Ein ungewöhnlicher Titel, persönliche Geschichten und große künstlerische Fragen: Die Ausstellung «Komm Glüückck» im open art museum St. Gallen zeigt, was Kunst kann, wenn Worte an ihre Grenzen stoßen.

Was passiert, wenn ein Wort selbst zum Bild wird? Wenn Schrift nicht mehr nur begleitet, sondern gestaltet, kommentiert, widerspricht oder ersetzt? Diesen Fragen geht die Ausstellung «Komm Glüückck» nach, die vom 25. Juni bis 18. Oktober 2026 im open art museum in St. Gallen zu sehen ist – kuratiert von Kunsthistorikerin und Sammlungskuratorin Isabelle Zürcher.

Schon der Titel ist Programm: «Komm Glüückck» – eine orthografisch eigenwillige Einladung ans Glück – setzt die Stimmung der gesamten Schau. Im Vorfeld der Ausstellung hat Isabelle Zürcher im Interview erzählt, wie es zu diesem ungewöhnlichen Titel kam, welche Geschichten hinter den ausgewählten Werken stecken und was sie bei der Kuratierung geleitet hat.

Wenn Worte nicht mehr reichen

Die Ausstellung versammelt Werke aus der Sammlung des Museums, in denen das Beziehungsgeflecht von Wort und Bild die Hauptrolle spielt: Gedanken, Grüße, Gedichte und Erzählungen, Schriftgrafiken und Bildgeschichten, Art Postal sowie konzeptuelle Auseinandersetzungen mit Sprache und Wortschatz. Die Bandbreite ist groß – und genau das macht den Reiz aus.

Denn Künstlerinnen und Künstler setzen Bild und Schrift auf höchst unterschiedliche Weise zueinander in Beziehung: Das Wort wird selbst zum Bild, ist dem Bild eingeschrieben, begleitet es oder kommentiert es. Besonders dort, wo Sprache an ihre Grenzen stößt, öffnet Kunst einen anderen Zugang – zu Gefühlen, Gedanken und Erlebnissen, die sich dem Text entziehen.

«Komm Glüückck» lädt ein, Sehen und Lesen neu zu denken – und zu entdecken, wie viel zwischen den Zeilen liegt.

Idee | Regie: Tobias Stilz
Kamera | Schnitt: Magdalena Handschin

Das Interview wurde am 4. Mai 2026 im open art museum, St.Gallen aufgezeichnet.

Mehr unter: openartmuseum.ch

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Wie bringt man ein Kunstmuseum auf eine Landwirtschaftsmesse? Markus Pawlick, Lehrgangsleiter für Industrial Design am GBS St.Gallen, hat gemeinsam mit seinen Studierenden die Antwort geliefert. Ihr Entwurf einer monumentalen Teppichcollage wurde zum Überraschungserfolg der Olma 2025. Im Interview blickt Pawlick hinter die Kulissen der Entstehung und erklärt, wie aus Archivbildern ein begehbares Paradies wurde.

Das Projekt bildete den Grundstein für die aktuelle Ausstellung «Stranger Than Paradise» im open art museum, die das Motiv der Collage nun in den musealen Raum überführt.

Die Vision: Kunst zum Begehen

Die Herausforderung war ebenso ungewöhnlich wie reizvoll: Das open art museum an der Olma zu präsentieren. Pawlick und sein Team wählten einen radikalen gestalterischen Ansatz:

• Die Teppichcollage: Statt klassischer Bilderrahmen an weißen Wänden entwickelten die Studierenden eine riesige textile Fläche. Bildausschnitte aus der Museumssammlung wurden neu kombiniert und am Boden sowie an den Wänden inszeniert.
• Das Material: Der Teppich als Medium schuf eine haptische Verbindung zum ländlichen Umfeld der Messe und lud die Besucher:innen ein, physisch in die Kunst einzutauchen.
• Interaktivität: Durch Fotowände und interaktive Elemente wurde das Publikum Teil der Inszenierung – ein bewusster Bruch mit der Distanz, die Museen oft ausstrahlen.

Der Arbeitsprozess: Dekonstruktion der Idylle

Im Interview beschreibt Markus Pawlick den intensiven Dialog mit den Werken der Sammlung. Viele der gezeigten Künstler:innen stammen selbst aus einem bäuerlichen Umfeld. Ihre Motive – Kühe, Alpen, Brauchtum – sind tief im kollektiven Gedächtnis der Ostschweiz verwurzelt.

1. Sichtung: Tausende Bildmotive wurden nach ihrer emotionalen Wirkung und ihrer „olma-tauglichen“ Symbolik gescannt.
2. Collage-Prinzip: Durch das Herausschneiden und Neu-Zusammensetzen entstanden Spannungsfelder. Was auf den ersten Blick vertraut wirkte, wurde in der Masse zur Übersteigerung.
3. Publikumsreaktionen: Das Olma-Publikum reagierte mit Begeisterung auf die vertrauten, aber verfremdeten Sujets. Die Grenze zwischen hoher Kunst und volksnaher Ästhetik verschwamm.

Vom Messestand zum „Stranger Than Paradise“

Die aktuelle Ausstellung im open art museum führt diesen Gedanken nun weiter. Während der Teppich an der Olma die Idylle feierte, zeigt die Schau nun die Originale und thematisiert die Irritation:

• Die gebrochene Idylle: In der Zusammenschau der Werke offenbart sich, dass das „Paradies“ oft eine Konstruktion ist. Das Idyll bekommt Risse, wird ins Absurde geführt oder zeigt sich als Sehnsuchtsort einer Welt, die es so nie gab.
• Die gestalterische Klammer: Der Teppich bleibt als Symbol bestehen – er steht für die Vielstimmigkeit der Sammlung, die kein einheitliches Bild zeichnet, sondern eine faszinierende, bunte Collage menschlicher Sehnsüchte bleibt.

Idee | Regie: Tobias Stilz
Kamera | Schnitt: Noah Giezendanner

Das Interview wurde am 29. Januar 2026 im open art museum, St.Gallen aufgezeichnet.

Mehr unter: openartmuseum.ch

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Was wir heute als malerisches Brauchtum bewundern, war einst Ausdruck eines rasanten wirtschaftlichen Wandels. Im Rahmen der Ausstellung «Stranger Than Paradise» im open art museum St.Gallen wirft der Historiker Stefan Sonderegger einen scharfen Blick auf die Appenzellische Bauernmalerei. Er erklärt, warum diese Bilder weit mehr sind als nur „schöne Aussichten“ und wo die Trennlinie zur Naiven Kunst der Moderne verläuft.

Stefan Sonderegger, profunder Kenner der Appenzeller Sozialgeschichte und ehemaliger Leiter des Stadtarchivs St.Gallen, verknüpft in seinem Interview die historischen Fakten der Viehwirtschaft mit der Ästhetik der Leinwand.

Zwischen Alpfahrt und Agrar-Spezialisierung

Die Appenzeller Bauernmalerei ist untrennbar mit der landwirtschaftlichen Spezialisierung der Region verbunden.

• Wohlstand durch Vieh: Die Konzentration auf die Viehwirtschaft im 18. und 19. Jahrhundert schuf die wirtschaftliche Basis für eine bäuerliche Kultur, die ihren Stolz künstlerisch ausdrücken wollte.
• Die Motive: Die klassischen Darstellungen der Alpfahrt oder des Sennenlebens sind keine Zufallsprodukte. Sie sind visuelle Bestandsaufnahmen eines Lebensstils, der zwischen harter Arbeit und ritueller Tradition balancierte.

Bauernmalerei vs. Naive Kunst: Eine Frage der Absicht

Sonderegger arbeitet im Gespräch die feinen, aber entscheidenden Unterschiede zwischen den Epochen heraus:

1. Die historische Bauernmalerei: Sie entstand aus einer kollektiven Tradition und einem festen Kanon an Motiven. Sie war oft Auftragsarbeit, die den Besitz und die Ordnung der bäuerlichen Welt dokumentierte.
2. Die Naive Kunst (20./21. Jh.): Hier steht die individuelle, oft autodidaktische Ausdruckskraft im Vordergrund. Während die Bauernmalerei eine Realität idealisierte, schöpft die Naive Kunst häufig aus einer inneren, subjektiven Paradiesvorstellung.

Stranger Than Paradise: Das Idyll auf dem Prüfstand

Die Ausstellung im open art museum nutzt jenen Teppich, der 2025 die Olma-Besucher faszinierte, als Spiegel:

• Verklärte Natur: Die Werke zeigen eine Welt, wie wir sie uns wünschen – harmonisch, bäuerlich, paradiesisch.
• Der historische Riss: In der Zusammenschau mit Sondereggers Analysen bekommt dieses Idyll Risse. Die Ausstellung macht deutlich, dass die „heile Welt“ der Bilder oft eine bewusste Idealisierung war, die in der Realität der ländlichen Wirtschaftsgeschichte so nie existierte.

Mehr unter: openartmuseum.ch

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In diesem Video spricht die Textilkünstlerin und Forscherin Thessy Schoenholzer Nichols über ihre Arbeit und die Gestaltung ihrer kleinen Gärten in der Ausstellung „Stranger Than Paradise“ im open art museum. Das Interview wurde am 3. Februar 2026 im open art museum, St.Gallen aufgezeichnet.

Hortus Conclusus: Glitzernde Schutzräume im Kabinett

Im Kabinett des Museums entfaltet Thessy Schoenholzer Nichols eine Installation von zerbrechlicher Schönheit. Die Gruppe ihrer Miniaturgärten spielt mit Licht, Reflexion und Schatten:

• Die Symbolik: Der Hortus conclusus (der umfriedete Garten) ist ein klassisches Motiv der christlichen Ikonografie. Er steht traditionell für Reinheit und den Schutzraum der Jungfrau Maria.
• Die Inszenierung: In Schoenholzer Nichols’ Händen werden diese Gärten zu kinetischen Objekten. Sie drehen sich im Licht, funkeln und werfen übergroße Schatten an die Wände, die den Raum physisch und metaphorisch weiten.
• Die Künstlerin: Mit ihrer jahrzehntelangen Erfahrung als Kuratorin im Palazzo Pitti (Florenz) und Dozentin für Textilgeschichte bringt sie eine tiefe wissenschaftliche Durchdringung in ihre künstlerische Praxis ein.

Das Idyll und seine Irritationen

Die Ausstellung nutzt den Teppich als roten Faden, um die Originalwerke der Sammlung neu zu gruppieren. Dabei wird eine spannende Ambivalenz sichtbar:

1. Verklärte Natur: Viele Werke zeigen Idealisierungen des bäuerlichen Lebens oder paradiesische Szenerien, wie man sie aus der naiven Kunst kennt.
2. Der Bruch: In der Zusammenschau kippt die Harmonie. Das scheinbar Vertraute wirkt plötzlich absurd oder irritierend. Die „Risse im Idyll“ werden zum eigentlichen Thema.
3. Die Collage: Statt einer einheitlichen Antwort auf die Frage nach dem Paradies bietet die Ausstellung eine bunte, teils widersprüchliche Collage – ganz im Geiste des namensgebenden Teppichs.

Idee | Regie: Tobias Stilz
Kamera | Schnitt: Noah Giezendanner

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Im Interview zur Ausstellung spricht Christine Weder, Professorin für Neuere deutsche Literaturwissenschaft an der Universität Genf und Expertin für das Werk Adelheid Duvanels, über die Verbindung zwischen Duvanels schriftstellerischem und bildnerischem Schaffen. Sie hat im November 2025 den Band „Es gibt Tage“ im Limmat Verlag herausgegeben – eine Sammlung von Feuilletons, Kolumnen und Rezensionen Duvanels aus den 1960er- und 1970er-Jahren. Diese frühen Texte zeigen eine neue Facette der Autorin: präzise Alltagsbeobachtungen, poetische Miniaturen und zeitkritische Kommentare, die bereits jene feine Sensibilität erkennen lassen, die ihr gesamtes Werk prägt.

Das Interview wurde am 12. September 2025 in Zürich aufgezeichnet.

Idee | Regie: Tobias Stilz Kamera | Schnitt: Noah Giezendanner

Adelheid Duvanel. Zwischen Bild und Wort

Das open art museum widmet der Basler Schriftstellerin und Künstlerin Adelheid Duvanel (1936–1996) eine umfassende Ausstellung mit Zeichnungen und Gemälden. Während ihre feinen, lakonischen Textminiaturen längst als eine der eigenständigsten Stimmen der Schweizer Literatur gelten, blieb ihr bildkünstlerisches Werk bislang weitgehend unbeachtet.

Die Ausstellung vereint Werkgruppen aus dem eigenen Sammlungsbestand mit Gemälden aus dem Bilderlager der UPK Basel und rückt Duvanels eindringliche Bildwelt neu ins Licht – Kunst, die ungeschönt und zugleich einfühlsam von Anderssein, Einsamkeit und der Sehnsucht nach Geborgenheit erzählt. Schon in den frühen Zeichnungen der 1950er-Jahre finden sich fragile Frauenfiguren, Kinder und Menschen am Rand der Gesellschaft – Themen, die sich wie ein roter Faden durch ihr Werk ziehen. Angst, Krankheit und Tod verleihen ihren Bildern und Texten eine unverwechselbare Intensität.

Obwohl Duvanel als Autorin in der Basler Kulturszene präsent war, entzog sie sich künstlerischen Strömungen und Moden. Als Gratwanderin zwischen Literatur und Kunst arbeitete sie mit existenzieller Konsequenz an sich selbst – in Sprache ebenso wie im Bild.

Mehr unter: openartmuseum.ch

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Die Ausstellung “Ein Traum von einem Ballkleid” erwei­tert die Reihe Verborgene Schätze aus Schweizer Psychiatrien, die den Blick auf öffentlich unbekannte Sammlungen und künstlerische Konvolute lenkt und zeigt erstmals künstlerische Arbeiten aus dem Bilderlager der UPK Basel öffentlich. Die meisten Arbeiten wurden zwischen 1960 und 1990 von Patient:innen geschaffen. Sie spiegeln das damalige Verständnis von Psychiatrie und zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit Lebensmotiven.

Produktion: arttv.ch

Mehr unter: openartmuseum.ch

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Das open art museum, Zentrum für schweizerische Outsider Art, Art Brut und Naive Kunst, eröffnet mit der Ausstellung „Ein Traum von einem Ballkleid“ einen besonderen Blick in die Archive der Universitären Psychiatrischen Kliniken (UPK) Basel. Zum ersten Mal werden Arbeiten aus dem dortigen Bilderlager öffentlich gezeigt – ergänzt um Werke aus der eigenen Sammlung, die ebenfalls in Basel entstanden sind.

Die ausgestellten Arbeiten, überwiegend zwischen 1960 und 1990 geschaffen, erzählen stille Geschichten. Sie sind mehr als nur kreative Ausdrucksformen – sie sind gesellschaftliche Spiegel und persönliche Zeugnisse. Die Werke dokumentieren, wie sich Menschen mit ihren individuellen Lebensrealitäten auseinandergesetzt haben: mit der Suche nach Sinn, nach Stabilität oder nach dem Verborgenen, das ans Licht drängt.

Museumsleiterin Monika Jagfeld betont im Gespräch, dass diese Werke sowohl Einblicke in den damaligen Umgang mit mentaler Gesundheit als auch in die subjektive Wahrnehmung der Welt geben. „Sie sind Seismografen ihrer Zeit, unmittelbar, direkt und von einer oft berührenden Intensität“, so Jagfeld.

Mit dieser Schau macht das open art museum nicht nur künstlerische Positionen sichtbar, die bislang verborgen blieben, sondern öffnet auch den Dialog über den Wert und die Bedeutung künstlerischen Schaffens in klinischen Kontexten – ein Thema, das aktueller kaum sein könnte.

Mehr unter: openartmuseum.ch

Der Beitrag open art museum-Leiterin Monika Jagfeld zur Ausstellung “Ein Traum von einem Ballkleid” erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Das open art museum in St. Gallen widmet seine aktuelle Ausstellung Ein Traum von einem Ballkleid einer bislang unzugänglichen Sammlung: Zum ersten Mal werden künstlerische Arbeiten aus dem Bilderlager der Universitären Psychiatrischen Kliniken (UPK) Basel öffentlich präsentiert. Ergänzt wird die Schau durch Werke aus der eigenen Sammlung des Museums, die ebenfalls in Basel entstanden sind.

Die meisten gezeigten Arbeiten entstanden zwischen 1960 und 1990 und wurden von Patient*innen der UPK Basel geschaffen. Sie sind nicht nur Ausdruck einer individuellen, oft intensiven künstlerischen Auseinandersetzung, sondern auch Spiegel ihres gesellschaftlichen Umfelds und des damaligen Verständnisses von Psychiatrie und mentaler Gesundheit.

Als „gesellschaftliche Seismografen“ zeigen diese Werke unmittelbare, persönliche Perspektiven auf die Welt, geprägt von der Suche nach Halt und Sinn. Sie erzählen von Annäherungen an das, was ist, und an das, was verloren, verborgen oder ersehnt wird.

Kuratiert wurde die Ausstellung in enger Zusammenarbeit mit Annetta Neyenhuys, Diplom-Kunsttherapeutin und Leiterin der Medizinisch-Therapeutischen Dienste der UPK Basel, die in einem begleitenden Interview Einblicke in die Entstehung der Ausstellung und ihre Bedeutung gibt.

Ausstellung: Ein Traum von einem Ballkleid
Ort: open art museum, St. Gallen
Schwerpunkt: Outsider Art, Art Brut, Naive Kunst aus dem Umfeld der UPK Basel

Mehr unter: openartmuseum.ch

Der Beitrag “Ein Traum von einem Ballkleid” – Annetta Neyenhuys zur Ausstellung im open art museum, St.Gallen erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Artalk with Kateryna Botanova about art in Ukraine during the war.

More information: open art museum

Der Beitrag Artalk with Kateryna Botanova about art in Ukraine during the war erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Dialogausstellung des Schweizer Art Brut-Künstlers steht den Künstler:innen der Ausstellung «Outsider Art unter dem Halbmond» gegenüber. Wirz baut in sein System auf christlichen Werten und abendländischer Heraldik auf und steht hier als Vertreter eines westeuropäischen Kunstverständnisses. Auch wendet er sich gegen seinen Vater, den bekannten Ethnologen Paul Wirz, der sich ‹fremden› Kulturen zuwandte. Artefakte aus Papua-Neuguinea sind in die Ausstellung einbezogen.

Produktion: arttv.ch

Mehr unter: openartmuseum.ch

Der Beitrag Eintauchen in die Parallelwelt “Wirziana” des Art Brut-Künstlers Peter Wirz im open art museum St. Gallen erschien zuerst auf museumsfernsehen.