Direktorin Susanne Gaensheimer führt im Video in die Ausstellung im K20 der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen ein. Mit mehr als 120 Werken zeichnet die Präsentation die künstlerische Entwicklung von Franz Marc (1880–1916) nach – vom frühen Schaffen über die berühmten Tierbilder des Expressionismus bis hin zu den abstrakten Kompositionen seiner letzten Jahre. Dabei wird deutlich, wie eng Marcs Suche nach einer neuen Bildsprache mit seiner Hoffnung auf eine bessere Welt verbunden war.

Franz Marc: Ein außergewöhnliches Werk in nur zwölf Jahren

Franz Marc zählt zu den bedeutendsten Malern des deutschen Expressionismus. Als Mitbegründer der Künstlergruppe „Der Blaue Reiter“ prägte er die Entwicklung der modernen Kunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts entscheidend mit. Obwohl seine künstlerische Schaffenszeit nur rund zwölf Jahre umfasste, entwickelte er eine außergewöhnliche Vielfalt an Ausdrucksformen.

Für Susanne Gaensheimer, Direktorin der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, liegt darin ein besonderer Reiz des Künstlers. Die Ausstellung „Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt“ ermöglicht es, seine Entwicklung umfassend nachzuvollziehen und neben den weltberühmten Tierbildern auch weniger bekannte frühe Arbeiten und Zeichnungen zu entdecken.

Die Frage nach einer besseren Welt ist dabei keineswegs nur historisch. Sie beschäftigt Menschen auch heute. Marcs Kunst eröffnet einen Zugang zu den Hoffnungen und gesellschaftlichen Vorstellungen einer Zeit, die von technischen Neuerungen, Veränderungen der Arbeitswelt und einer zunehmenden Beschleunigung des Lebens geprägt war.

Der Blaue Reiter: Auf der Suche nach dem Geistigen in der Kunst

Franz Marc ließ sich von unterschiedlichen künstlerischen Strömungen und Persönlichkeiten beeinflussen. Besonders prägend waren seine Begegnungen mit der französischen Moderne. Die Werke von Henri Matisse, die Marc in Paris kennenlernte, beeinflussten seine Farbigkeit und Formensprache. Eine wichtige Rolle spielte außerdem Robert Delaunay, dessen Einfluss sich sowohl in der Ausstellung als auch im Bestand des K20 nachvollziehen lässt.

Zu den eindrucksvollen Beispielen für Marcs Entwicklung zählen Werke wie „Mutter Stute mit Fohlen“ und „Sibirische Schäferhunde“. Sie verdeutlichen, wie sich der Künstler zunehmend von einer rein äußerlichen Darstellung der Tiere löste. Ihn interessierte vielmehr, die Welt aus ihrer Perspektive zu erfassen und ihr inneres Wesen sichtbar zu machen.

1910 lernte Marc den Maler August Macke kennen. Zwischen den beiden entwickelte sich eine enge Freundschaft, die auch von gemeinsamen Überlegungen zur Farbtheorie geprägt war. Marc begann, Farben mit symbolischen Bedeutungen zu verbinden: Blau stand für das Geistige, Intellektuelle und Männliche, Gelb für das Weibliche und Sinnliche, Rot für das Erdige und Schwere. Diese Vorstellungen übertrug er auf seine Gemälde und entwickelte daraus eine eigenständige Bildsprache.

1911 begegnete Marc im Umfeld der Neuen Künstlervereinigung München unter anderem Wassily Kandinsky, Gabriele Münter, Marianne von Werefkin und Alexej Jawlensky. Aus diesem künstlerischen Umfeld ging Ende des Jahres die Gruppe „Der Blaue Reiter“ hervor.

Ihr gemeinsames Anliegen war die Erneuerung der Kunst. Die Künstlerinnen und Künstler suchten nach Möglichkeiten, das Geistige in der Malerei auszudrücken und über die sichtbare Wirklichkeit hinauszugehen. Mit dieser künstlerischen Erneuerung verband sich zugleich die Hoffnung, auch die Gesellschaft verändern zu können.

Tiere als Sinnbilder einer ursprünglichen Welt

Die Tierbilder Franz Marcs gehören zu den bekanntesten Werken des deutschen Expressionismus. Besonders Pferde verkörperten für ihn eine Einheit von Natur, Seele, Geist und Intellekt, die er in der modernen menschlichen Gesellschaft zunehmend vermisste.

Das Tier wurde für Marc zum Sinnbild einer ursprünglichen Existenz. Es ging ihm nicht darum, Tiere lediglich naturgetreu abzubilden. Vielmehr wollte er ihr Wesen von innen heraus erfassen und sichtbar machen. Die leuchtenden Farben, vereinfachten Formen und harmonischen Kompositionen seiner expressionistischen Werke sind Ausdruck dieser Suche.

Auch über die Künstlergruppe „Der Blaue Reiter“ hinaus stand Marc im Austausch mit anderen Vertretern der Moderne. Zu den wichtigen Bezugspunkten gehörte die Berliner Künstlergruppe „Brücke“. Der Austausch mit unterschiedlichen Künstlerinnen und Künstlern machte Marc zu einem Teil eines überregionalen Netzwerks, das gemeinsam nach neuen Wegen für die Malerei suchte.

Vom Expressionismus zur Abstraktion

Im Laufe seiner Entwicklung veränderte Franz Marc seine Bildsprache grundlegend. Seine Auseinandersetzung mit dem Kubismus lässt sich etwa am Werk „Drei Katzen“ von 1913 nachvollziehen, das sich in der Sammlung des K20 befindet. Die Tiere erscheinen hier nicht mehr als klar abgegrenzte, harmonisch gerundete Körper. Stattdessen werden sie zunehmend Teil einer übergeordneten Bildkomposition.

Dieser Prozess führte Marc immer weiter von der gegenständlichen Darstellung weg. Die Tiere verloren nach und nach ihre zentrale Rolle, bis die Komposition selbst zum eigentlichen Thema wurde.

Einen Wendepunkt markiert das Werk „Das arme Land Tirol“. Die Landschaft erscheint darin nicht mehr als harmonischer Ort, an dem sich das Geistige offenbart. Dunkle Bildbereiche, Kreuze und abgemagerte, traurige Pferde verweisen auf eine zunehmend bedrückende Sicht auf die Wirklichkeit.

Marc wandte sich damit stärker den gesellschaftlichen und historischen Realitäten seiner Zeit zu. Neben den düsteren Landschaften entstanden allerdings auch weiterhin paradiesische Szenen. Die Gegensätze zwischen Bedrohung und Hoffnung prägen die späte Schaffensphase und führen schließlich zur Abstraktion.

Die letzten Werke: Visionen einer anderen Zukunft

1914 entstanden Franz Marcs letzte Arbeiten. In seinen abstrakten Kompositionen verzichtete er zunehmend auf gegenständliche Motive und auf konkrete Bildtitel. Die Werke lassen sich als visionäre Szenarien verstehen, in denen Farbe, Form und Bewegung eine eigenständige Bedeutung gewinnen.

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs im August 1914 veränderte sich der historische Kontext seiner Kunst dramatisch. Die Ausstellung endet mit Skizzenbüchern aus dem Felde – den letzten Zeugnissen des Künstlers. In Briefen an seine Frau Maria äußerte Marc die Überzeugung, dass seine künstlerische Zukunft in der Abstraktion liege, sofern er den Krieg überleben sollte.

Dazu kam es nicht: Franz Marc fiel 1916 im Ersten Weltkrieg. Seine späten Werke zeigen dennoch, wie konsequent er die Grenzen der gegenständlichen Malerei hinter sich lassen wollte.

Die Ausstellung im K20: Franz Marc neu entdecken

Mit der umfassenden Präsentation möchte die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen die Entwicklung eines bedeutenden Künstlers in ihrer ganzen Breite sichtbar machen. Neben den ikonischen Tierbildern der expressionistischen Phase stehen frühe, weniger bekannte Werke und Zeichnungen sowie die abstrakten Kompositionen der letzten Jahre.

Für Susanne Gaensheimer und ihr Team ist die Ausstellung auch deshalb besonders, weil bedeutende Werke aus öffentlichen und privaten Sammlungen weltweit zusammengeführt werden konnten. So entsteht ein facettenreiches Bild von Franz Marc, dessen Kunst weit über die berühmten Tierdarstellungen hinausgeht.

Die Ausstellung „Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt“ zeigt einen Künstler, der die Erneuerung der Malerei mit der Hoffnung auf eine Veränderung der Gesellschaft verband. Seine Werke erzählen von der Sehnsucht nach Harmonie zwischen Mensch und Natur – und von der Suche nach neuen künstlerischen Ausdrucksmöglichkeiten in einer Zeit tiefgreifender Umbrüche.

Mehr unter: www.kunstsammlung.de/

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Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen widmet dem kanadischen Medienkünstler Jon Rafman erstmals eine umfassende Einzelausstellung in Deutschland. Die Schau ist vom 30. Mai bis 27. September 2026 im K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen zu sehen und bietet einen Überblick über Rafmans Werk seit 2008.

Die Ausstellung präsentiert Rafman als prägenden Künstler des digitalen Zeitalters. Seine Arbeiten setzen sich mit den Auswirkungen des Internets, digitaler Bildwelten und Künstlicher Intelligenz auf Individuum und Gesellschaft auseinander. Mit einer Mischung aus kritischer Analyse, düsterem Humor und visuell eindringlichen Inszenierungen reflektiert er den Umgang mit technologischen Umbrüchen und virtuellen Realitäten.

Museumsdirektorin Susanne Gaensheimer hebt hervor, dass Rafmans Werke zentrale Fragen der Gegenwart aufgreifen: den Einfluss von KI, digitalen Plattformen und vernetzten Medien auf Wahrnehmung und gesellschaftliche Strukturen. Die Ausstellung bringt diese Diskurse gezielt in den musealen Kontext.

Rafman, geboren 1981 in Montreal und heute in Los Angeles tätig, verbindet in seiner künstlerischen Praxis narrative Elemente mit immersiven Installationen und computergestützten Bildsprachen. Projekte wie „Nine Eyes of Google Street View“ oder seine Auseinandersetzung mit virtuellen Plattformen wie Second Life verdeutlichen sein medienarchäologisches Interesse und seine intensive Beschäftigung mit digitalen Räumen.

Begleitend zur Ausstellung erscheint erstmals eine monografische Publikation, die das Werk des Künstlers umfassend dokumentiert und einordnet.

Mehr unter: kunstsammlung.de

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Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen verleiht am 8. Oktober 2026 zum vierten Mal den renommierten K21 Global Art Award. In Kooperation mit den Freunden der Kunstsammlung und unterstützt durch die Stiftung Reydan + Roger Weiss zählt der Preis zu den international höchstdotierten Auszeichnungen für zeitgenössische Kunst.

Der Award zeichnet Künstler*innen aus, die mit eigenständigen Visionen neue Impulse für die globale Gegenwartskunst setzen. Neben dem Preisgeld umfasst die Auszeichnung einen Ankauf für die Sammlung sowie eine Präsentation im K21 – ein nachhaltiger Beitrag zur internationalen Profilbildung des Hauses.

Die diesjährige Shortlist versammelt acht künstlerische Positionen aus unterschiedlichen kulturellen Kontexten und medialen Praktiken:

• Monira Al Qadiri (*1983, Dakar)
• biarritzzz (*1994, Fortaleza)
• Julia Phillips (*1985, Hamburg)
• Mohammed Z. Rahman (*1997, London)
• Juliana dos Santos (*1987, São Paulo)
• WangShui (*1986, Dallas)
• Wong Ping (*1984, Hongkong)
• Cici Wu (*1989, Peking)

Die Auswahl unterstreicht den globalen Anspruch des Preises: Künstler*innen aus Europa, Asien, Nord- und Südamerika bringen vielfältige Perspektiven in den Diskurs der Gegenwartskunst ein.

Globaler Ansatz und kuratorische Vision

Der K21 Global Art Award hebt sich durch seinen konsequent internationalen Fokus hervor. Im Zentrum steht nicht nur die Auszeichnung einzelner Werke, sondern die Förderung künstlerischer Positionen, die gesellschaftliche, politische und ästhetische Fragestellungen auf globaler Ebene verhandeln.

Die Nominierten arbeiten häufig an Schnittstellen von:

• Identität und Körperpolitik
• digitalen und analogen Medien
• postkolonialen Perspektiven
• sozialen und kulturellen Transformationsprozessen

Damit spiegelt die Shortlist zentrale Themen der zeitgenössischen Kunstproduktion wider.

Ausstellung und Sammlung: Nachhaltige Förderung

Ein wesentliches Merkmal des Preises ist seine langfristige Wirkung:
Die Auszeichnung ist mit einem Ankauf für die Sammlung der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen verbunden. Gleichzeitig erhalten die Preisträger*innen eine institutionelle Präsentation im K21.

Diese Verbindung von Preis, Ausstellung und Sammlung stärkt nicht nur die Karrieren der Künstler*innen, sondern auch die internationale Ausrichtung des Museums.

Ausblick: Bekanntgabe im September 2026

Die Spannung bleibt bis zum Herbst erhalten: Die Gewinnerin oder der Gewinner des K21 Global Art Award 2026 wird im September bekannt gegeben. Die Preisverleihung folgt am 8. Oktober 2026.

Internationale Jury mit neuer Stimme: Naomi Beckwith

Die Nominierungen werden von einer hochkarätigen internationalen Jury vorgeschlagen. Bereits beteiligt sind:

• Doryun Chong
• Omar Kholeif
• Jochen Volz

Neu hinzu kommt ab 2026 Naomi Beckwith. Sie ist künstlerische Leiterin der documenta 16 sowie stellvertretende Direktorin und Chefkuratorin am Solomon R. Guggenheim Museum.

Mit Beckwith gewinnt der Preis eine weitere prägende Stimme der internationalen Kunstszene, die für eine globale, interdisziplinäre Perspektive steht.

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Anne Truitt war eine Pionierin, die bereits 1963 – noch vor Judd – die New Yorker Kunstwelt schockierte. Ihr radikaler Ansatz: Sie nahm das Bild von der Wand und ließ die Farbe als freistehende Skulptur in den Raum treten.

Das Erweckungserlebnis: Von der Figur zur Form

Truitts künstlerische Transformation begann 1961 mit 40 Jahren. Nach dem Besuch einer Ausstellung zur Farbfeldmalerei im Guggenheim Museum ließ sie die figürliche Plastik hinter sich. Ihr erstes minimalistisches Werk, First (1961), glich einem schlichten weißen Lattenzaun. Es war der Startschuss für eine Karriere, die das Verhältnis von Farbe, Raum und Gefühl neu definierte.

Die Alchemie der Oberfläche: 40 Schichten bis zur Tiefe

Was Truitts Skulpturen von den industriellen „Specific Objects“ ihrer Kollegen unterscheidet, ist die hingebungsvolle Handarbeit. Ihre monolithischen Stelen aus Mahagoni-Sperrholz wirken wie industrielle Blöcke, sind aber das Ergebnis eines fast meditativen Prozesses:

• Präzision: Jede Skulptur erhielt bis zu 40 handaufgetragene Schichten Acrylfarbe.
• Veredelung: Jede Schicht wurde händisch abgeschliffen, bis die Oberfläche eine Tiefe und Leuchtkraft erreichte, die das Licht förmlich einsaugt.
• Leichtigkeit: Durch kleine, versteckte Füße scheinen die massiven Farbblöcke im Raum zu schweben – Truitt sprach davon, dass sich Farbe und Träger „vermählen“ sollten.

„Meine Kunst ist maximal“ – Widerstand gegen ein Etikett

Obwohl der einflussreiche Kritiker Clement Greenberg sie bereits 1967 als Wegbereiterin der Minimal Art feierte, wehrte sich Truitt gegen die Einordnung. Während ihre Kollegen jede Referenz zur Außenwelt ablehnten, war Truitts Werk zutiefst persönlich:

• Referenzialität: Ihre Skulpturen tragen sprechende Titel und verarbeiten Erinnerungen an Orte, Menschen oder politische Ereignisse wie die Anschläge vom 11. September (in der Serie Piths).
• Weiß-auf-Weiß: Ihre Arundel Paintings (1975) provozierten durch ihre extreme Reduktion, waren für Truitt jedoch Ausdruck eines Maximums an Bedeutung mit einfachsten Mitteln.

Ein unvollendetes Kapitel der Kunstgeschichte

Die Retrospektive im K20 ordnet Truitt nicht nur historisch ein, sondern hinterfragt auch die Mechanismen des patriarchalen Kunstkanons. Warum ist eine Künstlerin, die das Wandbild in die Dreidimensionalität entgrenzte, heute weniger bekannt als ihre männlichen Zeitgenossen?

In einer beschleunigten, digitalen Welt wirkt Truitts Werk heute wie eine Einladung zur Entschleunigung. Ihre Stelen fordern dazu auf, umkreist zu werden, die Perspektive zu wechseln und in der Stille der Farbe eine Übung in Empathie zu finden.

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Der Beitrag Pionierin der Minimal Art – Anne Truitt im K20 erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Das kommende Jahr steht im Zeichen der Inklusion und der Erforschung technischer wie gesellschaftlicher Umbrüche. Während das K20 im Frühjahr zur begehbaren Installation für Familien wird, verwandelt sich das K21 in ein Trainingsgelände für Mensch-Maschine-Kollaborationen.

K20 am Grabbeplatz: Abstraktion und Interaktion

Das Stammhaus der Sammlung widmet sich 2026 den Pionieren der Moderne und schafft gleichzeitig Raum für die Kleinsten.

Highlights im K20:

• Queere Moderne (bis 15.02.2026): Den Auftakt bildet das Ende dieser europaweit ersten Schau, die mit 130 Werken die Rolle queerer Künstler*innen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts neu bewertet.
• Anne Truitt – Pionierin der Minimal Art (28.03. – 02.08.2026): Erstmals in Europa präsentiert das Museum das Lebenswerk der US-Amerikanerin, die den Minimalismus mit ihren farbgewaltigen Stelen revolutionierte.
• Playground (ab 25.04.2026): Für ein ganzes Jahr verwandelt sich die große Halle in einen künstlerisch gestalteten Spielplatz der Künstler Sonia Kazovsky und Oded Rimon. Ein radikaler Schritt, um das Museum als „Ort für alle“ zu etablieren.
• Franz Marc (12.09.2026 – 24.01.2027): Die erste große Einzelschau seit über 20 Jahren zeigt den Weg des Mitbegründers des „Blauen Reiter“ von der Naturverbundenheit hin zur kubistischen Abstraktion.

K21 im Ständehaus: Gegenwartskunst und KI

Im K21 liegt der Fokus 2026 auf den Auswirkungen von Künstlicher Intelligenz und der Gestaltung unserer Lebensräume.

Highlights im K21:

• Grund und Boden (bis 19.04.2026): Eine Gruppenausstellung mit 34 Positionen (u.a. Beuys, Gursky), die ausgehend von der Parlamentshistorie des Hauses über Ressourcen und Gemeineigentum debattiert.
• Jon Rafman (30.05. – 27.09.2026): Der Wegbereiter der Internet-Ästhetik zeigt seine neuesten KI-Experimente und beleuchtet die Bildsprache digitaler Netze kritisch und euphorisch zugleich.
• Holly Herndon & Mat Dryhurst: Starmirror (26.06. – 11.10.2026): Eine immersive Klanginstallation, bei der Besucher Teil eines Datensatzes für einen „KI-Chor“ werden – basierend auf den mittelalterlichen Gesängen der Hildegard von Bingen.
• Thomas Schütte (14.11.2026 – 18.04.2027): Der international renommierte Künstler aus dem Rheinland bespielt das gesamte K21 mit seinen Architekturmodellen und Skulpturen – ein Heimspiel der Extraklasse.

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Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen hat die Preisträgerin des dritten K21 Global Art Award bekannt gegeben: Die brasilianische Künstlerin Tadáskía wird für ihr außergewöhnliches Werk geehrt. Ihre Kunst verwebt Zeichnung, Skulptur und Video zu einer einzigartigen Auseinandersetzung mit Identität und afro-transgender-kosmologischen Narrativen.

In Kooperation mit den Freunden der Kunstsammlung und ermöglicht durch die großzügige Unterstützung der Stiftung Reydan + Roger Weiss, wird der K21 Global Art Award im Jahr 2025 zum dritten Mal verliehen. Die Wahl fiel auf eine der derzeit einflussreichsten Stimmen der brasilianischen Kunstszene.

Zwischen dem Vertrauten und dem Kosmos

Tadáskía (*1993 in Rio de Janeiro) besticht durch ein multidisziplinäres Werk, das klassische Grenzen sprengt. In ihren Arbeiten nutzt sie eine Vielzahl von Ausdrucksformen:

• Medien: Zeichnung, Malerei, Skulptur und Video.
• Themen: Transformation, Selbstwahrnehmung und das Spannungsfeld zwischen dem Vertrauten und dem Fremden.

Besonders hervorzuheben ist ihre Arbeit an afro-transgender-kosmologischen Erzählungen. Tadáskía macht lebendige, aber auch vergessene Geschichten sichtbar und schafft so einen Raum für neue Perspektiven auf Identität und Spiritualität.

Der Preis und seine Bedeutung

Der K21 Global Art Award hat sich als wichtiges Instrument etabliert, um wegweisende internationale Positionen in Düsseldorf sichtbar zu machen. Die Auszeichnung unterstreicht den Anspruch des K21, globale zeitgenössische Diskurse zu fördern und Künstler*innen zu unterstützen, die gesellschaftliche und kulturelle Transformationen tiefgreifend reflektieren.

Mehr unter: www.kunstsammlung.de

Der Beitrag Brasilianische Visionen: Tadáskía gewinnt den K21 Global Art Award 2025 erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Zwischen Anspruch und Wirkung – Partizipation im Museum erforschen

Der Anspruch, Museen und Kultureinrichtungen partizipativer zu gestalten, ist in den letzten Jahren stetig gewachsen – doch welche Wirkung entfalten diese Formate tatsächlich? Die Jahrestagung 2025 nimmt die Erforschung partizipativer Prozesse in den Blick: Wie lassen sich ihre Auswirkungen auf Besucher*innen, Institutionen und gesellschaftliche Entwicklungen erfassen, bewerten und für die Weiterentwicklung musealer Praxis fruchtbar machen?

Mehr unter: besucherinnenforschung.de

Der Beitrag Netzwerk Besucher*innenforschung Jahrestagung 2025 (Tag 2) erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Zwischen Anspruch und Wirkung – Partizipation im Museum erforschen

Der Anspruch, Museen und Kultureinrichtungen partizipativer zu gestalten, ist in den letzten Jahren stetig gewachsen – doch welche Wirkung entfalten diese Formate tatsächlich? Die Jahrestagung 2025 nimmt die Erforschung partizipativer Prozesse in den Blick: Wie lassen sich ihre Auswirkungen auf Besucher*innen, Institutionen und gesellschaftliche Entwicklungen erfassen, bewerten und für die Weiterentwicklung musealer Praxis fruchtbar machen?

Mehr unter: besucherinnenforschung.de

Der Beitrag Netzwerk Besucher*innenforschung Jahrestagung 2025 (Tag 1) erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen wagt den Perspektivwechsel. Mit der neuen K20-Sammlungspräsentation Meisterwerke von Etel Adnan bis Andy Warhol (seit Juli 2024) zeigt das Haus, wie vielfältig und global Kunstgeschichte gedacht werden kann. Anstelle linearer Erzählungen treten transnationale, feministische und regionale Perspektiven – und eröffnen alternative Sichtweisen auf Meisterwerke des 20. und 21. Jahrhunderts.

Passend zu diesem programmatischen Neuanfang brachte das Symposium „Rethinking the Museum II“ am 26. und 27. Juni 2025 internationale Museumsdirektorinnen und Expertinnen nach Düsseldorf. Im Zentrum standen Fragen, die die Institution Museum im 21. Jahrhundert herausfordern: Wie lassen sich Sammlungen in Zeiten globaler Krisen neu erzählen? Welche Verantwortung tragen Museen für die Repräsentation marginalisierter Stimmen? Und wie können Häuser offen und relevant für ein diverses Publikum bleiben?

Die Diskussionen machten deutlich: Museen sind längst mehr als Orte des Sammelns und Bewahrens. Sie sind Foren gesellschaftlicher Auseinandersetzung und Räume, in denen Vergangenheit und Gegenwart miteinander in Dialog treten. Mit Projekten wie der Neupräsentation im K20 und Veranstaltungen wie „Rethinking the Museum II“ positioniert sich die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen als wichtiger Akteur im internationalen Museumsdiskurs.

Mehr unter: www.kunstsammlung.de

Der Beitrag Symposium: Rethinking the Museum II in der Kunstsammlung NRW erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Ausstellung entfaltet ein globales Netzwerk queerer Künstler*innen zwischen 1900 und 1950, das in Metropolen wie Paris, Berlin, London oder New York wirksam wurde. In acht Kapiteln zeigt sie vielfältige Perspektiven – vom „Modernen Arkadien“ homoerotischer Bildwelten über die „Sapphische Moderne“ der Pariser Salons bis hin zu queeren Lesarten der Abstraktion und künstlerischen Formen des Widerstands im Faschismus.

Künstler*innen wie Lotte Laserstein, Richmond Barthé, Romaine Brooks, Gerda Wegener, Toyen, Jeanne Mammen, Claude Cahun & Marcel Moore oder Hannah Höch & Til Brugman verdeutlichen, wie stark queere Lebensrealitäten und Bildsprachen die Kunst dieser Epoche prägten – auch wenn sie im Kanon oft verdrängt wurden. Der Epilog zeigt, wie die Repression der 1950er-Jahre queere Stimmen erneut in den Untergrund drängte, etwa bei Sonja Sekula oder John Cage, die mit Stille und Konzeptkunst subtile Protestformen entwickelten.

Queere Moderne macht sichtbar, was Quellen oft verschweigen: das Leben queerer Künstler*innen zwischen Anpassung, Tarnung und Selbstbehauptung. Zugleich zeigt die Schau die bleibende Aktualität dieser Fragen angesichts heutiger gesellschaftlicher Debatten um Vielfalt, Sichtbarkeit und Diskriminierung.

Kuratiert von Isabelle Malz und Isabelle Tondre (Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) gemeinsam mit Anke Kempkes (Gastkuratorin und Konzept).

Mehr unter: kunstsammlung.de

Der Beitrag Queere Moderne. 1900 bis 1950 | 27. September 2025 – 15. Februar 2026, K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen erschien zuerst auf museumsfernsehen.