Wie entstehen kunstvolle Muster auf Stoffen, die vor dem Färben gefaltet, genäht oder abgebunden werden? Die Ausstellung „Tie-dye: gefaltet, genäht, gefärbt“ im Museum der Kulturen Basel widmet sich traditionellen und zeitgenössischen Textiltechniken aus unterschiedlichen Weltregionen. Rund 250 Exponate zeigen die Vielfalt der Verfahren und machen die aufwendigen Herstellungsprozesse nachvollziehbar. Ein zentraler Laufsteg, interaktive Stationen und eine Installation der Künstlerin Marie Schumann verbinden Textilkunst, Handwerk und räumliche Gestaltung.

Tie-dye im Museum der Kulturen Basel: Textile Muster aus aller Welt

Im Museum der Kulturen Basel steht eine besondere Form der Textilgestaltung im Mittelpunkt: Tie-dye. Der englische Begriff bezeichnet unterschiedliche Verfahren, bei denen Stoffe vor dem Färben abgebunden, gefaltet, zusammengenäht oder auf andere Weise verformt werden. Durch diese Vorbereitung können bestimmte Bereiche des Gewebes weniger oder gar keine Farbe aufnehmen. Nach dem Färben und dem Lösen der Bindungen entstehen geometrische Muster, Linien, Kreise und komplexe Ornamente.

Die Ausstellung zeigt, wie vielfältig diese Techniken sind und welche handwerklichen Fähigkeiten für ihre Anwendung benötigt werden. Grundlage bildet die umfangreiche Textilsammlung des Museums der Kulturen Basel. Sie ermöglicht es, nicht nur fertige Kleidungsstücke und Stoffe zu präsentieren, sondern auch die einzelnen Schritte ihrer Herstellung zu dokumentieren.

Ein Catwalk für Kimonos, Kinderkleider und kunstvoll gefärbte Stoffe

Ein besonderer Blickfang der Ausstellung ist ein zentral angelegter Laufsteg. Auf diesem Catwalk stehen jedoch keine Models im Mittelpunkt, sondern die Textilien selbst. Zu sehen sind unter anderem Kimonos, Kinderkleider, Tücher und Schuhe, deren Oberflächen mit aufwendigen Mustern gestaltet wurden.

Die Präsentation erinnert an eine Modenschau, lenkt den Blick aber vor allem auf die handwerkliche Qualität der ausgestellten Stücke. Die Kleidungsstücke verdeutlichen, wie unterschiedlich Tie-dye-Techniken eingesetzt werden können und welche gestalterischen Möglichkeiten sie eröffnen. Der Laufsteg bildet das Zentrum der Ausstellung. Die eigentliche Vermittlung der Herstellungsprozesse findet an den umliegenden Stationen statt. Dort können Besucherinnen und Besucher nachvollziehen, wie aus einem zunächst einfarbigen Gewebe durch gezieltes Falten, Nähen, Abbinden und Färben komplexe Muster entstehen.

Shibori, Bāndhanī und Adirẹ: Traditionelle Färbetechniken im Vergleich

Tie-dye ist ein Sammelbegriff für unterschiedliche textile Verfahren, die sich in verschiedenen Weltregionen entwickelt haben. Zu den bekanntesten gehört Shibori aus Japan. Dabei wird Stoff beispielsweise gefaltet, gebunden, genäht oder gepresst, bevor er gefärbt wird. Weitere in der Ausstellung vorgestellte Techniken sind Plangi, Bāndhanī, Tritik und Adirẹ. Sie stehen für unterschiedliche Traditionen der Musterung und Textilgestaltung in Afrika, Asien, Europa und Südamerika.

Obwohl die einzelnen Verfahren Gemeinsamkeiten aufweisen, unterscheiden sie sich hinsichtlich ihrer Materialien, Arbeitsschritte und gestalterischen Ergebnisse. Die Ausstellung macht damit auch die globale Dimension der Textilkunst sichtbar. Sie zeigt, dass die Idee, Stoff durch gezielte Verformung vor dem Färben zu gestalten, in unterschiedlichen kulturellen Zusammenhängen aufgegriffen und weiterentwickelt wurde.

Falten, Nähen und Färben: Wie Tie-dye-Muster entstehen

Ein wesentliches Merkmal der Tie-dye-Techniken ist ihre dreidimensionale Arbeitsweise. Bevor der Stoff gefärbt wird, erhält er durch Falten, Binden, Nähen oder Zusammenziehen eine räumliche Form.

Diese Verformung beeinflusst, welche Bereiche des Gewebes mit dem Farbstoff in Berührung kommen. Erst nach dem Färben wird sichtbar, welches Muster durch die Vorbereitung entstanden ist. Bei manchen Textilien wird die räumliche Form anschließend wieder aufgelöst. Andere behalten ihre Faltungen oder plastischen Strukturen dauerhaft. Eine eigene Ausstellungsstation widmet sich diesem dreidimensionalen Aspekt und verdeutlicht, wie eng Material, Technik und Gestaltung miteinander verbunden sind.

Kuratorin Stephanie Lovász erklärt die Kunst hinter den Mustern

Kuratiert wird die Ausstellung von Stephanie Lovász. Sie hebt insbesondere die handwerklichen Anforderungen der unterschiedlichen Tie-dye-Verfahren hervor. Für die Herstellung komplexer Muster braucht es nicht nur Kreativität und Geschicklichkeit, sondern auch Erfahrung, präzise Planung und ein Verständnis geometrischer Zusammenhänge. Denn die später sichtbaren Muster müssen häufig bereits während des Faltens oder Nähens vorausgedacht werden. Die Arbeit mit Stoff, Form und Farbe verlangt deshalb ein hohes Maß an Konzentration und technischem Wissen. Die Ausstellung möchte diese Leistungen sichtbar machen und die Wertschätzung für traditionelles und zeitgenössisches Textilhandwerk stärken.

Rund 250 Exponate dokumentieren die Vielfalt des Textilhandwerks

Die Ausstellung umfasst rund 250 Exponate aus der Sammlung des Museums der Kulturen Basel. Neben fertigen Textilien werden auch Geräte, Werkzeuge und Materialien präsentiert, die bei ihrer Herstellung zum Einsatz kommen. Dadurch lassen sich einzelne Arbeitsschritte besonders anschaulich nachvollziehen. Die Besucherinnen und Besucher erfahren, wie aus einer bestimmten Faltung oder Naht ein konkretes Muster entsteht und welche Unterschiede sich durch verschiedene Techniken ergeben. Die umfangreiche Dokumentation der Sammlung ermöglicht einen Einblick in die Herstellungsprozesse, der über die reine Betrachtung fertiger Stoffe hinausgeht.

Tie-dye selbst ausprobieren: Mitmachstationen für Besucher

Die Ausstellung setzt nicht nur auf das Betrachten historischer und zeitgenössischer Textilien. An einer Mitmachstation können Besucherinnen und Besucher selbst verschiedene Gestaltungsmöglichkeiten ausprobieren. Dabei wird erfahrbar, wie sich Stoff durch Falten und andere Techniken verändern lässt und welche Überlegungen hinter der Entstehung eines Musters stehen. Das praktische Experimentieren ergänzt die ausgestellten Objekte und macht die handwerklichen Herausforderungen unmittelbar nachvollziehbar. Zugleich soll es dazu anregen, die Arbeit und das Wissen hinter kunstvoll gestalteten Textilien neu wahrzunehmen.

Wechselnde Exponate auf dem Laufsteg

Die Präsentation im Museum der Kulturen Basel bleibt während der Ausstellungslaufzeit nicht vollständig unverändert. Etwa alle sechs Monate werden einzelne Textilien auf dem Catwalk ausgetauscht. Dadurch können weitere Stücke aus der Sammlung gezeigt und unterschiedliche Musterungs- und Färbetechniken vorgestellt werden. Für das Publikum eröffnet sich damit die Möglichkeit, die Ausstellung mehrfach zu besuchen und zusätzliche Aspekte der umfangreichen Textilsammlung kennenzulernen.

Marie Schumann: „Sequences, Screens“ im Treppenhaus

Ergänzt wird die Ausstellung durch die ortsspezifische Installation „Sequences, Screens“ der Künstlerin Marie Schumann. Die Arbeit ist während der Ausstellungslaufzeit im Treppenhaus des Museums zu sehen. Wie bei den Tie-dye-Verfahren spielt auch hier die räumliche Veränderung textiler Materialien eine zentrale Rolle. Das Gewebe entwickelt sich von einer flachen Struktur zu einer skulpturalen Form und erstreckt sich über mehrere Etagen. Je nach Standort und Blickwinkel ergeben sich unterschiedliche Ansichten. Die Installation greift damit ein zentrales Thema der Ausstellung auf: die Möglichkeit, textile Materialien nicht nur als Oberfläche, sondern auch als räumliches Gestaltungselement zu verstehen.

Textilkunst zwischen Tradition und Gegenwart

Mit „Tie-dye: gefaltet, genäht, gefärbt“ richtet das Museum der Kulturen Basel den Blick auf eine Handwerkstradition, die weltweit in unterschiedlichen Formen verbreitet ist. Die Ausstellung verbindet historische Textilien mit praktischen Einblicken in ihre Herstellung und zeitgenössischen künstlerischen Positionen.

Dabei wird deutlich, dass Tie-dye weit mehr ist als eine dekorative Färbetechnik. Die Verfahren beruhen auf komplexem handwerklichem Wissen und verbinden mathematische Überlegungen mit gestalterischer Fantasie. Der begleitende Videobeitrag bietet Einblicke in die Ausstellung und zeigt, wie aus einfachen Materialien und präzisen Arbeitsschritten kunstvolle textile Muster entstehen.

Produktion: arttv.ch

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Migration, Mobilität und kulturelle Vielfalt sind keine ausschließlich modernen Phänomene. Schon vor Jahrtausenden verließen Menschen ihre Heimat, gründeten neue Siedlungen und begegneten fremden Kulturen. Die Sonderausstellung „Auf und davon! Menschen seit Jahrtausenden unterwegs“ im Antikenmuseum Basel und Sammlung Ludwig beleuchtet die Geschichte menschlicher Wanderungsbewegungen in der Antike. Anhand archäologischer Objekte zeigt sie, wie eng die gesellschaftlichen Fragen von damals mit den Debatten über Integration, Identität und Zugehörigkeit in der Gegenwart verbunden sind.

Migration in der Antike: Warum Menschen ihre Heimat verließen

Menschen sind seit Jahrtausenden unterwegs. Bereits in der Antike führten unterschiedliche Beweggründe dazu, dass Einzelpersonen, Familien und ganze Bevölkerungsgruppen ihre Herkunftsregionen verließen. Kriege, politische Konflikte und wirtschaftliche Schwierigkeiten konnten ebenso Auslöser sein wie die Suche nach neuen Handelsmöglichkeiten, fruchtbarem Land oder besseren Lebensbedingungen. Auch Handel, militärische Unternehmungen und die Gründung neuer Siedlungen trugen dazu bei, dass Menschen über große Entfernungen mobil waren.

Die Sonderausstellung „Auf und davon! Menschen seit Jahrtausenden unterwegs“ im Antikenmuseum Basel und Sammlung Ludwig untersucht diese vielfältigen Formen der Mobilität. Dabei steht nicht nur die Frage im Mittelpunkt, weshalb Menschen ihre Heimat verließen. Die Ausstellung beschäftigt sich ebenso mit den Folgen ihrer Ankunft in anderen Gesellschaften.

Kultureller Austausch: Wie Begegnungen antike Gesellschaften veränderten

Migration führte in der Antike häufig zum Austausch von Wissen, Waren, religiösen Vorstellungen und kulturellen Traditionen. Durch Handelskontakte und Wanderungsbewegungen gelangten neue Techniken, künstlerische Formen und Alltagsgegenstände in unterschiedliche Regionen. Auch Sprachen, religiöse Praktiken und gesellschaftliche Gewohnheiten konnten sich durch solche Begegnungen verändern.

Die Ausstellung macht diese Entwicklungen anhand historischer und archäologischer Objekte sichtbar. Sie zeigen, dass die Kulturen der Antike nicht isoliert voneinander existierten, sondern durch vielfältige Kontakte miteinander verbunden waren. Dabei verliefen Begegnungen keineswegs immer friedlich. Neben Neugier und gegenseitigem Interesse konnten auch Konkurrenz, Angst und Ablehnung entstehen. Gerade diese unterschiedlichen Reaktionen verdeutlichen, wie komplex das Zusammenleben verschiedener Bevölkerungsgruppen bereits vor Jahrtausenden war.

Integration und Identität: Gesellschaftliche Fragen mit langer Geschichte

Wie reagieren Gesellschaften auf Menschen, die aus anderen Regionen zu ihnen kommen? Welche Rolle spielen Herkunft, Sprache und kulturelle Traditionen für die eigene Identität? Diese Fragen beschäftigen nicht nur heutige Gesellschaften. Auch in der Antike mussten Menschen ihren Platz in neuen sozialen und politischen Gemeinschaften finden.

Dabei konnten sie bestehende Traditionen bewahren, neue Gewohnheiten übernehmen oder unterschiedliche kulturelle Einflüsse miteinander verbinden. Die Ausstellung „Auf und davon!“ zeigt, dass Identität und Zugehörigkeit keine unveränderlichen Größen sind. Sie entwickeln sich im Austausch mit anderen Menschen und unter dem Einfluss gesellschaftlicher Veränderungen. Der Blick in die Vergangenheit eröffnet damit neue Perspektiven auf aktuelle Diskussionen über Integration und kulturelle Vielfalt.

Archäologische Objekte erzählen Geschichten von Mobilität und Migration

Ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf den materiellen Zeugnissen menschlicher Wanderungsbewegungen. Archäologische Fundstücke können Hinweise darauf geben, wie Menschen lebten, welche Gegenstände sie verwendeten und mit welchen Regionen sie in Kontakt standen. Importierte Waren, Schmuck, Keramik oder andere Alltagsgegenstände können beispielsweise auf weitreichende Handelsbeziehungen und kulturelle Verbindungen hinweisen.

Allerdings lassen sich aus einzelnen Objekten nicht immer unmittelbare Rückschlüsse auf die Migration von Menschen ziehen. Auch Handelsnetzwerke und der Austausch von Gütern können erklären, warum Gegenstände weit entfernt von ihrem Herstellungsort gefunden werden. Erst durch die Untersuchung des Fundkontexts und weiterer historischer Quellen entsteht ein differenziertes Bild. Die Sonderausstellung nutzt die Objekte, um Geschichten von Begegnung, Austausch und gesellschaftlichem Wandel zu vermitteln.

Zwischen Neugier und Ablehnung: Der Umgang mit Fremden in der Antike

Migration war auch in früheren Gesellschaften mit unterschiedlichen Erwartungen und Konflikten verbunden. Menschen, die in neue Regionen kamen, konnten auf Offenheit und Interesse treffen. Ihre Kenntnisse, Fähigkeiten und Handelskontakte konnten für die aufnehmenden Gemeinschaften von Bedeutung sein. Gleichzeitig konnten kulturelle Unterschiede Unsicherheit und Ablehnung hervorrufen.

Die Ausstellung beleuchtet diese Spannungsfelder und zeigt, dass die Reaktionen auf Migration historisch vielfältig waren. Damit vermeidet sie eine einseitige Darstellung der Vergangenheit und rückt sowohl die Chancen als auch die Herausforderungen kultureller Begegnungen in den Mittelpunkt.

„Auf und davon!“ verbindet Vergangenheit und Gegenwart

Mit ihrer Sonderausstellung greift das Antikenmuseum Basel ein Thema auf, das die gesellschaftliche und politische Diskussion der Gegenwart wesentlich prägt. Die historische Perspektive verdeutlicht, dass Migration seit Langem zur menschlichen Geschichte gehört. Zugleich zeigt sie, dass sich die konkreten Ursachen, politischen Rahmenbedingungen und gesellschaftlichen Folgen von Wanderungsbewegungen im Laufe der Jahrtausende stark verändert haben.

Die Ausstellung lädt dazu ein, aktuelle Debatten nicht ausschließlich aus heutiger Sicht zu betrachten, sondern sie durch historische Erfahrungen zu ergänzen. Dabei werden Gemeinsamkeiten sichtbar, ohne die Unterschiede zwischen antiken Gesellschaften und der modernen Welt auszublenden.

Antikenmuseum Basel: Sonderausstellung über eine bewegte Menschheitsgeschichte

„Auf und davon! Menschen seit Jahrtausenden unterwegs“ macht deutlich, wie eng Mobilität, kultureller Austausch und gesellschaftliche Entwicklung miteinander verbunden sind. Anhand ausgewählter Objekte vermittelt das Antikenmuseum Basel Einblicke in die Lebenswelten von Menschen, die ihre Herkunftsregionen verließen oder mit Zugewanderten in Kontakt kamen. Die Ausstellung zeigt, dass Begegnungen zwischen unterschiedlichen Kulturen seit Jahrtausenden neue Entwicklungen ermöglichten, aber auch Spannungen und Konflikte auslösen konnten.

Das begleitende Video stellt die zentralen Fragestellungen der Sonderausstellung vor und lädt dazu ein, Migration als einen grundlegenden Bestandteil der Menschheitsgeschichte zu betrachten.

Mehr unter: aufunddavon.antikenmuseumbasel.ch/

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Sie sammelte Werke von Vincent van Gogh, Gustav Klimt und Ferdinand Hodler, fotografierte befreundete Kunstschaffende, reiste mit dem eigenen Cabriolet durch Europa und bestieg das Matterhorn: Gertrud Dübi-Müller (1888–1980) gehörte zu den bedeutendsten Kunstsammlerinnen der Schweiz. Mit der Ausstellung „Van Gogh, Hodler und ein Cabriolet. Die Sammlerin und Pionierin Gertrud Dübi-Müller“ widmet das Kunstmuseum Basel der außergewöhnlichen Solothurnerin erstmals eine umfassende Retrospektive. Rund 80 Kunstwerke, Fotografien und bislang unveröffentlichte Dokumente geben Einblick in ihr Leben und ihren Einfluss auf die europäische Moderne.

Gertrud Dübi-Müller: Eine Pionierin der Schweizer Kunstgeschichte

Gertrud Dübi-Müller führte ein Leben, das für Frauen ihrer Generation ungewöhnlich selbstbestimmt war. Die 1888 in Solothurn geborene Kunstsammlerin war nicht nur eine wichtige Förderin moderner Kunst, sondern auch begeisterte Fotografin, Autofahrerin und Bergsteigerin. Schon früh kam sie mit der Kunstwelt in Berührung. Der Schweizer Maler Cuno Amiet (1868–1961) unterrichtete sie im Malen und eröffnete ihr den Zugang zu künstlerischen Kreisen.

Nach dem frühen Tod ihrer Eltern war Dübi-Müller bereits in jungen Jahren finanziell unabhängig. Diese Freiheit nutzte sie, um eine bedeutende Sammlung moderner Kunst aufzubauen und enge Kontakte zu Kunstschaffenden in der Schweiz und im europäischen Ausland zu pflegen. Die Ausstellung im Kunstmuseum Basel stellt nun erstmals ihre unterschiedlichen Rollen als Sammlerin, Mäzenin, Fotografin und eigenständige Persönlichkeit in einen größeren kunsthistorischen Zusammenhang.

Von Vincent van Gogh bis Gustav Klimt: Eine bedeutende Sammlung der Moderne

Eine der frühesten und bemerkenswertesten Erwerbungen Dübi-Müllers war Vincent van Goghs Gemälde Porträt Charles-Elzéard Trabuc aus dem Jahr 1889. Sie kaufte das Werk, als sie selbst kaum volljährig war. In den folgenden Jahrzehnten entstand eine außergewöhnliche Sammlung mit Arbeiten bedeutender Vertreter der europäischen Moderne.

Dazu gehörten Werke von Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Gustav Klimt und Henri Matisse ebenso wie Gemälde von Schweizer Künstlerinnen und Künstlern, darunter Cuno Amiet, Alice Bailly, Giovanni Giacometti und Ferdinand Hodler. Dübi-Müller beschränkte sich dabei nicht auf den Erwerb von Kunstwerken. Sie pflegte persönliche Beziehungen zu zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern und wurde zu einer wichtigen Figur innerhalb ihres kulturellen Netzwerks. Die Basler Ausstellung zeigt rund 80 Werke aus ihrer einstigen Sammlung und macht deutlich, wie international ihre Interessen und Kontakte ausgerichtet waren.

Ferdinand Hodler und Gertrud Dübi-Müller: Eine besondere Künstlerfreundschaft

Eine besonders enge Verbindung bestand zwischen Dübi-Müller und dem Schweizer Maler Ferdinand Hodler (1853–1918). Der Künstler porträtierte sie insgesamt 17 Mal. Darüber hinaus stand sie Modell für sein monumentales Gemälde Blick ins Unendliche, das zwischen 1913/14 und 1916 entstand und sich heute in der Sammlung des Kunstmuseums Basel befindet.

Auch der persönliche Briefwechsel dokumentiert das vertraute Verhältnis zwischen dem Maler und seiner Sammlerin. In einem Schreiben warnte Hodler die unternehmungslustige Dübi-Müller vor allzu schnellem Autofahren. Er empfahl ihr, lieber langsam in Paris anzukommen, als unterwegs das Leben zu riskieren. Solche Korrespondenzen geben Einblick in eine Freundschaft, die über die übliche Beziehung zwischen Künstler und Käuferin hinausging. Neben Hodler gehörten auch Alice Bailly und Giovanni Giacometti zu den Kunstschaffenden, mit denen Dübi-Müller persönlich verbunden war.

Mit dem Cabriolet durch Europa: Reisen, Fotografie und Abenteuer

Gertrud Dübi-Müllers Unabhängigkeit zeigte sich nicht nur in ihrem Engagement für die Kunst. Mit einem Cabriolet der Schweizer Automarke Piccard-Pictet, das als vermutlich erstes Automobil im Kanton Solothurn gilt, unternahm sie zahlreiche Reisen. Ihre Fahrten führten sie unter anderem nach Berlin, Paris, Rom und Wien sowie in die Schweizer Alpen.

Für eine Frau ihrer Zeit waren solche Unternehmungen keineswegs selbstverständlich. Dübi-Müller interessierte sich zudem für neue technische Möglichkeiten. Sie unternahm Zeppelinflüge und bereiste neben verschiedenen europäischen Ländern auch Nordafrika. Ihre Begeisterung für das Bergsteigen führte sie auf anspruchsvolle alpine Touren, darunter eine Besteigung des Matterhorns. Diese unterschiedlichen Interessen spiegeln eine Persönlichkeit wider, die sich gesellschaftlichen Erwartungen nicht ohne Weiteres unterordnete und ihre Möglichkeiten zur selbstständigen Lebensgestaltung konsequent nutzte.

Gertrud Dübi-Müller als Fotografin: Persönliche Einblicke in die Kunstwelt

Ein wichtiger Bestandteil der Ausstellung ist Dübi-Müllers fotografisches Werk. Mit ihrer Kamera hielt sie das Leben befreundeter Künstlerinnen und Künstler ebenso fest wie ihre eigenen Reisen, Unternehmungen und Begegnungen. Die Fotografien sind heute wertvolle historische Zeugnisse. Sie dokumentieren nicht nur persönliche Erinnerungen, sondern auch das gesellschaftliche und kulturelle Umfeld der frühen Moderne.

Ergänzt werden die Aufnahmen durch bislang unveröffentlichte Briefe, handbemalte Postkarten und weitere Dokumente aus ihrem persönlichen Netzwerk. Damit zeigt die Ausstellung Dübi-Müller nicht ausschließlich als Besitzerin bedeutender Gemälde, sondern als aktive Teilnehmerin des europäischen Kunstlebens. Die fotografischen Bestände stammen unter anderem aus dem Nachlass, der von der Fotostiftung Schweiz in Winterthur verwaltet wird.

Eine Ausstellung, die bereits vor 100 Jahren geplant war

Die Idee, die Sammlung von Gertrud Dübi-Müller in Basel zu präsentieren, reicht weit zurück. Bereits Wilhelm Barth, der von 1909 bis 1934 die Kunsthalle Basel leitete, bemühte sich um eine Ausstellung mit Werken aus den Sammlungen von Gertrud Dübi-Müller und ihrem Bruder Josef Müller (1887–1977).

Trotz mehrfacher Anfragen kam das Vorhaben damals nicht zustande. Rund ein Jahrhundert später greift das Kunstmuseum Basel diese Idee auf und würdigt mit der ersten umfassenden Ausstellung die Bedeutung Dübi-Müllers für die Schweizer und internationale Kunstgeschichte. Die Präsentation verbindet herausragende Gemälde der Moderne mit biografischen Dokumenten und beleuchtet damit eine Sammlerin, deren Beitrag zur Kunstgeschichte bislang weniger bekannt war als die Werke der von ihr geförderten Künstler.

Dübi-Müller-Stiftung: Das künstlerische Erbe in Solothurn

Auch über ihren Tod hinaus blieb Gertrud Dübi-Müllers Sammlung für die Öffentlichkeit erhalten. Gemeinsam mit ihrem Ehemann gründete sie 1964 die Dübi-Müller-Stiftung. Ihr Ziel war es, den damaligen Sammlungsbestand mit 190 Werken langfristig zu bewahren und öffentlich zugänglich zu machen. Ihr Bruder Josef Müller gründete 1969 eine eigene Stiftung, die 55 Kunstwerke umfasste.

Beide Stiftungen wurden in das Kunstmuseum Solothurn integriert. Das Museum bewahrt bis heute einen wesentlichen Teil des künstlerischen Erbes der Familie. Die Basler Ausstellung entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum Solothurn. Hinzu kommen Leihgaben aus weiteren Schweizer Museen, privaten Sammlungen und der Fotostiftung Schweiz. Mit der Verbindung von Kunstwerken, Fotografien und persönlichen Dokumenten entsteht ein vielschichtiges Porträt einer Frau, die das Sammeln moderner Kunst mit außergewöhnlicher Neugier, Mobilität und kulturellem Engagement verband.

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Die aus China stammende, zwischen Berlin und China lebende Musikproduzentin und DJ Rui Ho war zu Gast im Kunstmuseum Basel – nicht nur, um selbst aufzulegen, sondern auch, um sich die aktuelle Ausstellung anzusehen. Im Zentrum ihres Interesses: “RMB City“, eines der bekanntesten und am längsten laufenden Projekte der chinesischen Künstlerin Cao Fei.

Eine eigene Version von Stadt und Urbanisierung

Rui Ho macht von Anfang an klar, wie sie das Werk versteht: Es gehe nicht um eine realistische Abbildung Chinas, sondern um Cao Feis ganz persönliche Version davon, wie man sich im Kontext einer globalen Urbanisierung eine eigene Stadt erschafft. Diese Idee berührt sie unmittelbar – sie erinnere sie an die eigene Kindheit und an die Fantasie, selbst irgendwo Bürgermeisterin zu sein und eine Stadt von Grund auf mitzugestalten.

Für Rui Ho hängt das eng mit einer bestimmten Phase der chinesischen Geschichte zusammen: der enormen Geschwindigkeit, mit der sich die Urbanisierung in den vergangenen 30 Jahren vollzogen hat – besonders in Guangzhou. Diese Stadt beschreibt sie als einen der größten Textilmärkte der Welt, geprägt von unzähligen kleinen und großen Fabriken, die durch extrem schnelle Lieferketten miteinander verbunden sind.

Eine virtuelle Identität auf einer Gaming-Plattform

Besonders spannend findet Rui Ho, dass Cao Fei im Rahmen des Projekts eine virtuelle Identität für sich selbst erschaffen hat – China Tracy – und dies auf einer Gaming-Plattform, eingebettet in eine futuristische Ästhetik. Diese Herangehensweise verortet sie in einer bestimmten Zeit: Als sie selbst begann, als Musikerin zu arbeiten, fiel das mit dem Aufstieg der sozialen Medien zusammen – ein Element, das auch in Cao Feis Werk stark präsent sei.

Identität, Transsein und die Rolle der Kunst

Als trans Person beschäftigt sich Rui Ho eigenen Worten zufolge fortwährend mit Fragen der Identität – in der Kunst wie im Leben. In China sei das während ihres Aufwachsens kein großes Thema gewesen; in Deutschland dagegen werde intensiv darüber gesprochen. Als Chinesin fühle sie sich zusätzlich in einer Art doppelten Minderheitenposition, was sie dazu zwinge, sich in vielen Kontexten aktiv mit der eigenen Position auseinanderzusetzen.

Kunst, die aus einer wahrhaftigen, persönlichen Perspektive entstehe, berühre sie besonders. Gleichzeitig interessiert sie sich dafür, wie sich musikalische Ideen visuell umsetzen und in sozialen Medien vermitteln lassen – auch das begreift sie als integralen Bestandteil künstlerischer Arbeit.

Tradition trifft Gegenwart

Eine weitere Parallele sieht Rui Ho zwischen der eigenen Praxis und jener von Cao Fei: beide bringen traditionelle Elemente in einen zeitgenössischen Kontext. Rui Ho selbst verwendet häufig traditionelle chinesische Lieder – etwa aus Fernsehsendungen – oder klassische musikalische Elemente und setzt sie in neue Zusammenhänge. Diese Klänge hätten sie ihr ganzes Leben begleitet, weshalb es für sie naheliege, sie in die eigene künstlerische Gegenwart zu übertragen. Genau das erkennt sie auch bei Cao Fei: die Fähigkeit, sehr persönliche Erfahrungen in ein künstlerisches Werk zu überführen – eine Verbindung, die aus der jeweiligen Herkunft und Prägung heraus fast zwangsläufig entstehe.

Utopie und Bedrohung zugleich

Zum Abschluss blickt Rui Ho auf das rasante Entwicklungstempo Chinas insgesamt. Es wirke wie eine Utopie und zugleich futuristisch – teils beängstigend, teils vielversprechend. Genau diese Ambivalenz sei es, die sie in Cao Feis Arbeit immer wieder tief berühre.

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Rund fünfzig Druckgrafiken, viele davon erstmals öffentlich zu sehen: Das Kunstmuseum Basel präsentiert mit „Sweet Dreams, Baby!” eine umfassende Werkschau der Pop-Art-Legende Roy Lichtenstein – und wird damit zu einer der wichtigsten Lichtenstein-Sammlungen außerhalb der USA.

Eine Schenkung macht Geschichte

Der Anlass für die Ausstellung ist außergewöhnlich: Die Roy Lichtenstein Foundation schenkte dem Kunstmuseum Basel anlässlich des 100. Geburtstags des Künstlers im Jahr 2023 insgesamt 33 Druckgrafiken – ein Geschenk, das die Bestände im Kupferstichkabinett zu einer der bedeutendsten Lichtenstein-Sammlungen weltweit außerhalb der USA macht. Dieselbe Initiative beschenkte auch die Albertina in Wien und das British Museum in London, womit drei europäische Referenzsammlungen entstanden. Kuratorin Fabienne Ruppen gibt nun Einblick in die Ausstellung, die diese Schenkung erstmals dem Basler Publikum vorstellt.

Vom Comic zur Kunst: Lichtensteins Bildsprache

Roy Lichtenstein (1923–1997) zählt zu den prägendsten Figuren der Pop Art. Mit Humor und Ironie überführte er die Bildwelt von Konsumgütern, Werbebroschüren und Comics in die bildende Kunst. Vergrößerte Ausschnitte, leuchtende Primärfarben und die charakteristischen Rasterpunkte – die sogenannten Ben-Day dots – wurden zu seinen unverwechselbaren Markenzeichen. Als seine ersten Druckgrafiken in Comic-Ästhetik als günstige Poster und Einladungskarten für Ausstellungen in der New Yorker Galerie von Leo Castelli erschienen, reagierte die Kunstszene zunächst mit Befremden. Doch genau die vertraute Bildsprache der neuen Kunstform sprach ein breites Publikum an und machte Lichtenstein schnell weithin bekannt.

Fünf Jahrzehnte druckgrafisches Schaffen

„Sweet Dreams, Baby!” im Neubau des Kunstmuseums Basel gewährt einen repräsentativen Überblick über Lichtensteins druckgrafisches Werk, das sich über mehr als fünf Jahrzehnte erstreckt. Zu sehen sind frühe Experimente aus den späten 1940er und frühen 1950er Jahren ebenso wie technisch hochkomplexe Spätwerke. Besonders eindrücklich ist das Werk „Portrait” (1989): Es ist das Ergebnis eines 18-stufigen Druckvorgangs, der vier verschiedene Techniken kombiniert – Lithografie, Holzschnitt, Siebdruck und einen eigens entwickelten Wachsdruck. Die Bandbreite der ausgestellten Werke reicht von bedruckten Papptellern („Paper Plates”, 1969) über eine eigenwillige Neuinterpretation von Van Goghs „Sämann” (1985) bis hin zur monumentalen Tapete „Wallpaper with Blue Floor Interior” (1992).

Gemälde als Sahnehäubchen

Ergänzt wird die Druckgrafikschau durch zwei bedeutende Gemälde aus dem Bestand des Kunstmuseums: „Hopeless” (1963) und „Mirror #2″ (1970), beide als Dauerleihgaben im Haus. Hinzu kommt eine Privatleihgabe mit „Entablature VI” (1976). Die Ausstellung ist bis zum 14. März 2027 im Neubau des Kunstmuseums Basel zu sehen.

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Meet the artist – Ein Portrait der chinesischen Künstlerin Cao Fei mit ihrer ersten Einzelausstellung in der Schweiz und bisher größte Überblicksschau in Europa. Das Kunstmuseum Basel zeigt mit „Testimonies to the Near Future” dreißig Schaffensjahre der chinesischen Medienkünstlerin Cao Fei – immersiv, visionär und von atemberaubender Aktualität.

Eine Pionierin digitaler Welten

Cao Fei (*1978, Guangzhou) zählt zu den prägendsten Künstlerinnen ihrer Generation. Seit über zwei Jahrzehnten untersucht sie die Auswirkungen gesellschaftlicher und technologischer Umbrüche auf das menschliche Leben – in Videos, digitalen Installationen, Fotografie, Skulptur und Virtual-Reality-Settings. Ihre frühen Werke haben eine ganze Generation von Künstlerinnen und Künstlern aus Asien und weit darüber hinaus beeinflusst. Im Kunstmuseum Basel ist ihr Werk nun erstmals in der Schweiz in einer Einzelausstellung zu erleben – und in einem Umfang, der europaweit seinesgleichen sucht.

Das Museum wird zur Stadt

Für „Testimonies to the Near Future” verwandelt Cao Fei das Kunstmuseum Basel | Gegenwart in ein Gesamtkunstwerk: eine Stadt, in der immersive Installationen und Videowelten aus drei Jahrzehnten ihres Schaffens miteinander verschmelzen. Die Ausstellung erstreckt sich über alle vier Etagen des Hauses und lädt dazu ein, tief in ein Werk einzutauchen, das nicht bloß betrachtet, sondern körperlich erfahren werden will. Die Grenze zwischen physischem und virtuellem Raum löst sich dabei zunehmend auf – aufwändige Installationen materialisieren Elemente aus den Videoarbeiten im Ausstellungsraum und machen das Imaginäre greifbar.

Fabrikhallen, Traumlandschaften, Zukunftsvisionen

Im Zentrum der Ausstellung stehen wegweisende Werke, die Cao Feis Entwicklung als Künstlerin exemplarisch dokumentieren: „Whose Utopia” (2006), „RMB City” (seit 2007), „Asia One” (2018), „Nova” (seit 2019), „Oz” (2022) und die „Hip Hop-Serie” (seit 2003). Ihre Videos und teils gamebasierten Umgebungen sind in Fabriken, Traumlandschaften und Zukunftsvisionen verortet – und verhandeln entlang dieser Schauplätze Fragen von Arbeit, Identität, Körperlichkeit, Erinnerung und der eigenartigen Schönheit einer globalisierten Welt. Ausgangspunkt ist stets das rasante Wandel Chinas, insbesondere des Perlflussdelta, seit der Reform- und Öffnungspolitik ab 1978 – dem Jahr, in dem Cao Fei selbst geboren wurde.

Dokumentarisch und surreal zugleich

Besonders bemerkenswert ist Cao Feis Fähigkeit, spekulative und surreale Elemente in beinahe dokumentarisch wirkende Arbeiten einzubinden. Ihr Blick auf Wirtschaftswachstum, Technologie und Globalisierung ist scharf und kritisch – verfällt aber nie in Zukunftspessimismus. Es ist diese Ambivalenz, die ihr Werk so eindringlich macht: Es zeigt eine Welt im Umbruch, ohne sie zu verurteilen oder zu verklären.

Film in partnership with NOWNESS

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Hinweis: Es handelte sich hierbei um eine besondere künstlerische Auseinandersetzung mit der Ausstellung. Skateboard-Fahren ist in der Ausstellung und im Kunstmuseum Basel nicht erlaubt.

Künstlerinnengespräch mit Cao Fei im Kunstmuseum Basel

Cao Fei gehört zu den wichtigsten Künstlerinnen ihrer Generation. Im Kunstmuseum Basel gibt die chinesische Künstlerin Einblicke in ihr Werk, das sich seit mehr als zwei Jahrzehnten mit technologischen, gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Umbrüchen beschäftigt.

Die chinesische Künstlerin Cao Fei (*1978 in Guangzhou) zählt zu den prägenden Stimmen der zeitgenössischen Kunst. In Videos, Fotografie, digitalen Medien, Installationen und Skulpturen untersucht sie die Veränderungen, die China seit Beginn der Reform- und Öffnungspolitik 1978 durchlaufen hat. Einen besonderen Fokus legt sie dabei auf das Perlflussdelta, eine Region, die sich in wenigen Jahrzehnten von einem industriell geprägten Raum zu einem globalen Technologie- und Wirtschaftszentrum entwickelt hat.

Mit „Cao Fei. Testimonies to the Near Future“ präsentiert das Kunstmuseum Basel | Gegenwart die erste Einzelausstellung der Künstlerin in der Schweiz und zugleich ihre bislang umfangreichste Überblicksschau in Europa. Cao Fei verwandelt die vier Etagen des Hauses in eine begehbare Stadtlandschaft. Videoinstallationen, digitale Welten und raumgreifende Arbeiten verbinden sich dabei zu einer Ausstellung, in der physischer und virtueller Raum zunehmend ineinander übergehen.

Zwischen Fabrik, Simulation und Zukunft

Cao Fei gilt als Pionierin digitaler Kunst. Bereits ihre frühen Arbeiten beschäftigten sich mit virtuellen Welten und den Möglichkeiten digitaler Bildproduktion. Ihre Werke entstanden unter anderem in Fabriken, in Computersimulationen und in eigens entwickelten Zukunftsszenarien. Dabei geht es immer wieder um die Frage, wie technologische Entwicklung und wirtschaftliche Globalisierung das Leben und die Wahrnehmung des Einzelnen verändern.

Arbeit, Identität, Erinnerung und Körperlichkeit gehören zu den wiederkehrenden Themen ihres Schaffens. Gleichzeitig interessiert sich Cao Fei für die Widersprüche einer Gesellschaft im rasanten Wandel. Ihre Arbeiten dokumentieren diesen Wandel jedoch nicht lediglich, sondern verbinden Beobachtungen des Alltags mit spekulativen und surrealen Elementen.

Zu den zentralen Arbeiten der Ausstellung gehören unter anderem „Whose Utopia“ (2006), das virtuelle Stadtprojekt „RMB City“ (seit 2007), „Asia One“ (2018), „Nova“ (seit 2019), „Oz“ (2022) sowie die seit 2003 entstehende „Hip Hop“-Serie. Die Werke zeigen unterschiedliche Facetten eines künstlerischen Kosmos, in dem reale Erfahrungen und digitale Gegenwelten miteinander verschmelzen.

Eine Ausstellung als Gesamtkunstwerk

Besonders charakteristisch für Cao Feis Arbeiten ist die Übersetzung digitaler und filmischer Räume in die physische Ausstellung. Elemente aus ihren Videos werden durch aufwändige Installationen im Raum materialisiert. Dadurch entsteht keine klassische Abfolge einzelner Kunstwerke, sondern eine zusammenhängende Erfahrungswelt.

Die Besucher bewegen sich durch eine Art urbane Kulisse, in der Videobilder, Objekte, Architektur und digitale Szenarien miteinander kommunizieren. Die Ausstellung macht damit auch jene Grenze sichtbar, die Cao Fei in ihrem Werk immer wieder hinterfragt: Wo endet die physische Realität und wo beginnt die virtuelle Welt?

Trotz ihrer Beschäftigung mit tiefgreifenden gesellschaftlichen und technologischen Veränderungen bleibt Cao Feis Blick auf die Zukunft offen. Ihre Arbeiten sind weniger dystopische Warnungen als vielmehr Versuchsanordnungen, in denen sich Gegenwart und mögliche Zukunftsszenarien überlagern.

Die Ausstellung „Cao Fei. Testimonies to the Near Future“ wurde von Cao Fei in Zusammenarbeit mit Small Production, Beijing, gestaltet. Das begleitende Künstlerinnengespräch bietet die Gelegenheit, ihre künstlerischen Strategien und die Entstehung ihrer Arbeiten aus erster Hand kennenzulernen.

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Die Fondation Beyeler zeigt eine exklusiv konzipierte Großausstellung des Pariser Gegenwartskünstlers – mit neuen Werken und zentralen Arbeiten der letzten Jahre.

Pierre Huyghe, 1962 in Paris geboren, gilt als einer der innovativsten und einflussreichsten Künstler der internationalen Gegenwartskunst. Die Fondation Beyeler widmet ihm nun eine umfangreiche Ausstellung – exklusiv für das Haus konzipiert und mit eigens neu geschaffenen Werken bestückt, die neben zentralen Arbeiten der letzten Jahre zu sehen sind.

Zwischen Fiktion und Realität: Ein unverwechselbares Kunstuniversum

Huyghe ist bekannt für Arbeiten, die sich kategorialen Einordnungen widersetzen. In seinen Werken gehen Fiktion und Realität nahtlos ineinander über. Filmische, technologische, digitale, physische und biologische Elemente verbinden sich zu lebendigen Situationen, die sich mit der Zeit weiterentwickeln – und dabei immer neue Empfindsamkeiten und Subjektivitäten hervorbringen. Kunst als dynamischer, atmender Prozess: Das ist das Grundprinzip seines Schaffens.

Eine Einladung zum Eintauchen

Die Ausstellung versteht sich als Einladung, tief in Huyghes faszinierendes Universum einzutauchen – an der Schnittstelle verschiedener Disziplinen und Wahrnehmungsebenen. Besucherinnen und Besucher dürfen eine Begegnung mit Kunst erwarten, die nicht nur betrachtet, sondern erlebt werden will.

Mehr unter: www.fondationbeyeler.ch

Der Beitrag Pierre Huyghe in der Fondation Beyeler: Wo Fiktion und Realität verschwimmen erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Helen Frankenthaler (1928–2011) war eine bemerkenswerte und wegweisende Malerin, deren Werk die abstrakte Malerei der Nachkriegszeit in den Vereinigten Staaten prägte. In den 1950er Jahren erlangte sie Anerkennung für ihre innovative „Soak-Stain“-Technik, bei der sie verdünnte Farbe direkt auf die auf dem Boden liegende Leinwand auftrug. Dieser Ansatz inspirierte die Entwicklung der Color-Field-Malerei und beeinflusste eine ganze Generation von Künstlern. Frankenthaler entwickelte ihre Praxis ihr ganzes Leben lang weiter, doch ihr Werk ist nach wie vor relativ wenig bekannt, insbesondere in Europa.

Im Gespräch mit Experten und Menschen, die sie persönlich kannten, wird die Diskussion die Bedeutung ihres Werks, ihren Lebensweg und die Rezeption ihrer Kunst beleuchten.

Zu den Referenten gehören Douglas Dreishpoon (Leiter des Werkverzeichnisprojekts der Helen Frankenthaler Foundation), Mary Gabriel (Kunsthistorikerin) und Karen Wilkin (Kuratorin und Kunstkritikerin). Die Veranstaltung wird von Daniel Kurjaković (Programmkurator) begrüßt und von Anita Haldemann (Kuratorin und Leiterin der Abteilung Kunst und Forschung) moderiert.

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Das Kunstmuseum Basel widmet einer der bedeutendsten Vertreterinnen des Abstrakten Expressionismus eine umfassende Schau. Mit ihrer wegweisenden „Soak-Stain“-Technik befreite Helen Frankenthaler die Farbe von der Leinwand und schuf Werke, die bis heute durch ihre emotionale Leuchtkraft bestechen.

Es war ein Moment, der die Kunstgeschichte veränderte: Als Kollegen Helen Frankenthaler in ihrem Atelier besuchten, sahen sie Leinwände, die nicht bemalt, sondern von Farbe förmlich „geflutet“ waren. Frankenthaler legte die unbehandelte, ungrundierte Leinwand direkt auf den Boden und goss stark verdünnte Ölfarbe darauf aus. Diese Technik, bekannt als Soak-Stain (einziehen und flecken), ließ die Farbe tief in das Textil einsinken, statt nur auf der Oberfläche zu liegen. Farbe und Leinwand wurden eins.

Die Balance zwischen Kontrolle und Zufall

Ab den 1960er Jahren erweiterte Frankenthaler ihr Repertoire um Acrylfarben, die selbst bei starker Verdünnung ihre brillante Leuchtkraft behalten. Ihr Werk ist geprägt von einem faszinierenden Spannungsfeld: dem Gleichgewicht zwischen dem bewussten Lenken des Farbflusses und dem mutigen Loslassen, bei dem sich die Pigmente ihren eigenen Weg suchen dürfen.

Dialog mit den Meistern

Eine Besonderheit der Basler Ausstellung ist die Gegenüberstellung von Frankenthalers Werken mit ihren kunsthistorischen Inspirationsquellen. Schon früh prägten Museumsbesuche und Reisen ihre künstlerische Vision. In Basel lässt sich nun nachvollziehen, wie sie beispielsweise die Farbwelt von Claude Monet – dessen Werke sie vermutlich bei einem Besuch in Basel selbst studierte – aufgriff und in die Abstraktion überführte. Sie betonte damit, dass die Wurzeln der modernen Abstraktion bereits bei den Impressionisten liegen.

Ein immersives Farberlebnis

Die Ausstellung im Kunstmuseum Basel lädt dazu ein, in die monumentalen Formate Frankenthalers einzutauchen. Es geht nicht nur um das Betrachten, sondern um das Spüren der Emotionalität, die von den weiten Farbfeldern ausgeht. Frankenthaler hat die Malerei nicht nur reformiert – sie hat sie für das Licht und den Raum geöffnet.

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