Die Heidi Horten Collection gewährt in einem Video einen Einblick in das Werk der österreichischen Künstlerin Melanie Thöni. Im Mittelpunkt stehen ihre Gemälde „Fake Fur“ und „Tiroler Grauvieh“, anhand derer sie zentrale Themen ihres Schaffens erläutert.

Thöni setzt sich mit alpinen Traditionen, Heimatbildern und gesellschaftlichen Rollenbildern auseinander. Dabei verbindet sie persönliche Erfahrungen mit einem kritischen Blick auf kulturelle Zuschreibungen und Identitätskonzepte. Ihre Arbeiten hinterfragen, wie Vorstellungen von Heimat, Zugehörigkeit und Geschlecht entstehen und welche Klischees damit verbunden sind.

Mit Humor und subtiler Ironie untersucht die Künstlerin die Spannungsfelder zwischen Tradition und Gegenwart, Authentizität und Projektion. Motive aus dem alpinen Raum werden dabei zu Ausgangspunkten für eine Auseinandersetzung mit Vielfalt, Geschlechterrollen und gesellschaftlichen Erwartungen.

Das Video zeigt, wie Melanie Thöni vertraute Bilder und Symbole neu interpretiert und ihnen aktuelle gesellschaftliche Fragestellungen einschreibt. Ihre Werke eröffnen so einen vielschichtigen Blick auf Identität, Herkunft und die Konstruktion kultureller Zugehörigkeit.

Mehr unter: hortencollection.com

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m Kunsthaus Hamburg bricht der Künstler Daniel Hopp gewohnte Machtstrukturen auf. Sein Projekt „Fictional Healing“ führt an die sozialen Brennpunkte Deutschlands und stellt eine radikale Frage: Was passiert, wenn man Drogenabhängigen nicht Hilfe, sondern die Regie über ihr eigenes Leben anbietet?

Daniel Hopp arbeitet dort, wo die Orientierung schwindet. An der Schnittstelle von Performance, Video und Film sucht er Orte auf, an denen gängige Kategorien versagen. Für seine aktuelle Ausstellung im Kunsthaus Hamburg begab er sich gemeinsam mit seiner Produzentin Anja Kovic an die Drogenhotspots von Berlin, Hamburg und München. Doch er kam nicht als Dokumentarfilmer im klassischen Sinne – er kam als Käufer von Zeit.

Vom Konsum zur Kreation

Der Kern von „Fictional Healing“ ist ein ebenso simpler wie provokanter Tausch: Hopp kaufte die „Spielzeit“ von Menschen, die im harten Kreislauf der Beschaffungskriminalität gefangen sind. In einer Welt, in der Zeit fast ausschließlich der Droge gewidmet ist, schuf dieses Honorar einen Freiraum für etwas völlig anderes: die Fiktion.

Die Betroffenen wurden nicht als Subjekte einer Reportage betrachtet, sondern als Autorinnen und Autoren angestellt. Sie entwickelten Szenen, artikulierten Fantasien und schlüpften in die Rolle der Regie, um professionelle Schauspieler anzuleiten. „Es war ein Versuch, punktuell etwas zu verändern“, erklärt Hopp im Video zur Ausstellung. Indem der Fokus kurzzeitig von der Substanz weg auf das kreative Schaffen gelenkt wurde, verschoben sich die Machtverhältnisse fundamental.

Transparenz der Macht

Hopp selbst bleibt dabei kein unbeteiligter Beobachter. In seinen Arbeiten übernimmt er oft mehrere Rollen, die im Prozess auch scheitern oder zusammenbrechen dürfen. Er macht keinen Hehl daraus, dass auch er Teil der bestehenden Strukturen ist. Statt die eigene Machtposition zu verschleiern, macht er sie sichtbar und thematisiert die Distanz zu den oft sehr persönlichen und nahen Themen.

Die Architektur der Sucht

Die Ausstellung im Kunsthaus ist als räumliche Erfahrung konzipiert. Die Architektur orientiert sich an öffentlichen Orten wie dem „Drop-in“. Im vorderen Teil der Halle dokumentieren Filme die ersten Berührungspunkte und die gemeinsame Ideenentwicklung. Besonders eindringlich: KI-generierte Bilder bringen die Visionen der Beteiligten in den Raum, bevor der Rundgang in einer großen Projektion gipfelt. Dieser finale Film ist eine Verdichtung aller in monatelanger Arbeit gesammelten Fantasien – ein „Fictional Healing“, das die Realität nicht leugnet, aber durch die Kraft der Erzählung für einen Moment aufbricht.

Mehr unter: kunsthaushamburg.de

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In einer Welt, die zunehmend von lauten Parolen und komplexen Krisen beherrscht wird, suchen die Worpsweder Museen eine Antwort in der Vergangenheit. In einem poetischen Video-Essay wird die Künstlerin Paula Modersohn-Becker nicht nur als Pionierin der Moderne, sondern als radikales Vorbild für unsere Gegenwart neu entdeckt.

„Radikal“ – das Wort stammt von der lateinischen Wurzel radix. Und genau dort, an den Ursprüngen ihres Schaffens und ihres Wesens, setzt die erzählte Reise durch das Leben von Paula Modersohn-Becker an. Das Video entwirft ein Porträt einer Frau, die „ungemütlich und ihrer Zeit Meilen weit voraus“ war.

Freiheit gegen Konvention: Das Moor als Götterland

Für Paula war Worpswede mehr als nur ein Ort; es war eine Befreiung von der „anerzogenen, gespielten Eitelkeit“. Zwischen den weißen Birkenstämmen und den dunklen Kanälen fand sie eine vibrierende Einfachheit. Während die Welt um sie herum von Männern bestimmt war und Frauen in die Rolle am Herd drängten, blieb Paula unbeirrt.

Film zur Ausstellung ›Paula Modersohn-Becker und ihre Weggefährtinnen. Der unteilbare Himmel‹
Text und Regie: Eva Matz
Bildgestaltung, Sounddesign und Farbkorrektur: Jonas Schmieta
Montage: Jana Stallein
Produktion: Luxus Filmkollektiv

Im Auftrag des Worpsweder Museumsverbund e.V.

Mehr unter: www.worpswede-museen.de

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Das Kunstmuseum Liechtenstein widmet dem US-amerikanischen Künstler Tony Cokes (geb. 1956 in Richmond, Virginia) eine große Ausstellung unter dem Titel „Let Yourself Be Free“. Cokes zählt zu den wichtigsten Stimmen der zeitgenössischen Medienkunst. Seine präzise montierten Videoarbeiten verbinden Text, Farbe und Popmusik zu ebenso analytischen wie emotional eindringlichen Essays über Macht, Medien und Gesellschaft.

Wie ein DJ sampelt und remixt Cokes Zitate aus Philosophie, Journalismus, Film und Popkultur, um bestehende Deutungsmuster zu hinterfragen. Seit den späten 1980er-Jahren untersucht er, wie Bilder, Sprache und Sound zur Formung politischer und sozialer Realitäten beitragen – mit Themen wie Rassismus, Konsumverhalten und der Manipulation durch Massenmedien.

In jüngerer Zeit erweitert Cokes seinen Blick auf die Geschichte der Konzeptkunst und des Minimalismus. Die Ausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein zeigt Leuchtkästen, Text- und Videoinstallationen, darunter ein Werk aus dem eigenen Bestand, eine neue Auftragsarbeit sowie Arbeiten weiterer Künstler:innen aus der Sammlung.

Das Ausstellungskonzept folgt dem Prinzip des Dialogs und der Gegenüberstellung: Cokes’ kritische und zugleich rhythmische Bildsprache tritt in Resonanz mit den Sammlungswerken des Museums – ein Zusammenspiel von Analyse, Emotion und Subversion.

Kuratiert von Letizia Ragaglia, versteht sich Let Yourself Be Free als Einladung, Wahrnehmung und Denken neu zu justieren – frei von festgeschriebenen Bedeutungen und offenen Ohren für den Sound der Kritik.

Produktion: arttv.ch

Mehr unter: kunstmuseum.li

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In einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche und politischer Spannungen entwickelte sich um 1925 eine neue künstlerische Haltung: Der Neue Realismus. Die aktuelle Ausstellung „Sachlich – Kritisch – Magisch. Der neue Realismus um 1925“ zeigt Werke aus der renommierten Sammlung Frank Brabant und beleuchtet eine Epoche, in der Kunst zur unbestechlichen Chronistin der Zeit wurde.

„Brutalität! Klarheit, die wehtut – fang die rasende Zeit ein“, forderte der politische Künstler George Grosz. Diese Aufforderung spiegelt die Atmosphäre der Weimarer Republik wider: eine Gesellschaft zwischen Hyperinflation, Identitätskrise und kulturellem Aufbruch. Die Kunst dieser Jahre war keine Flucht vor der Realität, sondern eine präzise, oft gnadenlose Auseinandersetzung mit ihr.

Kunst zwischen Krisen und Klarheit

Ein einheitlicher Stil fehlte – stattdessen herrschte eine explosive Vielfalt. Was viele Werke dennoch verband, war ihre Orientierung an der Wirklichkeit: Detailtreue, klarer Bildaufbau, zeichnerische Strenge und Techniken, die an die alten Meister erinnerten. Die Künstlerinnen und Künstler dieser Zeit – darunter Georg Scholz, Hanna Nagel, Carlo Mense und Karl Hubbuch – nutzten ihre Kunst als Spiegel der Gesellschaft.

Die Spannweite ihrer Themen reichte von sozialer Ungleichheit und politischer Radikalisierung bis hin zu Fragen von Geschlechterrollen und Sexualität. Ob die moderne Frau mit Bubikopf, die brutale Darstellung eines Sexualverbrechens oder der magisch inszenierte Blumenstrauß – immer stand der unverstellte Blick auf das Menschliche im Zentrum.

Eine Epoche im Ausnahmezustand

Die 1920er Jahre waren geprägt von wirtschaftlicher Not, politischer Unsicherheit und kultureller Hochspannung. Der Versailler Vertrag, die Dolchstoßlegende und die Angst vor dem Bolschewismus prägten ein kollektives Krisenbewusstsein. In dieser Atmosphäre entstand eine Kunst, die nicht versöhnte, sondern aufrüttelte – und deren kritische Kraft bis heute nachhallt.

Mit „Sachlich – Kritisch – Magisch“ öffnet sich ein Fenster in eine kurze, aber bedeutende Phase der Moderne, deren Kunst trotz – oder gerade wegen – ihrer historischen Dringlichkeit bis heute Relevanz besitzt.

Produktion www.zumblum.deees

Der Beitrag „Sachlich – Kritisch – Magisch“: Neuer Realismus der 1920er Jahre – Ausstellung aus der Sammlung Frank Brabant erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Hans Haacke zählt zu den bedeutendsten Stimmen der politischen Konzeptkunst – und bleibt auch mit fast 90 Jahren eine scharfsinnige Instanz kritischer Gegenwartskunst. Das Werk des 1936 in Köln geborenen Künstlers wird nun in einer großen Retrospektive gewürdigt, die seine künstlerische wie gesellschaftspolitische Relevanz eindrucksvoll unter Beweis stellt.

Die Ausstellung, entstanden in Kooperation mit der Schirn Kunsthalle Frankfurt, präsentiert Arbeiten aus allen Schaffensperioden Haackes – von den frühen Untersuchungen ökologischer und physikalischer Systeme der 1960er-Jahre bis hin zu seinen konzeptuellen Interventionen in politische Machtstrukturen, wirtschaftliche Verflechtungen und gesellschaftliche Ausschlussmechanismen.

Haacke, der als Gründungsfigur der künstlerischen Institutionskritik gilt, seziert mit analytischer Präzision Themen wie Machtmissbrauch, antidemokratische Tendenzen und nationalistischen Populismus – und stellt unbequeme Fragen zur Rolle von Kunst und Institutionen im Gefüge ideologischer und kapitalistischer Interessen.

Die Schau lädt zur Auseinandersetzung mit zentralen Fragen unserer Zeit ein: Welche Verantwortung trägt Kunst im Spannungsfeld von Politik und Öffentlichkeit? Inwiefern ist sie Teil des Systems, das sie kritisiert? Und welches kritische Potenzial bleibt ihr im Zeitalter medialer Dauererregung?

Neben ikonischen Werken bietet die Ausstellung auch selten gezeigte Projekte, die Haacke speziell für den österreichischen Kontext realisierte – und unterstreicht damit die ungebrochene Aktualität seines Denkens und Schaffens.

Mehr unter: belvedere.at

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Der Mensch spielt. Seit jeher. Aus Lust am Wagnis, aus Neugier, zum Zeitvertreib – oder um für einen Moment jemand anderes zu sein. Eskapismus, Erfolgsstreben, Exploration: Die Beweggründe sind vielfältig, die Spielformen noch mehr. Spielen ist mehr als ein Zeitvertreib. Es ist ein kulturelles Grundrauschen, das sich durch alle Epochen zieht. Und zugleich ein Spiegelbild der Gesellschaft – ihrer Ängste, ihrer Träume, ihrer Machtfantasien.

Im Zeppelin Museum Friedrichshafen widmet sich die Ausstellung „Choose Your Player. Spielwelten von Würfel bis Pixel“ dem Spiel als Medium der Flucht, der Erfahrung, der Reflexion. Zwischen nostalgischem Brettspiel und hyperrealem VR-Abenteuer entfaltet sich ein Panorama der Spielkultur, das tief unter die Oberfläche greift.

Wer spielt, gestaltet Welten – und wird selbst geformt. Die Ausstellung fragt, warum wir spielen, wie wir spielen – und in welchen Rollen. Sie erkundet den Spielraum von Identität, wirft Schlaglichter auf Machtverhältnisse, Krieg, Widerstand und Propaganda in digitalen Szenarien – und begreift Spiele als Orte kollektiver Utopie. Denn wo gespielt wird, da ist auch immer ein Entwurf von Zukunft.

Ein Kuriosum, ein zentrales Motiv: das Luftschiff. Zeppeline, einst Ikonen des technologischen Aufbruchs, tauchen bereits in den frühen Quartett- und Würfelspielen des 20. Jahrhunderts auf. Im Ersten Weltkrieg dienten sie als Spielsteine militärischer Fantasie, ihre Weltumrundung 1929 oder die Arktisfahrt von 1931 wurden in Spielhandlungen übersetzt. Bis heute segeln sie durch digitale Spielwelten – als retrofuturistische Kulissen in „Battlefield 1“, „Wolfenstein“ oder „Fallout 4“. Im Serious Game „Through the Darkest of Times“ etwa infiltriert der Spieler als Widerstandskämpfer ein reales Luftschiff: die Hindenburg.

Doch „Choose Your Player“ ist mehr als eine Sammlung spielhistorischer Artefakte. Die Besucherinnen werden selbst zu Akteurinnen. Im Stil eines Rollenspiels wählen sie eine Figur – Entdeckerin, Wissenschaftlerin, Journalistin, Hackerin oder Kind – und erleben die Ausstellung durch deren Augen. Ein individueller Pfad durchs Museum, bei dem nicht nur geschaut, sondern auch gespielt, diskutiert und eingetaucht wird.

Let’s Plays, Gaming-Guides, immersive Kunstwerke und performative Räume ermöglichen ein vielschichtiges Erleben. Originale aus der Zeppelinsammlung werden zu Spielobjekten, Games zu Diskursräumen. Die Grenzen zwischen Spiel und Ernst, zwischen Medium und Realität verschwimmen.

Die Ausstellung fragt nicht zuletzt: Wie sehr ist unsere Welt selbst zu einem Spiel geworden – mit Regeln, Masken, Highscores? Und welche Rolle wählen wir in ihr?

Wer also eintritt in diese kuratierte Spielwelt, begibt sich auf ein Abenteuer – irgendwo zwischen Kindheitserinnerung und digitalem Selbstexperiment. Und erkennt vielleicht: Der Homo Ludens ist keine Figur aus der Theorie. Sondern wir selbst.

Mehr unter: www.zeppelin-museum.de

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