Münzbilder zählen zu den kleinsten Porträts der Welt. Auf engstem Raum zeigen sie detailgetreue Brustbilder – meist im Profil. Die Kleinheit der Münzporträts erfordert nicht selten eine symbolkräftige Bildsprache. Die dargestellten Frisuren, Kleidungsstücke und Accessoires sind mehr als ästhetisches Beiwerk, sie sind ein Spiegel des Zeitgeistes und ein Fenster in die Kultur vergangener Epochen.

Die Ausstellung Kopf & Kragen präsentiert über hundert Münzporträts aus kulturhistorischer Perspektive und zeigt Fashion und Lifestyle aus mehreren Jahrtausenden.

Mehr unter: khm.at

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Was ist schön – und wer entscheidet das eigentlich?
Die neue Ausstellung im LWL-Museum Textilwerk widmet sich auf über 600 m² der mächtigen und milliardenschweren Schönheitsindustrie, die längst weit über Kosmetik hinausreicht.

Zwischen Ideal und Inszenierung

Ob Mode, Make-up, Chirurgie, Ernährung, Sport oder Düfte – Schönheitsversprechen sind allgegenwärtig. Die Ausstellung zeigt, wie:

• Trends entstehen und sich global verbreiten
• Werbung, Medien und Social Media unser Schönheitsbild prägen
• Schönheitsnormen sich historisch und kulturell verändert haben
• Menschen versuchen, sich diesen Normen anzupassen – oder sie zu hinterfrage

Interaktiv, kritisch, überraschend

Anhand zahlreicher interaktiver Stationen, Originalobjekte, Medieninstallationen und Designbeispiele wird deutlich, wie eng Schönheitsideale mit Konsum, Macht, Körperbildern und Identität verknüpft sind.

Besuchende können u. a.:

• ihre eigenen Körperbilder mit historischen Idealen vergleichen
• Influencer-Strategien unter die Lupe nehmen
• Werbung aus verschiedenen Jahrzehnten analysieren
• über Körperoptimierung, Genderfragen und Schönheitsdruck diskutieren

Eine Branche mit Milliardenumsatz

Die Ausstellung nimmt auch die wirtschaftliche Seite der Schönheit unter die Lupe:
Mit über 500 Milliarden US-Dollar Jahresumsatz ist die globale Schönheitsindustrie ein Schlüsselakteur des Konsumzeitalters – mit ebenso viel Einfluss wie Verantwortung.

Mehr unter: textilwerk.lwl.org

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Die Ausstellung “Rico Puhlmann. Fashion Photography 50s – 90s” im Berliner Museum für Fotografie bietet einen umfassenden Einblick in das vielseitige Schaffen des Berliner Modefotografen und Illustrators. Über vier Jahrzehnte hinweg prägte Puhlmann mit seinen Zeichnungen und Fotografien die Bildsprache renommierter Modemagazine wie “Brigitte”, “petra”, “Constanze” sowie international “Vogue”, “Harper’s Bazaar”, “Glamour” und “GQ”. Vor seiner Kamera posierten die bekanntesten Models ihrer Zeit: Gloria Friedrich und Gitta Schilling, Cheryl Tiegs und Jerry Hall, Cindy Crawford und Naomi Campbell. Seine Werke zierten zahlreiche Titelbilder und füllten Doppelseiten in den Magazinen.

Seinen Einstieg in die Modewelt fand Puhlmann als Illustrator in seiner Heimatstadt Berlin. In den Nachkriegsjahren erlebte die Berliner Modeszene einen neuen Aufschwung. Puhlmann wurde bald von Modehäusern engagiert, um deren Entwürfe nicht nur zeichnerisch, sondern zunehmend auch fotografisch umzusetzen. Gemeinsam mit Fotografen wie F. C. Gundlach, Regi Relang und Helmut Newton prägte er das Bild der westdeutschen Mode um 1960.

Die Mode der 1960er-Jahre war geprägt von Op- und Pop-Art, Raumfahrteuphorie und dem Londoner Swinging Sixties-Stil. Diese Trends beeinflussten nicht nur die Kleiderformen und Stoffmuster, sondern auch die Modefotografie. Redaktionen schickten Fotografen zunehmend an entlegene Orte, um neue Bildwelten zu erschaffen. Fortschritte in der Technik wie Blitzlicht, Farbfilm und Polaroid erweiterten dabei die gestalterischen Möglichkeiten.

Mit dem Niedergang der gehobenen Berliner Modeindustrie entschied sich Puhlmann 1970 für einen Neuanfang in New York. Dort fand er rasch Anschluss: Magazine wie “Glamour” und “Harper’s Bazaar” zählten bald zu seinen Auftraggebern. Parallel dazu drehte er Modefilme für das “Modejournal” des Senders Freies Berlin und trug damit maßgeblich zur Etablierung des “American Look” in Europa bei.

In New York avancierte Puhlmann Mitte der 1970er-Jahre zum gefragten Modefotografen. Seine Bilder erzählen von Freiheit und Spontaneität. Starre Posen und kultivierte Großstadtszenen wichen natürlicher Bewegung und ungekünstelter Nähe. Besonders in Cheryl Tiegs und Patti Hansen fand Puhlmann ideale Partnerinnen, um dieses neue Lebensgefühl fotografisch umzusetzen.

Bis Anfang der 1990er-Jahre arbeitete Puhlmann kontinuierlich für “Harper’s Bazaar” und trug mit seiner Bildsprache zu einem veränderten Frauenbild bei, das sich durch Selbstbewusstsein und Unabhängigkeit auszeichnete. Ab 1980 erhielt er zudem Exklusivaufträge für die “Fashions of the Times”, ein Modemagazin der “New York Times”. Mit feinsinniger Bildsprache dokumentierte er dort auch das neue Selbstverständnis des modernen Mannes.

Der Arbeitsprozess Puhlmanns wandelte sich im Laufe der Jahre. In den frühen Jahren bestimmte er nahezu alle Aspekte seiner Fotoshootings selbst – von der Modelauswahl bis zur Bildkomposition. Später war er Teil immer größerer Teams aus Redakteuren, Stylisten und Visagisten.

Rico Puhlmann verstarb 1996 bei einem Flugzeugabsturz. Ein Bildband über sein Werk war bereits in Planung, und auch eine Rückkehr nach Berlin als Hochschuldozent stand zur Debatte. Trotz seiner langjährigen Karriere hatte Puhlmann bis zuletzt neue Ideen und Ziele.

Die Ausstellung präsentiert Exponate aus dem umfangreichen Werkarchiv Puhlmanns, das von seinem Bruder Klaus Puhlmann und dessen Frau Anne betreut wird. Kuratiert wird die Schau von Dr. Britta Bommert, Leiterin der Sammlung Modebild der Kunstbibliothek in Berlin, und Hans-Michael Koetzle aus München. Begleitend erscheint ein umfangreicher Katalog mit Beiträgen von namhaften Autorinnen und Autoren aus der Kunst- und Modewelt.

Mehr unter: www.smb.museum

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Textile Manifeste: Zwischen Struktur und Freiheit

Die Ausstellung “Textile Manifeste – Von Bauhaus bis Soft Sculpture” im Museum für Gestaltung Zürich präsentiert ein beeindruckendes Spektrum textiler Kunst. Verspielte Fransen treffen hier auf klare Formen, flächige Stickereien auf plastische Objekte. Die gezeigten Werke reichen von geometrisch geordneten Flächenstrukturen bis hin zu freien, raumgreifenden Formen.

Anonyme Arbeiten stehen dabei gleichberechtigt neben bekannten Positionen wie Gunta Stölzl und Elsi Giauque. Diese unerwarteten Nachbarschaften schaffen spannende Verbindungen zwischen verschiedenen Epochen und zeigen erstaunliche Parallelen in gestalterischen Ansätzen.

Allen Exponaten gemeinsam ist ihre starke gestalterische Handschrift, die einen Hauch von Magie ausstrahlt. Manche Werke transportieren zudem leise aktivistische Botschaften, die die Anziehungskraft der textilen Objekte verstärken.

Vereint durch das weiche Material und handwerkliche Techniken verweben sich die Ausstellungsstücke zu einem faszinierenden Gesamterlebnis, das berührt und nachwirkt.

“Textile Manifeste – Von Bauhaus bis Soft Sculpture” 14. Februar bis 13. Juli 2025 Museum für Gestaltung Zürich, Ausstellungsstrasse 60, 8005 Zürich

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Die weltweit erste Ausstellung „Glitzer“ feiert die Freude am Material und zeigt ab 28. Februar 2025 rund 40 internationale zeitgenössische Positionen zwischen Kunst, Performance und Empowerment. Zur Ausstellung findet ein umfangreiches Rahmenprogramm statt.

Glitzer funkelt und flirrt, fasziniert und empört. Es ist auf Bühnen ebenso zu finden wie auf Protestplakaten und in Kinderzimmern. Glitzer ist omnipräsent – und doch ist das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) weltweit das erste Haus, das diesem Material eine Ausstellung widmet. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf Glitzer als Symbol für Zugehörigkeit, Empowerment und Selbstbestimmung und beleuchtet den Einsatz in politischen Kontexten und kollektiven Bewegungen. Rund 40 internationale Positionen aus Kunst und Gestaltung widmen sich Glitzer als Ausdruck der Freude an gesellschaftlicher Vielfalt und kollektiver Ausgelassenheit, als Mittel des Protests, der Performance und Popkultur, als Symbol der Sichtbarmachung marginalisierter Gruppen und des Widerstands gegen Körpernormen. Gezeigt werden unter anderem ein glitzerndes Jugendzimmer der Hamburger Künstlerin Jenny Schäfer, Fotografien von Quil Lemons, Skateboards von Mickalene Thomas, GIFs von Molly Soda, Show-Perücken der Hamburger Designer Karl Gadzali und Mohamad Barakat-Götz für Olivia Jones und ein Bühnenoutfit von Bill Kaulitz. Ab Juni 2025 wird die Ausstellung mit der Rauminstallation „Puff Out“ des türkisch-belgischen Duos :mentalKLINIK um 300 Quadratmeter fuchsiafarbenen Glitzer erweitert.

“Glitzer ist das Lebensgefühl einer diversen Gesellschaft und ein Symbol für Zugehörigkeit und Willkommensein. Die Ausstellung feiert die Freude an Glitzer – als Material der Gestaltung, als Mittel des individuellen Ausdrucks und als gesellschaftliches Phänomen.” Tulga Beyerle, Direktorin des Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg

Besucher*innen sind immer wieder eingeladen, sich zu beteiligen – sei es im Vorfeld der Ausstellung mit der Einsendung von privaten Lieblingsobjekten, durch Ergänzungen wichtiger Glitzer-Ereignisse in einer funkelnden Timeline zur Geschichte des Materials oder selbst gestaltend im D.I.Y.-Raum. Der Vorverkauf für Glitzer-Tickets und Gutscheine hat bereits begonnen, erhältlich unter tickets.mkg-hamburg.de.

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Luxus kann vieles bedeuten, aber meistens handelt es sich um etwas Besonderes, das sich vom Alltäglichen abhebt. Genauso ein besonderer Schatz ist dieser Vorstecker aus dem 18. Jahrhundert, den unsere Sammlungsleiterin Dr. Adelheid Rasche in diesem Video vorstellt. Der Vorstecker, auch „Pièce d’estomac“ genannt, beeindruckt durch seine aufwendige Silberstickerei, zarte Klöppelspitze und ein farbenfrohes Blumendesign.

In dem Video erklärt die Mode- und Textilhistorikerin die kunstvolle Herstellung der prachtvollen Silberstickerei, die Mustervorlagen und die Bedeutung dieses luxuriösen Accessoires in der historischen Mode. Erfahre, warum dieser Vorstecker so wertvoll ist und wie er ins Germanische Nationalmuseum kam.

Aktuell befindet sich der Vorstecker in unserem Depot. Mehr Informationen findest du in unserem Online-Objektkatalog unter: objektkatalog.gnm.de

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Könnten dies die berühmtesten Schuhe sein, die je hergestellt wurden?

Begleiten Sie die Kuratorin Elisabeth Murray, wenn sie genau das Paar Vivienne Westwood Plateauabsätze auspackt, das Supermodel Naomi Campbell trug, als sie 1993 auf dem Laufsteg stürzte. Entschlossen und unverwüstlich setzte Campbell die Show fort und weigerte sich trotzig, den Gehstock zu benutzen, den man ihr zum Ausbalancieren gegeben hatte, und hielt ihn stattdessen an ihrer Taille fest.

Sehen Sie sich an, wie Elisabeth die Absätze vorsichtig auspackt und sie von innen und außen untersucht, um die persönliche Note zu enthüllen, die sie zu Naomis Schuhen macht, bevor sie uns von der Geschichte der Plateauschuhe erzählt, die (unglaublich?!?!) bis ins 16. Jahrhundert zurückreicht!

Unboxing the most famous shoes in the world? | Naomi Campbell’s platform heels by Vivienne Westwood

Could these be the most famous shoes ever made?

Join curator Elisabeth Murray as she unboxes the exact pair of Vivienne Westwood platform heels worn by supermodel Naomi Campbell when she famously fell on the runway in 1993. Determined and resilient, Campbell remarkably carried on with the show, defiantly refusing to use the walking stick given to her for balance, and instead holding it at her waist.

Watch as Elisabeth carefully unboxes the heels and examines them inside and out, revealing the personal touches which make them no other than Naomi’s, before telling us about the history of platform shoes, which goes back (unbelievably?!?!) to the 16th century!

Mehr unter: www.vam.ac.uk

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1989 konnte das Kunsthistorische Museum eine prächtige Schleppe erwerben, die von den Nachfahren der Kaiserin Elisabeth über hundert Jahre lang als Teil ihres Brautkleides aufbewahrt worden war. Seit 2008 ist sie im Rahmen des „Sisi-Pfades“ dauerhaft in der Wagenburg ausgestellt

Ein 2021 wieder-entdecktes Porträt der Kaiserin aus dem Jahr 1857 überliefert nun das Aussehen des zugehörigen Kleides, wodurch es möglich war, das Ensemble mithilfe modernster Technik zu rekonstruieren. Das spektakuläre Ergebnis wurde – gemeinsam mit dem Gemälde – ab 12. Mai 2023 erstmals der Öffentlichkeit präsentiert.

Das bisher weitgehend unbekannte Porträt kommt als Leihgabe des Schlesischen Landesmuseums Opava nach Wien und wird bis 25. Februar 2024 in der Wagenburg zu sehen sein. Nur in dieser Zeit wird der unmittelbare Vergleich der historischen Darstellung mit der erhaltenen Schleppe möglich sein. Das rekonstruierte Kleid hingegen ist – gemeinsam mit der Schleppe – dauerhaft ausgestellt und wird so einen neuen Höhepunkt des „Sisi-Pfades“ bilden.

Ergänzt wird die Präsentation durch Film, der die spannende Spurensuche rund um das geheimnisvolle Brautkleid dokumentiert: Da dessen Aussehen bisher durch keine gesicherten Quellen belegt ist, kann zum jetzigen Zeitpunkt weder eindeutig nachgewiesen, noch ausgeschlossen werden, dass Sisi das auf dem Gemälde dargestellte Kleid tatsächlich bei der Trauung in der Augustinerkirche getragen hat. Die Suche nach gesicherten Quellen wird in den kommenden Monaten fortgesetzt. Sollte sie Erfolg haben, wird sich das Rätsel um Sisis Brautkleid endlich lösen – andernfalls bleibt es ein „Mystery Dress“.

Mehr unter: www.kaiserliche-wagenburg.at

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Die zeitgenössische Kimono-Designerin Hiroko Takahashi strebt in ihren Kreationen eine einzigartige Fusion von Kunst und Mode an. Mit charakteristischen Kreismustern und klaren Linien vermittelt sie die Botschaft, dass wahres Glück in der heutigen Welt des Überflusses mit minimalen Dingen erreicht werden kann. Ihre Kimonos beruhen auf jahrhundertealter Handwerkskunst und erwecken die Bedeutung des Kimono aufs Neue.

Die japanisch-schweizerische Modedesignerin Kazu Huggler hat sich von der Wandlungsfähigkeit und Langlebigkeit des Kimono inspirieren lassen und für die Ausstellung ein Outfit aus einem alten Kimono entworfen. Ihr Beitrag «Unstitch and Liberate!» interpretiert das T-förmige Kleidungsstück als Symbol weiblicher Selbstbestimmung und Modernität im Japan der 20er Jahre. Der Kurzfilm zeigt Kazus Beziehung zum Kimono und wie sie den kunst- und sozialhistorischen Hintergrund in moderne Mode übersetzt.

In der Curator’s Tour gibt Ihnen Anna Jackson, Kuratorin des V&A, einen persönlichen Einblick in die Ausstellung. Entdecken Sie die Geschichte des Kimonos von den 1660er Jahren bis heute und den erstaunlichen Wandel des Kleidungsstücks vom traditionellen Kostüm zum dynamischen Modesymbol. «KIMONO – Kyoto to Catwalk» widerlegt die gängige Vorstellung vom Kimono als unveränderlich und zeitlos und zeigt seine kontinuierliche Entwicklung. Erfahren Sie, wie der Kimono in der Edo-Periode im pulsierenden städtischen Umfeld des alten Japans zum Modeprodukt wurde und wie er sich von westlicher Kleidung unterscheidet. Das Video ist mit deutschen und englischen Untertiteln verfügbar.

In der Ausstellung «KIMONO – Kyoto to Catwalk» im Museum Rietberg sticht ein Kimono-Motiv besonders ins Auge: der majestätische Berg Fuji. Das wohl bekannteste Wahrzeichen Japans war und ist Inspirationsquelle für viele Kimono-Künstler*innen. Khanh Trinh, Kuratorin für Japan und Korea im Museum Rietberg, stellt ihr Lieblingsmotiv der Ausstellung vor. In der Curator’s Tour erfahren Sie alles über die verschiedenen Kimono-Motive und ihre tiefgründige Symbolik.

Die spektakuläre Ausstellung im Museum Rietberg in Zürich feiert und hinterfragt die Geschichte des ikonischen Kleidungsstücks, das untrennbar mit dem Bild Japans verbunden ist. Sie präsentiert den Kimono nicht als statisch und unveränderlich, sondern als ein äusserst dynamisches und modisches Kleidungsstück. Die Ausstellung ist eine Übernahme vom Victoria and Albert Museum in London und die einzige Station im gesamten deutschsprachigen Raum.

Mehr unter: rietberg.ch

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Ursula Rodel gehört zu den bekanntesten und einflussreichsten Modepionierinnen der Schweiz. In ihrem Schaffen verschmolzen Mode, Design und Kunst zu einem Leben voller Extreme. Vom Landmädchen entwickelte sich die junge Frau zu einem Punkgirl und später zu einer international gefragten Kostümbildnerin.

Die Filmszene

Sie gründet ihr eigenes Modelabel und stattet Filmstars wie Catherine Deneuve aus. Trotz des steilen beruflichen Aufstiegs blieb sich Ursula Rodel ein Leben lang treu.

Die Polaroid Kamera

Ihre Biographie ist unkonventionell und glamourös.

Kleider und Statements

Das Landesmuseum taucht tief in die 1970er-Jahre ein. In eine Welt des Aufbruchs, der Gegensätze, der modischen Avantgarde. In die Welt der Ursula Rodel.

Skizzen und Zeichnungen

Weitere Informationen: Landesmuseum Zuerich

Der Beitrag wild und schön – Mode von Ursula Rodel – im Landesmuseum Zürich erschien zuerst auf museumsfernsehen.