Seit den 1970er-Jahren bauten Gertraud und Dieter Bogner eine bedeutende private Kunstsammlung auf. Schon früh konzentrierte sich das Ehepaar auf Werke der konstruktiven, strukturellen und konzeptuellen Kunst sowie auf wichtige kunsttheoretische Arbeiten.

Ihre Sammlung entstand aus einer intensiven Auseinandersetzung mit den Ideen und Entwicklungen der zeitgenössischen Kunst. Dabei ging es nicht allein um das Sammeln einzelner Werke, sondern auch um die Frage, welche künstlerischen Positionen und theoretischen Ansätze langfristig von Bedeutung sein könnten.

Kunst auf Schloss Buchberg am Kamp

Die Sammlung der Bogners wird auf Schloss Buchberg am Kamp aufbewahrt. Dort wird sie bis heute erweitert – sowohl durch neue Erwerbungen als auch durch Werke, die eigens für das Schloss geschaffen werden.

Das Schloss wurde damit selbst zu einem wichtigen Ort für die Präsentation und Weiterentwicklung der Sammlung. Kunst, Architektur und der jeweilige räumliche Kontext stehen dabei in einem engen Verhältnis zueinander.

Ein bedeutendes Konvolut für das mumok

Im Jahr 2007 übergaben Gertraud und Dieter Bogner ein umfangreiches Konvolut ihrer Sammlung an das mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien.

Mit dieser Schenkung fanden zahlreiche Werke aus der Sammlung Eingang in die Bestände des Museums und wurden damit dauerhaft öffentlich zugänglich.

Warum sammeln? Warum schenken?

Das Video gibt persönliche Einblicke in die Sammlertätigkeit von Gertraud und Dieter Bogner. Im Mittelpunkt stehen ihre Beweggründe, ihre Leidenschaft für konstruktive und konzeptuelle Kunst sowie die Entscheidung, einen großen Teil ihrer Sammlung dem mumok zu übergeben.

Dabei wird deutlich, dass privates Sammeln weit über den Besitz von Kunstwerken hinausgehen kann. Sammler*innen prägen durch ihre Auswahl auch die Wahrnehmung bestimmter künstlerischer Strömungen und können dazu beitragen, Werke langfristig zu bewahren und einem größeren Publikum zugänglich zu machen.

Die Sammlung als Teil der Kunstgeschichte

Die Geschichte der Sammlung von Gertraud und Dieter Bogner zeigt, wie aus persönlichem Interesse über Jahrzehnte eine umfangreiche und kunsthistorisch relevante Sammlung entstehen kann.

Mit der Übergabe des Konvoluts an das mumok wurde ein wesentlicher Teil dieser Sammlung Teil einer öffentlichen Institution. Das Video bietet einen persönlichen Blick hinter die Entstehung dieser Sammlung und auf die Überlegungen, die mit ihrer Schenkung verbunden waren.

Mehr unter: mumok.at

Der Beitrag Eine Leidenschaft für konstruktive und konzeptuelle Kunst – Die Sammlung von Gertraud und Dieter Bogner im mumok erschien zuerst auf museumsfernsehen.

In ihrer aktuellen Ausstellung im mumok Wien verknüpft die Künstlerin Claudia Pagès Rabal historische Machtstrukturen mit gegenwärtigen politischen Konflikten. „Feudal Holes“ ist eine tiefgründige Untersuchung über Territorien, Überwachung und die Sprache der Gewalt, die sich durch die Jahrhunderte zieht.

Die Ausstellung empfängt die Besucher mit einer Laserarbeit, die Wasserzeichen aus dem 15. Jahrhundert darstellt. Diese ursprünglich naiv wirkenden Zeichnungen von Türmen, Hunden und Schlössern dekonstruiert Pagès Rabal, um die tieferliegende Gewalt und die Bedeutung dieser Symbole zu hinterfragen.

Zeitmaschinen und Grenzgebiete

Das Herzstück der Schau bilden zwei „Zeitmaschinen“, die in einem ehemaligen Verteidigungsturm aufgenommen wurden. Dieser Turm befand sich einst in einer Pufferzone auf der Iberischen Halbinsel zur Zeit von Al-Andalus und diente der Überwachung und Verteidigung von Territorien.

• Wissensstopp durch Gewalt: Die Künstlerin verbindet diese historischen Verteidigungsstrukturen mit der Geschichte der Seidenstraße, die gleichzeitig eine „Papierstraße“ war. Die Türme fungierten dabei nicht nur als Schutz, sondern auch als Orte, an denen der Austausch von Wissen durch Gewalt unterbrochen wurde.

Gegenwart und Gegen-Kartografie

Pagès Rabal schlägt eine Brücke in die unmittelbare Gegenwart, indem sie Leuchtkästen mit Screenshots der Website von Forensic Architecture zeigt. Diese dokumentieren Flotten, die versuchten, die Belagerung im Gazastreifen zu durchbrechen.

• Mittelmeer als politischer Raum: Diese Arbeiten fungieren als „Gegen-Kartografien“, um über die Politik und die Gewalt im heutigen Mittelmeerraum nachzudenken.

Der neue Feudalismus?

Der Titel „Feudal Holes“ bezieht sich auf die zyklische Natur von Gewalt und Unterdrückung. Die Künstlerin greift Theorien auf, nach denen unsere heutigen Wirtschaftssysteme in musterhafte, fast feudale Strukturen zurückfallen – geprägt von Entfremdung und Negation. Ihre Arbeit entspringt dabei oft einem Gefühl der Frustration und Traurigkeit über diese sich wiederholenden Kreisläufe.

Indem sie banale und alltägliche Singularitäten untersucht, gelingt es Pagès Rabal, universelle Themen sichtbar zu machen, die uns alle betreffen.

Mehr unter: mumok.at

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Abstrakt oder gegenständlich? Für den österreichischen Künstler Tobias Pils spielt diese Kategorisierung keine Rolle. Vielmehr versteht er sein Werk als eine wachsende Sprache. Das mumok widmet dem international erfolgreichen Maler nun eine umfassende Werkschau, die die letzten zehn Jahre seines Schaffens beleuchtet.

Mit der Ausstellung „Shh“ präsentiert das mumok (Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien) einen tiefen Einblick in das Universum von Tobias Pils. Die Schau ist kuratorisch „rückwärts“ gedacht: Während die neuesten Arbeiten der letzten drei Jahre die Eingangsebene bespielen, finden sich frühere Werke auf der Ebene -2.

Malerei als persönliche Sprache

Pils beschreibt seine künstlerische Arbeit als das Zusammensetzen eines erarbeiteten Vokabulars. Seine Motive speisen sich aus persönlichen Erfahrungen: Kinderdarstellungen referenzieren seine eigenen Kinder, gebrochene Körperteile erinnern an eine eigene Schulterverletzung. Um eine universelle Relevanz zu erreichen, kombiniert er diese persönlichen Elemente mit Fremdem. Sein Idealzustand: Wenn ihm das eigene Bild am nächsten Tag im Atelier selbst fremd erscheint.

Von der Zeichnung zur Farbe

Obwohl Pils heute vor allem für seine Malerei bekannt ist, liegt sein Ursprung in der Grafik. Aus einer räumlichen Notsituation heraus begann er als Jugendlicher ausschließlich zu zeichnen.

• Schwarz-Weiß-Ästhetik: Die Reduktion der Farbe zog sich lange durch sein Werk, wobei Pils sich selbst nie als reinen Schwarz-Weiß-Maler verstand.
• Zufall und Farbe: Der Einzug von Farben wie Blau und Grün in seine Bilder war oft dem Zufall geschuldet – etwa dem Griff zur falschen Farbtube im Atelier.
• Tuschgrafiken als Reflexion: Seine grafischen Arbeiten sind keine vorbereitenden Skizzen, sondern Meditationen über bereits abgeschlossene Bilder.

Ein flüchtiges Echo: Die Wandmalerei

Eigens für die Wiener Ausstellung schuf Pils eine monumentale Wandmalerei. Diese „überdimensionierte Zeichnung“ versteht er als ein Echo auf ein bestehendes Bild eines aufrechten Mädchens; in der Wandarbeit legt sich die Figur jedoch in den Raum hinein. Das Besondere: Diese Arbeit hat nur eine begrenzte Lebensdauer für die Zeit der Ausstellung.

Mit dieser Werkschau unterstreicht das mumok Pils’ Bedeutung als österreichischer Künstler mit internationaler Strahlkraft, der bereits in den USA und Deutschland große Erfolge feierte.

Mehr unter: mumok.at

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ergessen Sie die klassische Chronologie der Kunstgeschichte. Das mumok Wien bricht mit der Vorstellung einer geradlinigen Zeit und präsentiert eine Ausstellung, die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in einer kreisförmigen Logik miteinander verwebt. Unter dem Titel „Die Welt von morgen wird eine weitere Gegenwart gewesen sein“ begegnen sich Klassische Moderne und zeitgenössische Radikalität auf Augenhöhe.

Was wäre, wenn Kunstgeschichte kein Zeitstrahl, sondern ein Netzwerk aus Rück- und Vorgriffen wäre? Die Ausstellung geht davon aus, dass Künstler*innen seit jeher Meister des nichtlinearen Denkens sind – getragen von Zweifel an konventionellen Wahrheitsregimen und einem tiefen Bewusstsein für ihre eigene Geschichtlichkeit.

Fünf Künstler*innen – Fünf Dialoge

Das Besondere an diesem Projekt ist die Struktur: Es handelt sich quasi um „fünf Ausstellungen in einer“. Fünf zeitgenössische Positionen wurden eingeladen, tief in die Bestände der Klassischen Moderne des mumok einzutauchen und einen direkten Dialog mit den historischen Werken zu führen.

Die beteiligten Künstler*innen sind:

• Nikita Kadan: Setzt sich oft mit den politischen Brüchen und dem Erbe der Moderne auseinander.
• Barbara Kapusta: Bekannt für ihre Auseinandersetzung mit Körperlichkeit und Technologie.
• Frida Orupabo: Dekonstruiert in ihren Collagen koloniale und geschlechtsspezifische Narrative.
• Lisl Ponger: Untersucht die Mechanismen des Sammelns und der Repräsentation.
• Anita Witek: Fragmentiert visuelle Welten, um neue Räume und Wahrheiten zu schaffen.

Zirkuläre Zeit statt linearer Abfolge

Die Installationen bestehen aus eigenen Werken der Künstler*innen, die bereits in der mumok-Sammlung vertreten sind, sowie neuen Arbeiten, die eigens für diesen Anlass konzipiert wurden. Diese treffen auf historische Varianten ihrer selbst. Das Ergebnis ist ein Entwurf für eine zirkulär gedachte Zeitlichkeit:

• Das Potenzial der Vergangenheit: Historische Werke werden nicht als „abgeschlossen“, sondern als noch nicht voll entwickeltes Potenzial begriffen.
• Die unvollendete Zukunft: Fragen von heute richten sich an ein „gewesenes Jetzt“, um Wege in eine Zukunft aufzuzeigen, die längst begonnen hat.

Ein radikaler Blick auf die Gegenwart

„Ist das etwa die Gegenwart?“, fragt die Ausstellung provokant. Durch die Gestaltung von Studio Kehrer und das Kuratorium von Franz Thalmair wird das Museum zur Plattform für vernetztes Denken. Die Besucher wandern durch raumgreifende Installationen, in denen die Grenze zwischen damals und heute verschwimmt und die Kunstgeschichte als eine unabgeschlossene Folge von Ereignissen ohne Anfang und Ende erfahrbar wird.

Mehr unter: mumok.at

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Ein Museum ist niemals fertig. Diese Erkenntnis, einst von der Wissenschaftsministerin Hertha Firnberg formuliert, ist das Leitmotiv der aktuellen Ausstellung im mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien. Noch bis zum 3. Mai 2026 blickt das Haus auf eine seiner prägendsten Dekaden zurück: die Ära Dieter Ronte (1979–1989).

Die Ausstellung „Nie endgültig!“ ist weit mehr als eine historische Rückschau. Sie ist eine Analyse darüber, wie aus einer bescheidenen Sammlung im Wiener „20er Haus“ eine Institution von Weltrang wurde – getrieben durch strategische Diplomatie und spektakuläre Sammlungszuwächse.

Der „Ludwig-Moment“: Ein Quantensprung für Wien

Der 26. April 1979 markiert die Geburtsstunde des modernen mumok. Durch die Kooperation mit dem Aachener Sammlerpaar Peter und Irene Ludwig kamen fast 200 kunsthistorisch maßgebliche Werke nach Wien.

• Neue Schwerpunkte: Mit Pop Art und Fotorealismus erhielt die Sammlung ein völlig neues Gesicht.
• Erweiterung: Der Zuwachs war so gewaltig, dass das Museum ins Palais Liechtenstein expandieren musste.
• Finanzielle Weitsicht: Die Gründung der Österreichischen Ludwig-Stiftung 1981 sicherte durch staatliche Mittel dauerhaft Ankäufe, die zuvor unbezahlbar gewesen wären.

Die Ära Dieter Ronte (1979–1989)

Unter der Direktion von Dieter Ronte wurde das Museum zum Akteur in gesellschaftspolitischen Belangen. Die Ausstellung zeigt, wie in diesem Jahrzehnt die Grundsteine für heutige Sammlungsschwerpunkte gelegt wurden. Es war eine Zeit der intensiven Netzwerkarbeit, in der Persönlichkeiten wie Hans Mayr und Hermann Fillitz kulturpolitische Weichenstellungen vornahmen, die bis heute nachwirken.

Ein Museum als Labor

Passend zum Titel „Nie endgültig!“ bricht das mumok auch in der Ausstellungsgestaltung mit Konventionen. Statt starrer Vitrinen erwartet die Besucher ein offenes Format:

• Interaktive Möbel & Dialogräume: Die Architektur lädt zum kollektiven Forschen und Lernen ein.
• Museumspraxis als Beziehungsarbeit: Kunst wird hier nicht nur „gezeigt“, sondern gemeinsam mit dem Publikum hinterfragt und reflektiert.
• Dynamik statt Stillstand: Das Museum inszeniert sich als Plattform, die sich stetig neu erfindet.

Teil einer großen Aufarbeitung

Die aktuelle Schau ist der dritte Teil einer Reihe, die die eigene Geschichte des Hauses kritisch beleuchtet. Nach den Präsentationen zu den Gründungsjahren unter Werner Hofmann und der Ära Alfred Schmeller schließt sich nun der Kreis um die prägenden 1980er-Jahre.

Mehr unter: mumok.at

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Das mumok spielt nicht nur als zeitgenössisches Museum, sondern auch als Leihgeberin von Kunstwerken international eine bedeutende Rolle. Martha Jungwirth, die in der mumok Sammlung vertreten ist, hatte im Herbst 2024 im Guggenheim Museum in Bilbao eine groß angelegte Retrospektive. Eine großformatige Papierarbeit aus dem mumok reiste als Leihgabe dorthin. Anselm Pavlik hat Karin Steiner in der Restauration besucht und mit seiner Kamera begleitet.

Mehr unter: mumok.at

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BENOÎT PIÉRON
MONSTERA DELICIOSA

26. Oktober 2023 bis 7. Jänner 2024

Piérons Wartezimmer allerdings ist kein Ort, wo die Zeit „totgeschlagen“ wird, sondern ein Ort der Transformation, in den die Außenwelt in Form rätselhafter Objekte und Bilder eindringt. Schneekugeln, ein chromatischer Wolkenhimmel, das Spiel von Licht und Schatten, ein Wasserleck und die Figur einer Fledermaus verwandeln einen Ort der Leere in einen Ort poetischer Fülle.

Piérons künstlerische Praxis ist durch seine lebenslange Erfahrung mit Krankheit geprägt. Er beschäftigt sich mit dem medizinischen und gesellschaftlichen Umgang mit kranken Körpern, mit Erfahrungen des Wartens und der Ungewissheit, mit Fürsorge und Intimität. So verwandelt Piéron seine Krankheit in eine Kunst des Überlebens.

Kuratiert von Manuela Ammer

Alle Informationen zur Ausstellung gibt es auf unserer Website:
mumok.at/ausstellungen/benoit-pieron

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Agnes Fuchs rekonfiguriert mit den Mitteln der Malerei, mit Videos und Installationen wissenschaftlich-technologische Instrumentarien und Vorgänge, die für die Herausbildung aktueller digitaler Technologien verantwortlich sind. Als Ausgangspunkt für ihre Arbeiten dienen Fuchs dabei Bedienungsanleitungen, Funktionsbeschreibungen und Handbücher für Oszilloskope, Computer, Stromversorgungsgeräte oder Messvorrichtungen. Sie analysiert die kulturellen Implikationen dieser Vermittlungsmedien und setzt sich so in ihrer künstlerischen Praxis mit der Aneignung eines historischen Feldes auseinander, sowie mit den Nachbildern, die dieses Feld bis heute produziert.

Zentral dabei ist, dass die Künstlerin nicht nur die technologischen Geräte an sich, sondern ihre bereits medial vermittelten Formen als Ausgangsmaterial verwendet und transformiert. Agnes Fuchs malt Bilder, die im kollektiven Gedächtnis gespeichert sind und (nicht immer offensichtlich) zirkulieren. Durch die Materialität der Malerei stellt sie ein sensorisch physisches Erleben dem digitalen Schein oder der Virtualität zirkulierender Bilder und Narrative entgegen.

Kuratiert von Franz Thalmair

Mehr unter: mumok.at

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Emília Rigová
Nane Oda Lavutaris / Who Will Play for Me?

8. Oktober 2022 bis 16. April 2023

Die in der Slowakei geborene Künstlerin Emília Rigová beschäftigt sich in ihrer Ausstellung “Nane Oda Lavutaris / Who Will Play for Me?” mit der Geschichte sowie den Gegenwartserfahrungen der Roma. In einer Installation mit Pianos bezieht sie sich auf das musikalische Erbe der Roma und die darin erkennbaren Spannungen zwischen Selbstbild und Fremdbestimmung.

Rigovás Arbeiten basieren auf gesellschaftsbezogener Forschung und Analyse. Sie sind mitunter als Performances und Installationen im öffentlichen Raum auch als Formen von politischem Aktivismus zu verstehen. Eines der Ziele ist dabei die Dekonstruktion stereotyper, von der Mehrheitsgesellschaft bestimmter gesellschaftlicher Rollenbilder und Vorurteile.

Kuratiert von Rainer Fuchs
Alle Informationen zur Ausstellung gibt es auf unserer Website:
mumok.at/events/emilia-rigova

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Jesse Stecklow. Terminal
May 20, 2022 to September 25, 2022

The collection, analysis, and circulation of ecological data, often invisible to the human eye, is at the core of Jesse Stecklow’s artistic practice. The Los Angeles-based artist (b. 1993) works with a precisely defined repertoire of objects that oscillate between image, text and sound. His sculptures enter into a dialogue with their surrounding environment, effectively confusing the boundaries of the work. Stecklow is less concerned with the singular object itself. Rather, he is interested in the various narratives that are created through location-related shifts in context. Stecklow refers to his objects as characters. They take on different roles depending on the situation in which they find themselves, thus assuming multiple identities in divergent forms.

In his first European museum exhibition, titled Terminal, Stecklow will transform the exhibition space into a waiting room. He will present various versions of his sculptures in repetition across displays he designed as a hybrid between luggage carousels and dining tables. These forms can be traced back to the shifts that have taken place between public and private spaces over the course of the pandemic: While the once so heavily frequented airport terminals emptied, our hitherto lonely dining tables have filled up, becoming offices and school desks.

Curated by Marianne Dobner

All further information can be found on our website:
mumok.at/events/jesse-stecklow

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Das Sammeln, Analysieren und Zirkulieren ökologischer, für das menschliche Auge meist unsichtbarer Daten bildet den Grundstein von Jesse Stecklows künstlerischer Praxis. Der in Los Angeles lebende Künstler (geb. 1993) arbeitet mit einem klar definierten Repertoire an Objekten, die zwischen Bild, Text und Sound oszillieren. Seine Skulpturen treten in einen direkten Dialog mit ihrer Umgebung, verschmelzen gleichsam mit ihr. Dabei geht es Stecklow weniger um das einzelne Objekt als um die unterschiedlichen Narrative, die durch ortsbedingte Kontextverschiebungen entstehen. Stecklow bezeichnet seine Objekte als Charaktere, die je nach Situation unterschiedliche Rollen annehmen und so in Form divergierender Fassungen multiple Identitäten annehmen.

In seiner ersten musealen Einzelausstellung in Europa mit dem Titel Terminal verwandelt Stecklow den Ausstellungsraum in einen Warteraum. Die immerwährende Wiederholung seines Formenrepertoires, sprich die Darstellung seiner Objekte in unterschiedlichen Fassungen, strukturiert Stecklow mithilfe von Displays, die eine hybride Form zwischen Gepäckband und Esstisch annehmen. Eine Entscheidung, die sich auf die pandemiebedingte Verschiebung zwischen öffentlichen und privaten Räumlichkeiten zurückführen lässt: während die einst stark bevölkerten Flughafenterminals immer leerer wurden, füllten sich die zuvor vereinsamten Esstische und agieren nun gleichsam als Büro- und Schultische.

Kuratiert von Marianne Dobner

Alle Informationen zur Ausstellung gibt es auf unserer Website:
mumok.at/events/jesse-stecklow

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