der Themenfelder Natur, Geschlecht und Schönheit. Eindeutige Zuordnungen werden vermieden, stattdessen entstehen Mischformen, die sich einer festen Definition entziehen.

Die bühnenartigen Szenarien speisen sich aus dem Alltag der Künstlerin, der zwischen dem urbanen Zürich und der Natur in Bettens SG verläuft. Diese unterschiedlichen Lebenswelten finden Eingang in Collagen, Malereien, Installationen, Performances und Tänze. Gegensätze treffen aufeinander und werden zu wiederkehrenden Motiven ihres künstlerischen Vokabulars.

Dabei spielt auch Gämperlis eigene Biografie eine Rolle. Aufgewachsen in einem kleinen Weiler mit rund 75 Einwohner und später in Städten wie London, Berlin und Zürich lebend, kennt sie sehr unterschiedliche soziale und kulturelle Räume. Begegnungen mit Randgruppen und Subkulturen an den Schnittstellen von Kunst und Brauchtum haben ihre Perspektive nachhaltig geprägt.

Zwischen Verwandlung und Widerstand

„Das Surren trägt Hufe“ lässt sich damit als eine Einladung zur Verwandlung lesen. Gämperlis Arbeiten stellen vertraute Kategorien infrage, ohne sie durch neue, ebenso starre Definitionen zu ersetzen. Stattdessen entstehen offene Zwischenräume, in denen Körper, Rollen und Materialien ihre gewohnten Funktionen verlieren können.

Der Ausstellungstitel selbst verweist auf diese poetische Verschiebung: Etwas Unsichtbares bekommt Körperlichkeit, etwas Vertrautes wird in eine ungewohnte Beziehung gesetzt. Genau aus solchen Brüchen entwickelt Myriam Gämperli ihre surreal anmutenden Szenarien.

Produktion: arttv.ch
Mehr unter: kunsthallewil.ch

Der Beitrag „Das Surren trägt Hufe“ – Myriam Gämperli in der Kunsthalle Wil erschien zuerst auf museumsfernsehen.

m Kunsthaus Hamburg bricht der Künstler Daniel Hopp gewohnte Machtstrukturen auf. Sein Projekt „Fictional Healing“ führt an die sozialen Brennpunkte Deutschlands und stellt eine radikale Frage: Was passiert, wenn man Drogenabhängigen nicht Hilfe, sondern die Regie über ihr eigenes Leben anbietet?

Daniel Hopp arbeitet dort, wo die Orientierung schwindet. An der Schnittstelle von Performance, Video und Film sucht er Orte auf, an denen gängige Kategorien versagen. Für seine aktuelle Ausstellung im Kunsthaus Hamburg begab er sich gemeinsam mit seiner Produzentin Anja Kovic an die Drogenhotspots von Berlin, Hamburg und München. Doch er kam nicht als Dokumentarfilmer im klassischen Sinne – er kam als Käufer von Zeit.

Vom Konsum zur Kreation

Der Kern von „Fictional Healing“ ist ein ebenso simpler wie provokanter Tausch: Hopp kaufte die „Spielzeit“ von Menschen, die im harten Kreislauf der Beschaffungskriminalität gefangen sind. In einer Welt, in der Zeit fast ausschließlich der Droge gewidmet ist, schuf dieses Honorar einen Freiraum für etwas völlig anderes: die Fiktion.

Die Betroffenen wurden nicht als Subjekte einer Reportage betrachtet, sondern als Autorinnen und Autoren angestellt. Sie entwickelten Szenen, artikulierten Fantasien und schlüpften in die Rolle der Regie, um professionelle Schauspieler anzuleiten. „Es war ein Versuch, punktuell etwas zu verändern“, erklärt Hopp im Video zur Ausstellung. Indem der Fokus kurzzeitig von der Substanz weg auf das kreative Schaffen gelenkt wurde, verschoben sich die Machtverhältnisse fundamental.

Transparenz der Macht

Hopp selbst bleibt dabei kein unbeteiligter Beobachter. In seinen Arbeiten übernimmt er oft mehrere Rollen, die im Prozess auch scheitern oder zusammenbrechen dürfen. Er macht keinen Hehl daraus, dass auch er Teil der bestehenden Strukturen ist. Statt die eigene Machtposition zu verschleiern, macht er sie sichtbar und thematisiert die Distanz zu den oft sehr persönlichen und nahen Themen.

Die Architektur der Sucht

Die Ausstellung im Kunsthaus ist als räumliche Erfahrung konzipiert. Die Architektur orientiert sich an öffentlichen Orten wie dem „Drop-in“. Im vorderen Teil der Halle dokumentieren Filme die ersten Berührungspunkte und die gemeinsame Ideenentwicklung. Besonders eindringlich: KI-generierte Bilder bringen die Visionen der Beteiligten in den Raum, bevor der Rundgang in einer großen Projektion gipfelt. Dieser finale Film ist eine Verdichtung aller in monatelanger Arbeit gesammelten Fantasien – ein „Fictional Healing“, das die Realität nicht leugnet, aber durch die Kraft der Erzählung für einen Moment aufbricht.

Mehr unter: kunsthaushamburg.de

Der Beitrag Fictional Healing: Wenn Fantasie zur Währung wird – Daniel Hopp im Kunsthaus Hamburg erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die große Werkschau von Ashley Hans Scheirl im Belvedere 21 spannt einen eindrucksvollen Bogen von den 1970er-Jahren bis in die Gegenwart – mit neuen, eigens für die Ausstellung entstandenen Arbeiten.

Seit den späten 1970er-Jahren hat Scheirl ein vielseitiges, genreübergreifendes Œuvre geschaffen. Mit ihren auf Super 8 gedrehten Filmen zählt die heute international renommierte Künstlerin zu den **Pionierinnen der queer-feministischen und transgender Gegenkultur**. Die zwanzigjährige Film-, Performance- und Soundpraxis kulminierte in den beiden experimentellen Spielfilmen Rote Ohren fetzen durch Asche aka Flaming Ears (1992) und Dandy Dust (1998).

In den 1990er-Jahren verlagerte sich Scheirls Fokus auf die Malerei, die seither zu ihrem zentralen Ausdrucksmittel geworden ist. In einer vielschichtigen Auseinandersetzung mit der Kunstgeschichte und unter Einbeziehung unterschiedlicher Bildsprachen und Genres untersucht Scheirl Fragen von Identität, Körper und Begehren. Dabei treffen Abstrakter Expressionismus, Fotorealismus, dunkle Romantik, Pop Art, Bad Painting und Surrealismus aufeinander.

Einflüsse aus Splatterfilm, Wiener Aktionismus, Donna Haraways Cyborg-Theorie und der literarischen Pornografie Georges Batailles prägen die Werke ebenso wie ein beißender Humor, mit dem Scheirl das neoliberale Wirtschaftssystem und seine sozialen Konstruktionen von Gender, Sexualität und Macht satirisch reflektiert.

Kuratiert von: Sergey Harutoonian
Assistenzkuratorin: Andrea Kopranovic

Mehr unter: belvedere.at

Der Beitrag Ashley Hans Scheirl. Retrospektive im Belvedere 21 (Serie) erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Marina Abramović im Gespräch mit Kuratorin Bettina Busse (Audio). Aufzeichnung vom 19 Oktober 2025.

Marina Abramović im Lange Ohren Podcast

In dieser Folge erzählt Marina Abramović von ihrem Weg durch fünf Jahrzehnte Performancekunst, von frühen Arbeiten, in denen Schmerz, Risiko und strenge Selbsterforschung dominierten, bis hin zu aktuellen Werken, die Offenheit, Achtsamkeit und die Kraft menschlicher Nähe feiern.

Ralph Gleis über die Ausstellung Marina Abramović in der Albertina Modern

Marina Abramović (geboren 1946 in Belgrad) ist eine der einflussreichsten zeitgenössischen Künstlerinnen und gilt als Begründerin der modernen Performancekunst. Mit ihren legendären Auftritten hat sie Kunstgeschichte geschrieben. Von ihren Anfängen im Belgrad der 1970er-Jahre bis zu einer über fünf Jahrzehnte währenden Karriere hat Abramović die Performance fest als zentrales Genre der bildenden Kunst etabliert.

Kuratorin Bettina Busse über die Ausstellung Marina Abramović in der Albertina Modern

Für die Marina-Abramović-Retrospektive gestaltete Kuratorin Bettina Busse gemeinsam mit der Künstlerin Räume, die jeweils einem bestimmten Thema gewidmet sind – etwa Partizipation, Kommunismus, körperliche Grenzen, Energie aus der Natur oder Erleuchtung. Begleite sie in diesem Video durch die Ausstellung und durch die wichtigsten Werke von Marina Abramović.

Produktion: CastYourArt

Mehr unter: albertina.at

Der Beitrag Marina Abramović Restrospektive in der Albertina Modern erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Mit KOSMOS[KA·OS] eröffnet das Kunsthaus Zofingen am 15. November 2025 eine spartenübergreifende Gruppenausstellung, die den faszinierenden Grenzbereich zwischen Ordnung und Unordnung, Mikro- und Makrokosmos beleuchtet. Bis zum 22. Februar 2026 lässt die Schau Besucherinnen und Besucher in eine künstlerische Raum-Zeitreise eintauchen, die Strukturen, Zufall und die Fragilität komplexer Systeme erfahrbar macht.

Die Ausstellung knüpft an eine von der freien Kuratorin Claudia Waldner initiierte Projektreihe an, die 2023/24 im deutschen Schloss Gleina entstand. KOSMOS[KA·OS] begann als internationales Residenzprogramm für dreißig Kunstschaffende und entwickelte ein Netzwerk kollektiver Recherche – von einem Pre-Meeting am Gotthard bis zur ersten großen Ausstellung in Gleina.

Für die Präsentation in Zofingen hat Eva Bigler, Künstlerische Leiterin des Kunsthauses, zusammen mit Waldner eine neue Auswahl getroffen. Dreizehn Positionen aus Deutschland und der Schweiz zeigen, wie unterschiedlich Künstlerinnen und Künstler das Verhältnis von Klarheit und Störung, Struktur und Chaos interpretieren – in Medien wie Installation, Video, Skulptur, Zeichnung und Performance.

Mit dabei sind:
Ruth Baettig, Eva Borner, Daniel Bracher, Costantino Ciervo, Davina Andrea Deplazes, Lea Fröhlicher, Manuela Hartel, Victorine Müller, Ursula Palla, sarnawirz (Katarina Sarnowski / Roger Wirz), Tanja Nittka, Barbara Schmitz-Becker und Paula Wolber.

KOSMOS[KA·OS] entsteht in Kooperation mit Schloss Gleina (D), dem Sasso San Gottardo, dem Dienstraum, dem Kunstmuseum Olten und dem Museum Zofingen – ein Kulturprojekt, das Grenzen überschreitet und Fragen nach unserer Ordnung der Welt neu stellt.

Produktion: arttv.ch

Mehr unter: kunsthauszofingen.ch

Der Beitrag KOSMOS[KA·OS] im Kunsthaus Zofingen erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Ausstellung im Industriemuseum Chemnitz | 23. September – 14. November 2025

Der Blaumann ist mehr als ein Kleidungsstück – er ist Symbol und Spiegel gesellschaftlicher Veränderung. Ob als praktische Arbeitskleidung oder modisches Designerstück: In „Metamorphosis of Workwear“ wird er zur künstlerischen Projektionsfläche industrieller Identität.

Das europäische Creative-Europe-Projekt verbindet sechs Städte mit einer gemeinsamen Geschichte: Chemnitz, Gabrovo, Łódź, Manchester, Mulhouse und Tampere – Orte, die einst durch Industrie aufblühten und seither im Strukturwandel neue Wege suchen.

18 Künstler*innen aus diesen „europäischen Manchestern“ reisen durch Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft ihrer Städte. Aus Begegnungen, Stadtspaziergängen und Gesprächen entstehen textile Kunstwerke, die klassische Arbeitskleidung – Blaumänner, Kittel, Nylonschürzen – in ästhetische und gesellschaftliche Statements verwandeln.

Unter der künstlerischen Leitung von Wiete Sommer, Designerin und Kuratorin aus Dresden, verschränken sich Mode, Kunst und soziale Fragen zu einem interdisziplinären Dialog über Arbeit, Geschlecht, Nachhaltigkeit und Zugehörigkeit.

Von Januar bis Juni 2025 entstehen in allen sechs Städten einzigartige textile Arbeiten, inspiriert vom industriellen Erbe und den Stimmen der Menschen vor Ort. Der Höhepunkt des Projekts ist eine Performance im Industriemuseum Chemnitz am 20. September 2025, gefolgt von einer Ausstellung, die anschließend in Łódź und Gabrovo gezeigt wird.

„Metamorphosis of Workwear“ ist mehr als eine Schau über Kleidung – es ist ein europäisches Gespräch über Arbeit, Wandel und kulturelle Identität. Koordiniert vom Industriemuseum Chemnitz im Rahmen der Europäischen Kulturhauptstadt Chemnitz 2025 und gefördert durch die EU, lässt das Projekt Arbeitskleidung neu sprechen – und mit ihr die Geschichten der Städte, die Europa mit aufgebaut haben.

Mehr unter: www.industriemuseum-chemnitz.de

Der Beitrag Metamorphosis of Workwear – Kunst, Mode und Industriekultur im Wandel erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Erste Einzelausstellung in Österreich · Weltmuseum Wien

Mit Calabash Nebula präsentiert das Weltmuseum Wien die erste Einzelausstellung der multidisziplinären Künstlerin, Aktivistin und Heilerin Tabita Rezaire (*1989, Paris) in Österreich. Rezaire, die heute in Französisch-Guyana lebt, verbindet in ihrer Arbeit digitale Technologien mit spirituellen, indigenen und nicht-westlichen Wissenssystemen. Ihre künstlerische Praxis versteht sich als dekoloniale Heilstrategie: Sie hinterfragt, wie neo-koloniale Machtstrukturen unser Verständnis von Wissen, Körper und Kosmos prägen.

In Videoarbeiten, Installationen und Performances schafft Rezaire Brücken zwischen Vergangenheit und Zukunft, Wissenschaft und Mystik, Technologie und Natur. Ihre Werke eröffnen Räume für kollektive Erinnerung, Heilung und Transformation – und rufen dazu auf, Spiritualität und Technologie als gleichwertige Wissensformen zu denken.

Die Ausstellung vereint drei zentrale Arbeiten aus dem Jahr 2024:

• OMI: Yemoja Temple und Omo Elu, zwei Installationen, die der westafrikanischen Orisha Yemoja, der Muttergottheit der Flüsse und Ozeane, gewidmet sind.
• Des/astres, eine Arbeit, die sich mit den astronomischen Traditionen des Amazonasgebiets und der geopolitischen Bedeutung Französisch-Guyanas als Standort des europäischen Weltraumprogramms auseinandersetzt.

Die Ausstellung im Weltmuseum Wien entstand in enger Zusammenarbeit mit den beteiligten Künstler*innen und basiert auf Kooperationen mit Institutionen in Madrid, Paris und Berlin.

• Die drei Werke wurden zunächst in der Ausstellung Tabita Rezaire. Calabash Nebula (Thyssen-Bornemisza National Museum, Madrid, 2024, kuratiert von Chus Martínez) präsentiert.
• Anschließend war Des/astres (2025) im Rahmen des Open Space-Programms der Fondation Louis Vuitton, Paris, zu sehen (Kurator*innen: Claudia Buizza, Ludovic Delalande).
• OMI: Yemoja Temple wurde zuvor in der Ausstellung Tabita Rezaire x Yussef Agbo-Ola. Omi Libations (Schering Stiftung, Berlin, 2024, kuratiert von Christina Landbrecht) gezeigt.

Mehr unter: www.weltmuseumwien.at

Der Beitrag Tabita Rezaire – Calabash Nebula – Cosmological Tales of Connection erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Bedingt Physisch bringt zwei künstlerische Positionen in einen intensiven Dialog über Körperlichkeit, Materialität und gesellschaftliche Imaginationen. Zwischen Anziehung und Irritation, Innen und Außen, Intimität und sozialer Prägung entsteht ein spannungsvolles Feld, das spürbar ist – doch nie eindeutig greifbar.

Die gezeigten Arbeiten befragen das Physische als etwas zugleich Fragiles und Formbares. Sie eröffnen neue Perspektiven auf den Körper als Ort persönlicher Erfahrung, gesellschaftlicher Zuschreibungen und kultureller Bedeutungen – und laden dazu ein, über die Grenzen des eigenen Wahrnehmens und Empfindens hinauszudenken.

Mehr unter: www.museumbickel.ch

Der Beitrag Bedingt Physisch – Eine Ausstellung über Körper, Material und kollektive Vorstellungen im Museum Bickel erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Der japanische Künstler Takehito Koganezawa bringt in seiner Arbeit Zeichnung, Video, Installation und Performance in einen experimentellen Dialog. Als CoMuse Fellow und Artist in Residence der Abteilung für zeitgenössische Kunst arbeitet er derzeit eng mit Kerstin Pinther, dem Ethnologischen Museum und dem Museum für Asiatische Kunst zusammen.

Unter dem Titel „Eins auf Zwei, Zwei aus Eins“ präsentiert Koganezawa eine Einzelausstellung, die zentrale Themen seines Schaffens sichtbar macht: Raum, Zeit und Wahrnehmung. Zu sehen sind unter anderem die Videoinstallationen „Double Sisters“ (2022–) und „Divided Brothers“ (2022–) sowie das neue Werk „Exquisite Corpse“ (2025), das in einem Workshop mit Studierenden der Weißensee Kunsthochschule Berlin entstanden ist.

Koganezawas Arbeiten verbinden surrealistische Bildwelten mit spielerischen Prinzipien, die Zufall und Spontaneität bewusst einbeziehen. Seine konzeptuelle Praxis zielt darauf, das Fließen der Zeit und die Flüchtigkeit des Moments erfahrbar zu machen – zwischen Bewegung, Stillstand und Transformation.

Weitere Informationen zu seiner Arbeit und dem Projekt finden sich auf der Website von „Das Kollaborative Museum“, einer Initiative des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst.

Mehr unter: smb.museum

Der Beitrag Takehito Koganezawa – Eins auf Zwei, Zwei aus Eins erschien zuerst auf museumsfernsehen.