documenta 16: Internationales Kuratorenteam wird erweitert

Mit der Berufung von vier weiteren Fachleuten verstärkt die documenta 16 ihre internationale und interdisziplinäre Ausrichtung. Die neuen Mitglieder bringen Erfahrungen aus der zeitgenössischen Kunst, Musik, Performance, Kunstgeschichte und technologischen Forschung mit. Ihre Perspektiven sollen in die Entwicklung des Ausstellungsprogramms einfließen. Die Künstlerische Leiterin Naomi Beckwith arbeitet dabei weiterhin mit dem bereits berufenen kuratorischen Kernteam zusammen. Ihm gehören Carla Acevedo-Yates, Romi Crawford, Mayra A. Rodríguez Castro und Xiaoyu Weng an.

Das erweiterte Team soll künstlerische Positionen unterschiedlicher geografischer und kultureller Kontexte zusammenführen. Inhaltlich beschäftigt sich die documenta 16 mit gesellschaftlichen Umbrüchen, technologischen Veränderungen und den Herausforderungen einer von ökologischer Instabilität geprägten Gegenwart. Eine besondere Bedeutung kommt dabei der Improvisation zu. Sie wird als künstlerische Strategie verstanden, um mit Unsicherheit umzugehen und neue Formen des gemeinsamen Handelns zu entwickeln.

Raven Chacon wird Curator-at-Large der documenta 16

Der US-amerikanische Komponist, Performer und Installationskünstler Raven Chacon übernimmt die Funktion des Curator-at-Large. Chacon wurde in Fort Defiance auf dem Gebiet der Navajo Nation geboren. Im Jahr 2022 erhielt er als erster indigener Komponist den Pulitzer-Preis für Musik. Seine künstlerische Praxis verbindet experimentelle Musik, Klanginstallationen und Performance mit gesellschaftlichen und politischen Fragestellungen. Von 2009 bis 2018 war Chacon Mitglied des Künstlerkollektivs Postcommodity. Dessen Arbeiten wurden unter anderem auf der documenta 14 präsentiert.

Zu den bekanntesten Projekten des Kollektivs gehört die rund zwei Meilen lange Land-Art-Installation „Repellent Fence“ an der Grenze zwischen den USA und Mexiko. Neben seiner eigenen künstlerischen Arbeit engagiert sich Chacon seit vielen Jahren für die Förderung junger indigener Komponistinnen und Komponisten. Mit seiner Berufung erhält die experimentelle Musik- und Klangkunst innerhalb des kuratorischen Teams eine wichtige Stimme.

Osei Bonsu: Internationale Kunst und afrikanische Diaspora

Der britisch-ghanaische Kurator, Autor und Kunsthistoriker Osei Bonsu wird die documenta 16 als kuratorischer Berater unterstützen. Bonsu ist an der Tate Modern als Jorge M. Pérez Senior Curator of International Art, Africa, and Diaspora tätig. Dort beschäftigt er sich mit internationaler Ausstellungsplanung, Sammlungsentwicklung und kunsthistorischer Forschung. Ein Schwerpunkt seiner Arbeit liegt auf Kunst aus Afrika und der afrikanischen Diaspora.

Bonsu untersucht insbesondere postkoloniale Perspektiven auf die Kunstgeschichte und die Entwicklung globaler Modernismen. Mit seiner Forschung hinterfragt er kunsthistorische Erzählungen, die sich überwiegend an europäischen und nordamerikanischen Entwicklungen orientieren. Seine Beteiligung an der documenta 16 stärkt die Auseinandersetzung mit transnationalen Kunstgeschichten und künstlerischen Positionen aus dem Globalen Süden.

Timea Junghaus: Roma-Kunst, Migration und künstliche Intelligenz

Die Kunsthistorikerin und Kuratorin Timea Junghaus bringt ihre langjährige Erfahrung in der internationalen Roma-Kunst und institutionellen Kulturarbeit in das Team ein. Sie war Gründungsdirektorin der Gallery8 – Roma Contemporary Art Space in Budapest und von 2017 bis 2025 geschäftsführende Gründungsdirektorin des European Roma Institute for Arts and Culture (ERIAC) in Berlin.

Bereits 2007 kuratierte Junghaus mit „Paradise Lost“ den ersten Roma-Pavillon auf der Biennale von Venedig. Sie gehörte außerdem zu den Initiatorinnen des Projekts RomaMoMA, das sich mit der Sichtbarkeit und institutionellen Repräsentation von Kunst der Roma beschäftigt.

Ihre Forschung und kuratorische Arbeit befassen sich mit Migration, Vertreibung, kultureller Selbstrepräsentation und gesellschaftlicher Teilhabe. Zunehmend untersucht Junghaus auch die Auswirkungen künstlicher Intelligenz und technologischer Transformationen. Damit verbindet sie Fragen kultureller Repräsentation mit den gesellschaftlichen Herausforderungen digitaler Technologien.

Noam Segal: Zeitgenössische Kunst und neue Technologien

Die Kuratorin und Wissenschaftlerin Noam Segal ergänzt das Team mit ihrer Expertise an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Gesellschaft. Segal ist als LG Electronics Associate Curator am Solomon R. Guggenheim Museum in New York tätig. Dort verantwortet sie unter anderem das Auswahlverfahren für den LG Guggenheim Award. Zuvor arbeitete Segal in der kuratorischen Forschung an der School of Visual Arts und war Gastwissenschaftlerin an der Tisch School of the Arts der New York University.

Ihre wissenschaftliche und kuratorische Tätigkeit beschäftigt sich mit den gesellschaftlichen Auswirkungen technologischer Entwicklungen und deren Bedeutung für die zeitgenössische Kunst. Sie hat mit internationalen Kunstinstitutionen und Veranstaltungen zusammengearbeitet, darunter dem Palais de Tokyo in Paris, Performa NYC, der Gwangju Biennale und der Berlin Biennale. Bei der documenta 16 dürfte ihre Expertise insbesondere für die Auseinandersetzung mit digitalen Medien, künstlicher Intelligenz und technologischen Zukunftsfragen relevant werden.

Naomi Beckwith setzt auf Zusammenarbeit und Improvisation

Mit dem erweiterten Team verfolgt Naomi Beckwith einen kollaborativen Ansatz. Die unterschiedlichen fachlichen Hintergründe der Beteiligten sollen nicht nur das Spektrum künstlerischer Positionen erweitern, sondern auch neue Formen der Zusammenarbeit ermöglichen. Beckwith betont, dass sie sich auf die Kooperation mit Persönlichkeiten freue, deren Überzeugungen und Werte ebenso ausgeprägt seien wie ihr Engagement für gemeinschaftliche Arbeitsweisen.

Die documenta 16 versteht Improvisation dabei als Möglichkeit, auf gesellschaftliche Veränderungen zu reagieren, ohne bereits festgelegte Antworten vorauszusetzen. Experimentelle Kunstformen und kollektive Lernprozesse sollen Räume eröffnen, in denen unterschiedliche Erfahrungen und Wissensformen aufeinandertreffen.

Kunst, Technologie und ökologische Krisen als Themen der documenta 16

Die kommende documenta beschäftigt sich mit einer Gegenwart, die von politischen, gesellschaftlichen und ökologischen Veränderungen geprägt ist. Im Mittelpunkt stehen künstlerische Strategien, die neue Perspektiven auf Unsicherheit und Transformation eröffnen. Dazu gehören Fragen nach den Möglichkeiten und Risiken gegenwärtiger Technologien ebenso wie die Auswirkungen globaler Krisen auf das Zusammenleben.

Die documenta 16 will Künstlerinnen und Künstler vorstellen, die sich mit diesen Entwicklungen auseinandersetzen und alternative Formen des Denkens, Handelns und Zusammenlebens erproben. Dabei sollen transkultureller Dialog, experimentelle Arbeitsweisen und gemeinsame Erfahrungen eine zentrale Rolle spielen.

documenta 16 in Kassel: Ausstellung vom 12. Juni bis 19. September 2027

Die documenta zählt zu den international bedeutendsten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst. Seit ihrer Gründung im Jahr 1955 findet sie traditionell alle fünf Jahre in Kassel statt. Die 16. Ausgabe wird vom 12. Juni bis zum 19. September 2027 veranstaltet.

Mit der Erweiterung des kuratorischen Teams konkretisieren sich nun die personellen und inhaltlichen Grundlagen der kommenden Ausstellung. Welche Künstlerinnen und Künstler teilnehmen und wie die einzelnen Ausstellungsorte bespielt werden, bleibt weiteren Ankündigungen vorbehalten. Fest steht bereits, dass die documenta 16 mit ihrem internationalen Team auf eine Verbindung unterschiedlicher künstlerischer Disziplinen, kultureller Perspektiven und gesellschaftlicher Fragestellungen setzt.

Mehr unter: www.documentasixteen.com

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Ein blinder Fleck der Forschung

Museen gelten als Orte der Inspiration, der Entdeckung, des kulturellen Erlebens. Langeweile scheint dort fehl am Platz. Und doch: Wie häufig sie beim Museumsbesuch tatsächlich auftritt und welche Folgen sie hat, wurde bislang kaum systematisch untersucht. Ein internationales Forscherteam unter der Leitung von Bildungspsychologe Thomas Götz von der Universität Wien hat diese Lücke nun erstmals geschlossen – mit Ergebnissen, die für Museen gleichermaßen beruhigend und alarmierend sind. Die Studie erschien kürzlich in der Fachzeitschrift Scientific Reports.

Die gute Nachricht: Langeweile bleibt die Ausnahme

In drei Studien mit insgesamt 1.269 Teilnehmerinnen und Teilnehmern im Alter von 18 bis 91 Jahren befragten die Forschenden Besucherinnen und Besucher des Sigmund Freud Museums und des Kunsthistorischen Museums Wien direkt nach ihrem Besuch. Das beruhigende Ergebnis: Langeweile war insgesamt schwach ausgeprägt – mit einem Mittelwert von 1,74 auf einer Skala von 1 bis 5. Im Vergleich mit anderen Emotionen wie Freude oder Überraschung war Langeweile zwar die intensivste negative Emotion – blieb aber deutlich schwächer als alle positiven Empfindungen. Dennoch: Ein Teil der Befragten gab Langeweile bis zum Maximalwert an.

Über- und Unterforderung als Ursachen

Warum langweilen sich Museumsbesuchende? Die Studie stützt sich auf die Kontroll-Wert-Theorie der Emotionen: Langeweile entsteht demnach vor allem dann, wenn Menschen sich über- oder unterfordert fühlen oder eine Tätigkeit als wenig relevant erleben. Beides bestätigte sich auch im Museum. Zu viel Text, eine zu hohe Informationsfülle sowie enge und heiße Räume führten zu Überforderung. Zu wenig Information und kahle Räume hingegen zu Unterforderung – die in den untersuchten Museen sogar stärker ausgeprägt war als die Überforderung.

Wer sich langweilt, lernt weniger

Die Folgen sind klar: Wer sich im Museum langweilt, erwirbt weniger Wissen – gemessen durch museumsspezifische Wissenstests – und bewertet das Museum insgesamt schlechter. Langeweile schadet damit nicht nur dem Erlebnis, sondern auch dem zentralen Auftrag des Museums als Lernort.

Individuelle Lösungen statt Einheitsbrei

Was tun? Götz plädiert für stärker personalisierte Angebote: „Um Langeweile im Museum zu verringern, könnten Museen stärker auf die Vielfalt ihrer Besucherinnen und Besucher eingehen – etwa durch individuell zugeschnittene Informationstiefe über Barcodes oder Augmented-Reality-Anwendungen, oder durch Rundgänge unterschiedlicher Schwierigkeit, von einer kurzen Pocket Tour bis zu einem vertiefenden Deep Dive.“ Dabei betont er: Museen sollten keine reinen Unterhaltungsstätten werden – die Reduktion von Langeweile müsse im Einklang mit ihren übergeordneten Zielen stehen.

Ein neues Forschungsfeld

Mit ihrer Untersuchung eröffnen die Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler ein neues Forschungsfeld: das informelle Lernen außerhalb von Schule und Hochschule. „Museen sind zentrale Orte informellen Lernens. Unsere Ergebnisse zeigen, dass Langeweile auch hier eine bislang unterschätzte Rolle spielt“, so Götz.

Pressemitteilung unter: www.univie.ac.at/

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Das Haus der Geschichte Österreich (hdgö) erhält eine neue Leitung: Die Historikerin, Kuratorin und Museumsmanagerin Mirjam Zadoff übernimmt am 1. März 2027 die Direktion des Wiener Museums. Die bisherige Leiterin des NS-Dokumentationszentrums München folgt auf Gründungsdirektorin Monika Sommer. Mit dem Führungswechsel beginnt für das hdgö eine wichtige Phase: Der geplante Umzug ins MuseumsQuartier Wien, die Entwicklung einer neuen Dauerausstellung und die stärkere internationale Vernetzung gehören zu den zentralen Aufgaben der künftigen Direktorin.

Mirjam Zadoff übernimmt Leitung des Hauses der Geschichte Österreich

Die Entscheidung über die neue Direktion des Hauses der Geschichte Österreich ist gefallen. Ab dem 1. März 2027 wird Mirjam Zadoff die Leitung des Museums übernehmen. Die 1974 in Innsbruck geborene Historikerin wurde vom Wissenschaftlichen Beirat unter dem Vorsitz von Oliver Rathkolb als erstgereihte Bewerberin empfohlen. Die Geschäftsführung der Österreichischen Nationalbibliothek folgte dieser Empfehlung.

Insgesamt hatten sich zwölf Personen um die Position beworben, darunter sieben Frauen und fünf Männer. Zehn Bewerbungen kamen aus Österreich, zwei aus dem Ausland. Für die Entscheidung waren insbesondere Zadoffs internationale Museumserfahrung, ihre wissenschaftliche Qualifikation und ihre Vorstellungen zur Weiterentwicklung des Hauses ausschlaggebend.

Oliver Rathkolb würdigte die künftige Direktorin als international erfahrene Kulturmanagerin und Historikerin. Er erwartet, dass das Museum unter ihrer Leitung insbesondere am geplanten neuen Standort im MuseumsQuartier stärker international wahrgenommen wird.

Vom NS-Dokumentationszentrum München nach Wien

Mirjam Zadoff verfügt über langjährige Erfahrung in Wissenschaft, historischer Forschung und Museumsleitung. Sie studierte Geschichte und Judaistik in Wien und promovierte 2006 an der Ludwig-Maximilians-Universität München. Dort habilitierte sie sich 2013. Anschließend übernahm sie eine Professur für Geschichte und Jüdische Studien an der Indiana University Bloomington in den USA. Seit 2018 leitet sie das NS-Dokumentationszentrum München. Darüber hinaus lehrt sie an der Ludwig-Maximilians-Universität und der Technischen Universität München.

Zu ihren Forschungsschwerpunkten gehören die österreichische, europäische und jüdische Geschichte, der Nationalsozialismus und der Holocaust sowie internationale Erinnerungskultur. Ein weiterer Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt auf der Frage, wie Museen historische Inhalte vermitteln und gesellschaftliche Diskussionen ermöglichen können. Diese Erfahrungen sollen künftig in die Entwicklung des Hauses der Geschichte Österreich einfließen.

Haus der Geschichte Österreich zieht ins MuseumsQuartier Wien

Eine der wichtigsten Aufgaben der neuen Direktorin wird die Vorbereitung des geplanten Museumsneubaus sein. Das Haus der Geschichte Österreich wurde 2018 als erstes zeitgeschichtliches Museum des österreichischen Bundes in der Neuen Burg am Wiener Heldenplatz eröffnet. Seit 2023 bestehen Pläne, das Museum an einen neuen Standort im MuseumsQuartier Wien zu verlegen.

Der Architekturwettbewerb für den geplanten Um- und Neubau wurde 2024 vom Architekturbüro O & O Baukunst gewonnen. Mit dem Projekt soll die Ausstellungs- und Vermittlungsfläche auf rund 3.000 Quadratmeter erweitert werden. Anfang 2026 bestätigte Kulturminister Andreas Babler, dass die Pläne für den Umzug weiterverfolgt werden. Für Mirjam Zadoff bedeutet dies, dass sie neben der inhaltlichen Leitung auch die Weiterentwicklung des Museumsstandorts begleiten wird.

Neue Dauerausstellung soll österreichische Geschichte umfassender erzählen

Mit dem geplanten Umzug ist eine grundlegende Neugestaltung der Dauerausstellung verbunden. Nach den Vorstellungen von Mirjam Zadoff soll die künftige Präsentation nicht nur die Geschichte der Ersten und Zweiten Republik behandeln. Auch die letzten sechs bis sieben Jahrzehnte der Habsburgermonarchie und die Geschichte des österreichisch-ungarischen Vielvölkerstaates sollen stärker berücksichtigt werden.

Damit würde die historische Erzählung zeitlich weiter zurückreichen und Österreichs Entwicklung deutlicher in einen mittel- und osteuropäischen Zusammenhang stellen. Im Mittelpunkt stehen Fragen nach politischen Umbrüchen, gesellschaftlichen Veränderungen und den historischen Verbindungen zwischen den Bevölkerungsgruppen Mitteleuropas. Die geplante Erweiterung könnte damit neue Perspektiven auf die österreichische Geschichte eröffnen und ihre internationalen Verflechtungen stärker sichtbar machen.

Erinnerungskultur: Krieg, Flucht und Holocaust bleiben zentrale Themen

Die neue Direktorin möchte das Museum als Ort einer vielstimmigen Auseinandersetzung mit Geschichte und Gegenwart weiterentwickeln. Besondere Bedeutung misst sie dabei den gewaltvollen Erfahrungen des 20. Jahrhunderts bei. Krieg, Flucht und Holocaust sollen ebenso behandelt werden wie Fragen nach gesellschaftlichem Zusammenhalt, Zugehörigkeit und Gemeinschaft. Damit knüpft Zadoff an ihre bisherige Arbeit am NS-Dokumentationszentrum München an.

Zugleich möchte sie historische Erfahrungen stärker mit gegenwärtigen gesellschaftlichen Fragestellungen verbinden. Das Museum soll nicht nur Wissen über vergangene Ereignisse vermitteln, sondern auch zur Diskussion über deren Bedeutung für die Gegenwart anregen.

Mehr Platz für Workshops, Seminare und öffentliche Diskussionen

Ein wichtiger Bestandteil des geplanten Museumsneubaus ist die Erweiterung der Vermittlungsangebote. Am neuen Standort sollen zusätzliche Räume für Seminare, Workshops und Bildungsprogramme entstehen. Auch ein Veranstaltungssaal ist vorgesehen. Damit möchte Zadoff das Haus der Geschichte Österreich stärker als öffentlichen Diskussionsort positionieren. Museen versteht sie nicht ausschließlich als Einrichtungen, die historische Objekte sammeln, bewahren und ausstellen. Vielmehr sollen sie Räume schaffen, in denen Menschen miteinander ins Gespräch kommen, unterschiedliche Perspektiven kennenlernen und gesellschaftliche Fragen diskutieren können. Die geplanten neuen Räumlichkeiten sollen dafür zusätzliche Möglichkeiten bieten.

Monika Sommer prägte das Haus der Geschichte Österreich seit seiner Gründung

Mit dem Amtsantritt von Mirjam Zadoff endet die Gründungsdirektion von Monika Sommer. Sommer hatte den Aufbau des Hauses der Geschichte Österreich maßgeblich gestaltet und das Museum seit seiner Eröffnung 2018 in der österreichischen Museumslandschaft etabliert. Unter ihrer Leitung entwickelte das hdgö Ausstellungen, Sammlungsstrategien und Vermittlungsangebote, die sich mit der österreichischen Zeitgeschichte und ihrer gesellschaftlichen Bedeutung beschäftigen. Michaela Mayr, Generaldirektorin der Österreichischen Nationalbibliothek, würdigte Sommers Arbeit und die Leistungen des Museumsteams. Zadoff soll an diese Entwicklung anknüpfen und das Haus gemeinsam mit den Mitarbeitenden in seine nächste Phase führen.

Haus der Geschichte Österreich vor einem neuen Abschnitt

Mit Mirjam Zadoff übernimmt eine international vernetzte Historikerin die Leitung des Hauses der Geschichte Österreich. Ihre Erfahrungen in der Museumsarbeit, der historischen Forschung und der Vermittlung von Erinnerungskultur treffen auf eine Phase umfassender institutioneller Veränderungen. Der geplante neue Standort im MuseumsQuartier, die Erweiterung der Ausstellungsflächen und die Entwicklung einer neuen Dauerausstellung bieten die Möglichkeit, das Museum inhaltlich und räumlich weiterzuentwickeln. Dabei soll österreichische Geschichte stärker im europäischen Zusammenhang erzählt werden. Zugleich möchte Zadoff das Haus als offenen Ort des Austauschs etablieren, an dem historische Forschung, gesellschaftliche Debatten und unterschiedliche Perspektiven auf Vergangenheit und Gegenwart zusammenkommen.

Pressemitteilung hier

Mehr unter: hdgoe.at

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Der Kunstverein Friedrichshafen zeigt noch bis 15. November 2026 die Einzelausstellung „Nothing but the truth“ des Künstlers John Hussain Flindt. Mit Fotografien, Videos und Installationen untersucht Flindt, wie persönliche Erinnerungen entstehen, Familiengeschichten überliefert werden und Bilder unsere Wahrnehmung von Vergangenheit prägen.

Im Mittelpunkt der Ausstellung „Nothing but the truth“ stehen Fragen nach der Glaubwürdigkeit dokumentarischer Bilder und der subjektiven Konstruktion von Erinnerung. John Hussain Flindt beschäftigt sich mit familiären Archiven, persönlichen Erzählungen und historischen Zusammenhängen. Dabei untersucht er, wie Bilder zu Trägern von Geschichten werden und welche Rolle sie bei der Bewahrung und Weitergabe von Erinnerungen spielen.

Seine künstlerischen Arbeiten bewegen sich zwischen Fotografie, Video und Installation. Persönliche Erfahrungen und historische Ereignisse werden miteinander verknüpft, um die Grenzen zwischen dokumentarischer Wahrheit und individueller Wahrnehmung sichtbar zu machen.

Fotografien und Installationen zwischen Erinnerung und Wirklichkeit

Ein zentraler Bestandteil der Ausstellung im Kunstverein Friedrichshafen ist eine Serie analoger Schwarzweißfotografien. Sie zeigt Spielzeuge, Alltagsgegenstände und Fragmente aus dem familiären Umfeld des Künstlers. Die fotografierten Objekte werden zu Ausgangspunkten für eine Auseinandersetzung mit der Vergangenheit und der Frage, welche Erinnerungen durch Bilder bewahrt werden können.

Ergänzt wird die Fotoserie durch installative Arbeiten, die sich mit der Verletzlichkeit und Selektivität persönlicher Erinnerungen beschäftigen. Eine Installation zeigt ein Modell von Flindts Elternhaus, das erst durch einen speziellen Linsenmechanismus sichtbar wird. Die Arbeit thematisiert das Spannungsverhältnis zwischen familiärer Intimität, Sichtbarkeit und Offenlegung.

Familiengeschichte und koloniale Vergangenheit in Malaysia

Ein weiterer Schwerpunkt der Ausstellung führt nach Miri im malaysischen Bundesstaat Sarawak auf der Insel Borneo. Eine Videoarbeit und eine fotografische Serie greifen die Geschichte von Flindts Großvater auf, der zwischen 1948 und 1952 als Arzt im Miri General Hospital tätig war. Das Krankenhaus wurde damals vom Erdölunternehmen Shell Oil betrieben.

Ausgangspunkt der künstlerischen Auseinandersetzung ist ein unverfilmtes Drehbuch des Großvaters. Flindt nutzt dieses historische Familienmaterial, um persönliche Erinnerungen mit gesellschaftlichen und politischen Entwicklungen der damaligen Zeit zu verbinden. Dabei rücken insbesondere koloniale Infrastrukturen, soziale Hierarchien und kulturelle Begegnungen in den Fokus. Die Arbeiten verdeutlichen, wie eng individuelle Biografien mit größeren historischen Zusammenhängen verwoben sein können.

John Hussain Flindt: Künstler zwischen Fotografie, Film und Installation

John Hussain Flindt studierte von 2018 bis 2023 an der Städelschule in Frankfurt am Main sowie von 2013 bis 2016 am Chelsea College of Arts in London. Zu seinen jüngeren Einzelausstellungen gehören „belly to belly“ in der Parfümerie in Frankfurt und „Shadows or Objects“ in der Jean Claude Maier Galerie, ebenfalls in Frankfurt. Seine installativen Arbeiten wurden unter anderem beim Kasseler Dokfest 2022 und im Rahmen des Lichter Art Award 2023 in Frankfurt präsentiert.

Auch international war Flindt bereits mit seinen Arbeiten vertreten, darunter im HAUS KCH in Kuching, im MACRO in Rom, bei Fragile in Berlin und im Goethe-Institut Dublin. Mit „Nothing but the truth“ präsentiert der Kunstverein Friedrichshafen eine Ausstellung, die persönliche Familiengeschichte, historische Recherche und zeitgenössische Kunst miteinander verbindet. Sie lädt dazu ein, die vermeintliche Objektivität von Fotografien und die Zuverlässigkeit menschlicher Erinnerungen kritisch zu hinterfragen.

Mehr unter: www.kunstverein-friedrichshafen.de

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Das Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale) präsentiert ab Freitag, dem 16. Oktober 2026, die Installation Rachen der Bildhauerin Maria Gerbaulet. Die Künstlerin wurde mit dem Gustav-Weidanz-Preis für Plastik 2025 ausgezeichnet. Sie setzte sich mit ihrer Bewerbung gegen insgesamt 97 Einsendungen aus dem gesamten Bundesgebiet durch. Mit ihrer ortsbezogenen Arbeit untersucht Gerbaulet das Verhältnis von Material, Architektur und Raumwahrnehmung.

„Rachen“: Zwischen Stabilität und Verletzlichkeit

Maria Gerbaulet lotet in ihren plastischen Arbeiten mit großer Sensibilität aus, wie Menschen ihre Umgebung und unterschiedliche Materialien wahrnehmen. Auch die großformatige Installation Rachen aus dem Jahr 2026 knüpft an diese künstlerische Auseinandersetzung an.

Eine weitläufige, textil anmutende Fläche verändert die Wahrnehmung des Ausstellungsraums: Der Blick wird von der Horizontalen auf die Vertikale gelenkt. Dabei rückt insbesondere der hohe Lichtschacht in den Mittelpunkt, der in der gewöhnlichen Wahrnehmung des Raumes eher in den Hintergrund tritt.

Baustellenmaterial wird zur hautähnlichen Oberfläche

Für ihre Installation kombiniert Gerbaulet lange Bahnen aus Gerüstnetz mit Latex-Bindemittel. Im Zusammenspiel mit der statischen Architektur entsteht ein spannungsreicher Zustand zwischen Stabilität und Instabilität. Zugleich greift die Künstlerin Fragen nach Intaktheit und Versehrtheit auf.

Das gewöhnliche Baustellenmaterial erhält durch die Bearbeitung eine neue Qualität: Es erscheint als hautähnliche, verletzliche Oberfläche, die den Raum neu definiert. Das natürliche und künstliche Ausstellungslicht verstärkt gemeinsam mit dem leichten Schimmer des Materials die visuelle Spannung der Installation.

Mit Rachen verwandelt Maria Gerbaulet vertraute Materialien in eine ungewöhnliche räumliche Erfahrung. Die Arbeit lenkt die Aufmerksamkeit auf die Wirkung von Oberflächen, auf die Beziehung zwischen Körperlichkeit und Architektur sowie auf die Grenzen zwischen Festigkeit und Verletzlichkeit.

Der Gustav-Weidanz-Preis für Plastik

Der Gustav-Weidanz-Preis wird seit 1975 gemeinsam von der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle und dem Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale) vergeben. Er richtet sich an junge Bildhauerinnen und Bildhauer und geht auf eine Stiftung des Bildhauers und Hochschullehrers Gustav Weidanz (1889–1970) zurück.

Weidanz lehrte von 1916 bis 1959 an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle. Nachdem die Nationalsozialisten 1933 die von ihm geleitete Bildhauereiklasse geschlossen hatten, trat er aus Sorge um seine Entlassung in die NSDAP ein. Öffentliche Aufträge erhielt er erst nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wieder. Nach Angaben des Museums stellte Weidanz sein künstlerisches Werk und seine Lehre weder nach 1933 noch nach 1945 in den Dienst politischer Propaganda.

Als seine Schülerinnen und Schüler ab den späten 1950er-Jahren im Kunstbetrieb der DDR zunehmend sichtbar wurden, fand auch die prägende Wirkung seiner Lehrtätigkeit überregional Anerkennung. Ab den 1970er-Jahren etablierte sich die Hallesche Bildhauerschule als feste Größe in der Kunstlandschaft der DDR.

Eine Stiftung für den Nachwuchs der Bildhauerei

Gustav Weidanz vermachte seinen materiellen künstlerischen Nachlass dem Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale). Zugleich setzte er die Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle als Erbin ein und stiftete einen Preis zur Förderung des bildhauerischen Nachwuchses.

Der Gustav-Weidanz-Preis verbindet damit die Geschichte der Halleschen Bildhauerei mit der Förderung junger künstlerischer Positionen. Unterstützt wird die Auszeichnung durch den Freundes- und Förderkreis der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle e. V.

Mit der Präsentation von Rachen setzt das Kunstmuseum Moritzburg Halle diese Tradition fort und gibt Maria Gerbaulet die Möglichkeit, ihre eigenständige Auseinandersetzung mit Materialität, Raum und Wahrnehmung einem breiten Publikum vorzustellen.

Mehr unter: www.kunstmuseum-moritzburg.de

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Vom 17. September 2026 bis 17. Januar 2027 zeigen das Städel Museum und das Liebieghaus erstmals im deutschsprachigen Raum eine umfassende Schau über die wohl wandelbarste Figur der Kunstgeschichte. Über 100 Meisterwerke vom Mittelalter bis heute erzählen von einer Frau, die seit Jahrhunderten fasziniert, provoziert und dabei immer wieder neu erfunden wurde.

Ein Leben, viele Gesichter

Sie war treue Jüngerin, Büßerin, ekstatische Heilige und feministische Ikone: Maria Magdalena ist eine der facettenreichsten Frauenfiguren der Bibel und der Kunst. Ihre Geschichte ist vor allem eine Geschichte der Wandlungen – und der Blicke, die Männer und Frauen der jeweiligen Epoche auf sie warfen. Wie sich Vorstellungen von Glaube, Körper und gesellschaftlichen Rollen im Laufe der Jahrhunderte verschoben, lässt sich an kaum einer anderen Gestalt so eindrücklich ablesen wie an der Magdalena.

Zwei Häuser, ein Panorama

Mit „Maria Magdalena. Sin. Pray. Love.“ präsentieren das Städel Museum und die Liebieghaus Skulpturensammlung erstmals im deutschsprachigen Raum eine große Doppelausstellung, die der biblischen Frau in all ihren künstlerischen Verwandlungen gewidmet ist. Ausgehend von zentralen Werken der eigenen Sammlungen beider Häuser werden über 100 hochkarätige Gemälde, Skulpturen und Grafiken vom Mittelalter bis in die Gegenwart zusammengeführt. Dabei erscheint Maria Magdalena nicht nur als Projektionsfläche kultureller und religiöser Sehnsüchte, sondern als eigenständige, vielstimmige Figur.

Stars der Kunstgeschichte und bedeutende Leihgaben

Zu den Highlights zählen fünf exzellente Werke aus der National Gallery in London sowie weitere Leihgaben aus der Berliner Gemäldegalerie, dem Metropolitan Museum of Art in New York, dem Louvre in Paris, den Vatikanischen Museen und der National Gallery of Art in Washington.

Die Schau setzt bewusst auf weibliche Perspektiven: Arbeiten von Künstlerinnen wie Lavinia Fontana, Elisabetta Sirani, Luisa Roldán, Lotte Laserstein, Kiki Smith, Marlene Dumas und Nieves González bilden eine besondere Facette. Daneben werden Hauptwerke bedeutender Künstler wie Albrecht Dürer, Pedro de Mena, Guercino, Georges de la Tour, Claude Lorrain, Arnold Böcklin, Max Beckmann und David LaChapelle gezeigt.

Stimmen zur Ausstellung

„Maria Magdalena fasziniert, weil sich an ihr die wechselnden Vorstellungen von Frauen, Glauben und Gesellschaft über Jahrhunderte hinweg besonders eindrücklich ablesen lassen. Ihre Geschichte ist deshalb immer auch eine Geschichte der Blicke auf sie.”

Philipp Demandt, Direktor des Städel Museums und der Liebieghaus Skulpturensammlung, betont die einzigartige Möglichkeit der beiden Häuser, diese Entwicklung über Epochen und geografische Grenzen hinweg zu verfolgen.

Die Kuratoren Bastian Eclercy (Städel Museum) und Stefan Roller (Liebieghaus) ergänzen:

„Über fast ein Jahrtausend hinweg wurde Maria Magdalena in den unterschiedlichsten Medien und Epochen immer wieder neu dargestellt. Im direkten Gegenüber der Werke werden überraschende Verbindungen sichtbar, aber auch die tiefgreifenden Veränderungen, die das Bild Maria Magdalenas im Laufe der Zeit erfahren hat.”

Mehr unter: staedelmuseum.de

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Der knapp einen Zentimeter große Zahn stammt von einem etwa einjährigen Jungtier. Wissenschaftlich ist der Fund besonders bedeutsam: Er gilt als bislang nördlichster Nachweis eines Berberaffen auf dem europäischen Festland.

Gefunden wurde der Zahn bereits im Jahr 2004. Es dauerte aber zwanzig Jahre, den Fund eindeutig einem Berberaffen zuzuordnen, sagte der Leidener Archäozoologe Prof. Thijs van Kolfschoten dem Norddeutschen Rundfunk:

Ein Zahn erzählt von Europas Vergangenheit

Der Fund erweitert die Kenntnisse über die frühere Verbreitung des Berberaffen (Macaca cf. *sylvanus). Heute lebt die Art noch in Teilen Nordafrikas sowie in Gibraltar an der Südspitze Europas. Während des Pleistozäns, das vor etwa 2,5 Millionen Jahren begann und vor rund 12.000 Jahren endete, war der Berberaffe dagegen deutlich weiter verbreitet. Sein Lebensraum erstreckte sich über weite Teile Süd- und Mitteleuropas bis nach Deutschland und England. Im Verlauf des Pleistozäns ging das Verbreitungsgebiet der Primaten in Europa immer weiter zurück. Während der letzten Eiszeit starb die Art auf dem europäischen Kontinent schließlich aus.

Originalfund und moderne Makaken im Museum

Das Original des rund 300.000 Jahre alten Zahns ist nun im paläon Forschungsmuseum zu sehen. Ergänzt wird das Exponat durch detaillierte 3D-Drucke, die den oberen vorderen Milchbackenzahn stark vergrößert darstellen.

Für einen direkten Vergleich zeigt das Museum außerdem Schädel und Zähne verschiedener heute lebender Makakenarten. Zu sehen sind unter anderem Berberaffe, Javaneraffe, Rhesusaffe, Schopfaffe und Mohrenmakake. Damit können Besucherinnen und Besucher nachvollziehen, welche Merkmale des fossilen Zahns für die wissenschaftliche Bestimmung relevant sind.

Fundstelle liegt nahe den Schöninger Speeren

Besonders interessant ist auch der Fundort. Der Zahn wurde in unmittelbarer Nähe des Museums geborgen – im Umfeld jener archäologischen Fundstellen, an denen die Schöninger Speere entdeckt wurden. Die Funde aus Schöningen geben wichtige Einblicke in die Umwelt und Lebensbedingungen des Mittelpleistozäns. Der Berberaffen-Zahn ergänzt dieses Bild nun um einen weiteren Hinweis auf die damalige Tierwelt.

Einblick in die aktuelle Forschung

„Mit der Universität Tübingen und dem Senckenberg Centre for Human Evolution and Palaeoenvironment sowie dem Grabungsteam um Dr. Jordi Serangeli besteht eine wachsende sehr gute Zusammenarbeit“, erklärt Dr. Mike Reich, Direktor des Staatlichen Naturhistorischen Museums.

Das paläon Forschungsmuseum ist seit 2025 an das Staatliche Naturhistorische Museum angeschlossen. Die Präsentation des neuen Fundes ermöglicht es, aktuelle wissenschaftliche Forschung zeitnah für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Vom Fossilfund zum Forschungsergebnis

Die wissenschaftliche Untersuchung des Zahns wurde von Professor Dr. Thijs van Kolfschoten von der Universität Leiden, Dr. Jordi Serangeli vom Senckenberg Centre for Human Evolution and Palaeoenvironment an der Universität Tübingen und Ivo Verheijen vom paläon Forschungsmuseum durchgeführt.

Die Ergebnisse der Untersuchung sind inzwischen in der Fachzeitschrift „Quaternary Environments and Humans“ veröffentlicht worden.

Berberaffe steht auch für den Artenschutz

Der fossile Zahn erzählt nicht nur von einer längst vergangenen Tierwelt. Er macht zugleich sichtbar, wie stark sich Verbreitungsgebiete und Artenvielfalt im Laufe der Erdgeschichte verändern können.

Der Berberaffe ist heute in seinem verbliebenen natürlichen Lebensraum stark vom Aussterben bedroht. Das 300.000 Jahre alte Exponat steht damit sowohl für den Artenreichtum vergangener Zeiten als auch für den Verlust von Arten und die Bedeutung ihres Schutzes. Mit dem Fund verbindet das paläon Forschungsmuseum somit Paläontologie, Evolutionsgeschichte und modernen Artenschutz – und macht einen außergewöhnlichen Forschungsfund unmittelbar vor Ort erlebbar.

Mehr unter: forschungsmuseum-schoeningen.de

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1927 für die Sammlung gekauft, 1937 als „entartete Kunst” beschlagnahmt – das Museum Behnhaus Drägerhaus in Lübeck holt ein bedeutendes Werk der Moderne in seine Sammlung zurück. Die verschlungenen Wege des Werks sind so bewegend wie komplex.

Ein Gemälde kehrt heim

Das Museum Behnhaus Drägerhaus in Lübeck hat das Gemälde „Paar am Fenster” (1925) von Karl Hofer (1878–1955) erworben. Das Werk war bereits in den 1920er-Jahren Teil der Museumssammlung – bis es 1937 im Rahmen der nationalsozialistischen Aktion „Entartete Kunst” beschlagnahmt wurde. Nach fast neun Jahrzehnten kehrt es nun an den Ort zurück, für den es ursprünglich erworben wurde.

Wie das Werk in die Sammlung kam – und wie es verschwand

Museumsdirektor Carl Georg Heise erwarb „Paar am Fenster” 1927 direkt vom Künstler für die von ihm aufgebaute Moderne-Sammlung. 1933 wurde Heise im Zuge der nationalsozialistischen Gleichschaltung aus seinem Amt entlassen. Vier Jahre später, 1937, beschlagnahmten die Nationalsozialisten zusammen mit rund 200 weiteren als „entartet” diffamierten Werken auch Hofers Gemälde und lagerten es in Schloss Schönhausen in Berlin ein.

Ein Netzwerk des stillen Widerstands

Der weitere Weg des Werks ist bemerkenswert: Bernhard A. Böhmer, einer von vier vom NS-Propagandaministerium beauftragten Kunsthändlern, verkaufte das Werk – entgegen den offiziellen Vorgaben, die einen Verkauf ins Ausland vorsahen – auf Vermittlung des entlassenen Direktors Heise an den Industriellen und Kunstsammler Walter Albert Bauer in Fulda. Bauer war während der NS-Zeit im Widerstand aktiv. Das Gemälde blieb so in Deutschland und im Eigentum der Familie Bauer – bis es 2025 bei einer Auktion angeboten wurde und das Lübecker Museum die Gelegenheit zur Rückerwerbung nutzte.

Karl Hofer: Ein Maler, den das Regime verfolgte

Karl Hofer gehört zu den bedeutenden Malern der deutschen Moderne. 1934 wurde er als einer der ersten Hochschullehrer aus dem Dienst entlassen, 1938 folgte der Ausschluss aus der Preußischen Akademie der Künste und ein Berufsverbot. Insgesamt 311 seiner Werke wurden 1937 aus deutschen Museen entfernt. „Paar am Fenster”, entstanden während der Weimarer Republik, verbindet Hofers charakteristische Formensprache – expressiv und zugleich klar, mit Anklängen an die Neue Sachlichkeit – mit einem sozialkritischen Blick: Die Darstellung zweier Menschen vor einer maroden Fassade lässt sich als Zeugnis menschlichen Zusammenhalts in unsicherer Zeit lesen.

Aufarbeitung und Würdigung

Mit dem Rückerwerb plant das Museum eine umfangreiche Aufarbeitung der Verlustgeschichte der im Nationalsozialismus beschlagnahmten Werke. Zugleich soll das Engagement des ehemaligen Direktors Carl Georg Heise gewürdigt werden, der nicht nur eine bedeutende Moderne-Sammlung aufgebaut, sondern auch nach seiner Entlassung Wege gefunden hat, Kunstwerke vor dem endgültigen Verschwinden zu bewahren.

Der Erwerb wurde von der Kulturstiftung der Länder, der Ernst von Siemens Kunststiftung sowie dem Verein der Freunde der Museen für Kunst und Kulturgeschichte der Hansestadt Lübeck e.V., Lions Club Lübeck Hanse, Ellen Ehrich, Friedrich Bluhme und Else Jebsen-Stiftung ermöglicht.

Mehr unter: museum-behnhaus-draegerhaus.de/

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Von September bis November 2026 wird Deutschland, Österreich und die Schweiz zur Bühne für die zweite Ausgabe des heimaten Festivals für die plurale Demokratie. Kulturinstitutionen und zivilgesellschaftliche Initiativen aus zahlreichen Städten gestalten ein vielfältiges Programm rund um die Themen Zugehörigkeit, demokratische Teilhabe und gesellschaftliche Vielfalt.

Von Greifswald und Neumünster über Berlin, Werdau, Halle und Köln bis nach München, Wien, Graz und Zürich: Das vom Haus der Kulturen der Welt (HKW) initiierte und vom heimaten Netzwerk getragene Festival bringt unterschiedliche Perspektiven auf die Frage zusammen, wie Gesellschaft gestaltet werden kann.

Was bedeutet „heimaten“?

Der Begriff heimaten steht für die Idee, Räume zu öffnen, sich ein Zuhause zu schaffen und zugleich anzuerkennen, dass dieses Zuhause immer von vielen Menschen gemeinsam geprägt wird.

Das Festival versteht gesellschaftliche Pluralität nicht als Herausforderung, sondern als eine wichtige Quelle von Kraft und Kreativität. Engagement, Kunst und Kultur entstehen aus unterschiedlichen Stimmen, Perspektiven und Erfahrungen. Dazu gehören auch Widerspruch, Kritik und der offene Dialog.

Festival für eine plurale Demokratie

Die zweite Ausgabe des heimaten Festivals für die plurale Demokratie bringt zahlreiche Akteur*innen zusammen, die sich für eine offene und vielfältige Gesellschaft einsetzen. Gerade angesichts aktueller politischer Entwicklungen wollen die Beteiligten gemeinsam sichtbar werden und Räume für Austausch und demokratische Teilhabe schaffen.

Das Festival findet über mehrere Wochen im Herbst 2026 statt, mit einem Schwerpunkt im Oktober. Veranstaltungsorte gibt es im gesamten deutschsprachigen Raum.

Initiiert wurde das Festival vom HKW im Rahmen seines mehrjährigen heimaten-Programms. Getragen wird es vom heimaten Netzwerk, einem seit 2024 bestehenden Zusammenschluss zivilgesellschaftlicher Initiativen und Kulturinstitutionen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Heimat im Plural: Zugehörigkeit neu denken

Im Mittelpunkt steht die kritische Auseinandersetzung mit dem Begriff Heimat. Die Vorstellung einer einzigen, unveränderlichen Heimat versteht das Festival als Illusion. Stattdessen rückt heimaten unterschiedliche Formen von Zugehörigkeit und Teilhabe in den Mittelpunkt.

Heimat wird dabei als fortlaufender Prozess verstanden, der die gesamte Gesellschaft betrifft. Das Festival fragt danach, wer Zugang zu gesellschaftlichen Räumen erhält, wie Zugehörigkeit entsteht und welche Voraussetzungen Menschen benötigen, um aktiv an einer demokratischen Gesellschaft teilhaben zu können.

Erinnerungskultur, Migration und Dekolonisierung

Das Programm beschäftigt sich mit aktuellen und historischen Fragen gesellschaftlicher Vielfalt. Zu den Themen gehören unter anderem Erinnerungskultur und Dekolonisierung, Radikalisierungsprozesse im digitalen Raum sowie die Geschichte und Gegenwart von Migration in europäischen Metropolen.

Dabei verbindet das Festival politische und gesellschaftliche Diskussionen mit künstlerischen und kulturellen Formaten.

Ausstellungen, Performances, Film, Musik und Workshops

Das heimaten Festival 2026 bietet ein umfangreiches Programm mit unterschiedlichen Veranstaltungsformen. Geplant sind unter anderem:

• Ausstellungen und Performances
• Lesungen und Filmvorführungen
• Konferenzen und Workshops
• Musik und Tanz
• gemeinschaftliches Essen

So entstehen an verschiedenen Orten Räume für Begegnung, Diskussion und kulturellen Austausch.

Ein Festival für Vielfalt und demokratische Teilhabe

Mit seinem bundesweiten und internationalen Netzwerk versteht sich das heimaten Festival für die plurale Demokratie als Plattform für unterschiedliche Stimmen und Perspektiven. Kultur und zivilgesellschaftliches Engagement werden dabei miteinander verbunden, um über Zugehörigkeit, Vielfalt und die Zukunft der Demokratie ins Gespräch zu kommen.

Die zweite Ausgabe des Festivals findet von September bis November 2026 in Deutschland, Österreich und der Schweiz statt. Besonders im Oktober erwartet Besucher*innen ein vielfältiges Programm an zahlreichen Veranstaltungsorten.

heimaten Festival für die plurale Demokratie 2026 mit: 

• ausARTen – Perspektivwechsel durch Kunst
• Black Visual Grammar
• Brunnenpassage
• Common Voices Radio
• Decolonize Berlin e. V.
• DialoguePerspectives e. V. & Coalition for Pluralistic Public Discourse
• Each One Teach One (EOTO) e. V.
• fluctoplasma
• Forum Stadtpark
• FWT: Köln
• globale° – Festival für grenzüberschreitende Literatur
• glokal e. V.
• Haus der Kulturen der Welt
• Initiative 19. Februar Hanau
• Karlstorbahnhof Heidelberg
• Korea-Verband e. V.
• Kunstwerkstätten Greifswald
• Rechenzentrum Potsdam
• RomaTrial e. V.
• SchUM-Städte e. V.
• Sinti Union Schleswig-Holstein e. V.
• Stadtgalerie Saarbrücken
• Theaterhaus Jena
• WERTansich(t)
• W.I.R. lautstark
• zwischentext

heimaten Festival für die plurale Demokratie findet 2026 in diesen Städten statt: Berlin, Bochum, Bremen, Graz, Greifswald, Halle, Hamburg, Hanau, Heidelberg, Jena, Köln, München, Neumünster, Potsdam, Saarbrücken, Stuttgart, Werdau, Wien, Worms, Zürich

Mehr unter: heimaten.hkw.de

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Woran richte ich mich aus? Wie treffe ich Entscheidungen? Was gibt mir Halt? Die Jahresausstellung „JEIN!” im Historischen Waisenhaus lädt Jugendliche und Erwachsene auf eine partizipative Reise durch die Phasen der Orientierungssuche ein.

Eine Ausstellung für die wichtigste Frage des Lebens

Vom 5. September 2026 bis zum 25. April 2027 öffnet im Historischen Waisenhaus der Franckeschen Stiftungen in Halle eine Ausstellung, die sich einem hochaktuellen Thema widmet: der Lebensorientierung im Ungewissen. „JEIN! Eine interaktive Ausstellung über Orientierung im Ungewissen” nimmt die Besucherinnen und Besucher mit auf eine Reise durch sieben Räume – und stellt dabei Fragen, die alle angehen, junge Menschen aber ganz besonders.

Zielgruppe ernst nehmen: Jugendliche und junge Erwachsene

Kustos Tom Gärtig und Florian Halbauer, Leiter des Bereichs Vermittlung – Junges Museum, Franckesche Stiftungen, haben die Ausstellung gemeinsam mit einem breiten Kuratoren- und Partnernetzwerk entwickelt. Im Mittelpunkt steht eine Zielgruppe, die Museen erfahrungsgemäß schwer erreichen: Jugendliche und junge Erwachsene. Gerade sie befinden sich in einer Lebensphase, in der grundlegende Entscheidungen anstehen – über Ausbildung, Beruf, Werte, Beziehungen. „JEIN!” gibt diesen Fragen Raum – buchstäblich.

Sieben Räume, sieben Phasen

Die Ausstellung gliedert sich in sieben raumgreifende Erlebnisbereiche, die typische Phasen der Orientierungssuche abbilden: Desorientierung, Optionsstress, Wünsche und mehr. Interaktive Spielsituationen, berührende Interviews mit jungen Menschen und gezielte Impulse zur Selbstreflexion wechseln einander ab. Ein Info-, Abstimmungs- und Inspirationsheft begleitet den Rundgang. Den Abschluss bildet der Raum „Takeaway” – ein Mutmacher mit klarer Botschaft: Orientierung ist eine lebenslange Aufgabe, kein einmaliger Entscheid.

Von Jugendlichen für Jugendliche: Partizipation als Prinzip

Besonders bemerkenswert ist die konsequente Einbindung der Zielgruppe in die Entstehung der Ausstellung. In einem Ferienworkshop mit Radio Corax entwickelten Jugendliche des TiQ – dem Jugendclub der Franckesche Stiftungen – Ideen für den ersten Ausstellungsraum zum Thema Desorientierung, formulierten Texte und produzierten Audiobeiträge im hauseigenen Tonstudio. Weitere Ton- und Textbeiträge entstanden in Kooperation mit Studierenden der Sprechwissenschaften der Martin-Luther-Universität Halle-Wittenberg. Ihre Stimmen begegnen den Besucherinnen und Besuchern im „Labyrinth”. Die Gestaltung übernahmen das „Büro für Sinn und Unsinn” sowie das „Kollektiv Plus X” aus Halle.

Bildung für alle – in innovativer Form

Mit „JEIN!” setzen die Franckeschen Stiftungen ihr Kernthema Bildung für alle auf eine in der deutschen Museumslandschaft einzigartige Weise um: inhaltlich zeitgemäß, gestalterisch mutig und konsequent partizipativ. Eine Ausstellung, die nicht über junge Menschen spricht – sondern mit ihnen.

Mehr unter: www.francke-halle.de

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