Wie kann die Erinnerung an die Verbrechen des Nationalsozialismus bewahrt werden, wenn immer weniger Zeitzeuginnen und Zeitzeugen persönlich davon berichten können? Mit der Ausstellung „NIE WIEDER! Gegen das Vergessen der NS-Verbrechen“ widmet sich die Bundeskunsthalle in Bonn den Herausforderungen der Gedenkarbeit im 21. Jahrhundert. Historische Zeugnisse, zeitgenössische Kunst und mediale Arbeiten zeigen, wie Erinnerungskultur weiterentwickelt und das Wissen über die NS-Verbrechen für kommende Generationen erhalten werden kann.

Erinnerung an den Holocaust: Neue Herausforderungen für die Gedenkarbeit

Mehr als acht Jahrzehnte nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs steht die Erinnerungskultur vor einem tiefgreifenden Wandel. Die Zahl der Überlebenden des Holocaust und anderer Opfer nationalsozialistischer Verfolgung, die persönlich über ihre Erfahrungen berichten können, nimmt stetig ab. Damit gewinnt die Frage an Bedeutung, wie ihre Erinnerungen und die historischen Beweise der NS-Verbrechen langfristig gesichert werden können.

Die Ausstellung „NIE WIEDER! Gegen das Vergessen der NS-Verbrechen“ in der Bundeskunsthalle greift diese Herausforderung auf. Sie untersucht, wie authentische Zeugnisse, historische Tatorte und persönliche Berichte auch im digitalen Zeitalter bewahrt und vermittelt werden können.

Im Mittelpunkt steht die Bedeutung der Gedenkstätten, die bis heute Orte des Erinnerns, der Trauer, der historischen Forschung und der politischen Bildung sind.

NS-Gedenkstätten als Orte der Erinnerung und historischen Forschung

Ehemalige Konzentrationslager, Haftanstalten und andere Tatorte des nationalsozialistischen Terrorregimes gehören zu den wichtigsten historischen Zeugnissen der NS-Verbrechen. Ihre Erhaltung stellt Gedenkstätten vor besondere Aufgaben. Bauliche Überreste müssen geschützt, Dokumente archiviert und historische Zusammenhänge wissenschaftlich erschlossen werden. Gleichzeitig verändern sich die Anforderungen an die Vermittlungsarbeit. Neue Generationen begegnen der Geschichte des Nationalsozialismus zunehmend ohne direkten Kontakt zu Menschen, die Verfolgung und Gewalt selbst erlebt haben.

Die Ausstellung beschäftigt sich deshalb mit der Frage, wie Gedenkstätten ihre historische Authentizität bewahren und zugleich neue Formen der Bildungsarbeit entwickeln können. Dabei geht es auch um den verantwortungsvollen Einsatz digitaler Medien, die historische Informationen zugänglich machen und neue Möglichkeiten der Auseinandersetzung mit der Vergangenheit eröffnen.

Kunst als Mittel gegen das Vergessen der NS-Verbrechen

Einen besonderen Schwerpunkt setzt die Ausstellung auf die Rolle der Kunst in der Erinnerungskultur. Zahlreiche Künstlerinnen und Künstler haben sich in den vergangenen Jahrzehnten mit den Verbrechen des Nationalsozialismus, dem Schicksal der Opfer und den Spuren historischer Gewalt beschäftigt. Ihre Werke eröffnen unterschiedliche Zugänge zur Vergangenheit. Sie können persönliche Erinnerungen aufgreifen, historische Dokumente neu kontextualisieren oder die Grenzen der Darstellbarkeit von Gewalt und Leid thematisieren.

Die Bundeskunsthalle zeigt, wie künstlerische Ausdrucksformen die wissenschaftliche und dokumentarische Gedenkarbeit ergänzen können. Dabei steht nicht die ästhetische Darstellung der NS-Verbrechen im Vordergrund, sondern die Frage, wie Kunst zur kritischen Auseinandersetzung mit Geschichte beitragen und neue Perspektiven auf Erinnerung ermöglichen kann.

Historische Zeugnisse und digitale Medien in der Erinnerungskultur

Neben künstlerischen Arbeiten spielen historische Dokumente und mediale Werke eine wichtige Rolle. Fotografien, schriftliche Zeugnisse und andere überlieferte Materialien bilden die Grundlage für die wissenschaftliche Rekonstruktion nationalsozialistischer Verbrechen. Ihre Bewahrung und Einordnung sind entscheidend, um historische Fakten auch künftig nachvollziehbar zu machen.

Digitale Technologien eröffnen zusätzliche Möglichkeiten, solche Quellen zu dokumentieren, zu erschließen und einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Gleichzeitig entstehen neue Fragen nach Authentizität, Kontext und dem Umgang mit historischen Bildern und Berichten. Die Ausstellung nimmt diese Entwicklungen zum Anlass, über die Zukunft der Gedenkarbeit nachzudenken.

Bundeskunsthalle und Stiftung Gedenkstätten Buchenwald und Mittelbau-Dora kooperieren

Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit zwischen der Bundeskunsthalle und der Stiftung Gedenkstätten Buchenwald und Mittelbau-Dora. Die Stiftung betreut zwei zentrale Erinnerungsorte der nationalsozialistischen Verfolgungs- und Vernichtungspolitik. Beide Gedenkstätten verbinden die Bewahrung historischer Tatorte mit wissenschaftlicher Forschung, Ausstellungen und Bildungsangeboten.

Die Kooperation bringt museale und künstlerische Perspektiven mit der praktischen Erfahrung der Gedenkstättenarbeit zusammen. Ziel ist es, die gesellschaftliche Bedeutung dieser Erinnerungsorte sichtbar zu machen und die Diskussion über ihre zukünftigen Aufgaben zu vertiefen.

Erinnerungskultur und Demokratie: Warum Gedenken wichtig bleibt

Die Ausstellung „NIE WIEDER!“ versteht die Auseinandersetzung mit den NS-Verbrechen auch als gesellschaftliche Aufgabe der Gegenwart. Die historische Erinnerung an Verfolgung, Entrechtung und systematische Vernichtung ist eng mit Fragen nach Menschenrechten, demokratischen Grundwerten und gesellschaftlicher Verantwortung verbunden.

Dabei geht es nicht allein darum, historische Ereignisse zu dokumentieren. Die Ausstellung stellt auch die Frage, wie das Wissen über die Vergangenheit in einer sich wandelnden Gesellschaft vermittelt werden kann. Die Schirmherrschaft übernehmen Eva Umlauf, Präsidentin des Internationalen Auschwitz Komitees, und Wolfram Weimer, Beauftragter der Bundesregierung für Kultur und Medien. Mit der Verbindung von Kunst, historischen Zeugnissen und Gedenkstättenarbeit möchte die Bundeskunsthalle zur Diskussion darüber beitragen, wie das Erinnern an die Opfer des Nationalsozialismus dauerhaft gesichert werden kann.

Mehr unter: www.bundeskunsthalle.de/

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Der BONN SUMMIT bringt erstmals Akteurinnen und Akteure aus Kunst, Wissenschaft und Politik zusammen, um über die kulturellen Grundlagen Europas in Zeiten geopolitischer Machtverschiebungen zu diskutieren.

Mit Beiträgen von:

Oleksandra Matviichuk | Georg Häusler | Patricia Espinosa | Jennie C. Stephens | Elizabeth Larison | Jörg Lau | Claus Leggewie | Siri Hummel | Anna-Lena von Hodenberg | Dietmar Offenhuber | Christiane Lötsch & Jara Díaz Alberola | Albrecht Koschorke | Matej Drlička | Dominika Kasprowicz | Omri Boehm | Kumi Naidoo | Panel 1 | Panel 2 | Panel 3 | Panel 4 | Panel 5 | Panel 6

Ein Forum für drängende Fragen

Vom 16. bis 18. September 2026 versammelte die Bundeskunsthalle Bonn beim ersten BONN SUMMIT – European Forum on Culture and Politics Stimmen aus Kunst, Kultur, Wissenschaft, Politik und Zivilgesellschaft. Im Mittelpunkt stand eine Frage, die dringlicher kaum sein könnte: Wie verhält sich Kultur zu Politik in einer Zeit, in der geopolitische Gewissheiten ins Wanken geraten und demokratische Errungenschaften unter Druck stehen?

USA, Europa und die Verschiebung der Kräfte

Die erste Ausgabe des BONN SUMMIT richtete den Blick explizit auf die aktuellen Entwicklungen in den USA und fragte nach den Konsequenzen für Europa. Was bedeutet es für den alten Kontinent, wenn ein langjähriger Partner sich neu ausrichtet? Wie reagiert Europa auf den Aufstieg autokratischer und antidemokratischer Kräfte – im Westen ebenso wie im Osten? Und welche Rolle spielen dabei kulturelle Faktoren: gemeinsame Werte, kollektive Erinnerungen, moralisches Urteilsvermögen, Empathie und Gemeinsinn?

Kultur als politische Grundlage Europas

Der BONN SUMMIT geht von einer These aus, die in der politischen Debatte oft unterbelichtet bleibt: Der gemeinsame Boden, auf dem Europa steht, ist wesentlich kultureller Natur. Werte und Normen, Weltanschauungen und Menschenbilder, institutionelles Vertrauen und zivilgesellschaftliches Engagement sind keine schmückenden Beiwerke demokratischer Gesellschaften – sie sind deren Fundament. Gerät dieses Fundament unter Angriff, so die Überzeugung der Organisatorinnen und Organisatoren, ist das eine allgemeinpolitische Herausforderung, die kulturpolitischer Antworten bedarf.

Neue Allianzen, konkrete Strategien

Die Panels der Veranstaltung, deren Aufzeichnungen nun vorliegen, kreisten um konkrete Schauplätze kulturell codierter Konflikte – und um die Frage, wie neue Allianzen und wirksame Strategien aussehen können. Wie lässt sich künstlerische Produktion schützen? Wie institutionelle Unabhängigkeit verteidigen? Wie wissenschaftliche Forschung und wahrheitsorientierte Kommunikation stärken? Ziel des Forums ist es, nicht nur zu diagnostizieren, sondern Handlungsoptionen zu entwickeln und den demokratischen Kräften in einer offenen Gesellschaft neue Impulse zu geben.

Ein dauerhaftes Forum für Europa

Der BONN SUMMIT versteht sich als Auftakt – als Beginn eines dauerhaften öffentlichen Forums für den transdisziplinären Austausch über die Grundlagen und die Zukunft europäischen Zusammenlebens. Die Bundeskunsthalle positioniert sich damit als Ort nicht nur der Kunst, sondern des gesellschaftlichen Diskurses in einer Zeit, in der beides untrennbar miteinander verbunden scheint.

Die Beiträge und Diskussionen

Keynote: Oleksandra Matviichuk

Georg Häusler: Europe for Culture, Culture for Europe

Keynote: Patricia Espinosa

Jennie C. Stephens: Transformative Climate Justice: Co-creating Hopeful Futures for All

Elizabeth Larison: Protecting Artistic Freedom

Jörg Lau: Der Westen sind jetzt wir. Deutschlands Verhältnis zu den USA

Claus Leggewie: Wie man planetar denken lernt. Chancen eines planetarischen Konservatismus

Siri Hummel: Shrinking Civic Spaces

Anna-Lena von Hodenberg: Brandbeschleuniger Techplattformen

Dietmar Offenhuber: In Silico – From Synthetic Data to Synthetic Worldviews?

Christiane Lötsch & Jara Díaz Alberola: Re:Create Europe & Atlas of Artistic Freedom

Albrecht Koschorke: Europa nach dem Eurozentrismusm

Matej Drlička: European Artistic Freedom Act

Dominika Kasprowicz: Critical Infrastructure of Empathy

Omri Boehm: Peace as the Goal of Universalist Politics

Kumi Naidoo: Keynote

Panel: u. a. mit Oleksandra Matviichuk, Jörg Lau, Patricia Espinosa, Georg Häusler

Panel u. a. mit Ferenc Czinki, Marita Muukkonen, Carena Schlewitt, Jens-Christian Wagner

Panel: International Cooperation in Times of Geopolitical Tensions

Politische Stärkung kultureller Infrastrukturen. Panel mit Sven Lehmann, Markus Hilgert

Panel u. a. mit Omri Boehm, Marlen Meißner, Kumi Naidoo, Silke Weinlich

Panel u. a. mit Marion Ackermannn, Matej Drlička, Gitte Zschoch, Doris Rothauer

Mehr unter: www.bundeskunsthalle.de/bonnsummit

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]]> https://www.museumsfernsehen.de/kunst-zum-mitmachen-die-ausstellung-interactions-2026-in-der-bundeskunsthalle/ Wed, 13 May 2026 14:36:44 +0000 https://www.museumsfernsehen.de/?p=115105 Die Bundeskunsthalle in Bonn präsentiert mit der vierten Ausgabe von „Interactions“ ein Format, das den klassischen Kontext musealer Kunstbetrachtung bewusst aufbricht. Anstatt Distanz zu wahren, sind die Besucherinnen und Besucher […]

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Die Bundeskunsthalle in Bonn präsentiert mit der vierten Ausgabe von „Interactions“ ein Format, das den klassischen Kontext musealer Kunstbetrachtung bewusst aufbricht. Anstatt Distanz zu wahren, sind die Besucherinnen und Besucher eingeladen, die Werke aktiv zu nutzen und mit ihnen zu interagieren. Die Ausstellung bespielt dabei Orte, die normalerweise nicht im Fokus der Kunst stehen, vom Foyer bis hin zum markanten Dach des Gebäudes.

Sportliche Historie und skulpturale Wellen

Ein zentrales Werk der Schau ist die Installation Run Run Run. Sie verbindet autobiographische Bezüge mit Sporthistorie: Inspiriert von seinem Vater, einem Olympialäufer bei den Sommerspielen 1968 in Mexiko, verwendet der Künstler originales Tartan-Material in den Farben jener Ära. Der Grundriss einer Stadion-Laufbahn wurde eins zu eins über die Architektur der Bundeskunsthalle gelegt, wodurch sich dynamische Perspektiven über mehrere Ebenen hinweg ergeben – vom Dach bis tief in den Eingangsbereich.

Einen anderen physischen Zugang bietet die Arbeit Onda (portugiesisch für „Welle“). Die Skulptur erinnert in ihrer Materialität an klassische Parkbänke mit weißen Riemchen, folgt jedoch in ihren Proportionen exakt dem DIN-A4-Format. Wie ein riesiges, auf der Rasenfläche gelandetes Blatt Papier lädt sie zum Verweilen und Besitzen ein.

Sprache und Kommunikation als verbindendes Element

Ein Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf der Frage, wie Kommunikation trotz Hürden gelingen kann. Die Künstlerin Allete Kwis nutzt dafür beispielsweise Schaumküsse, die mit Begriffen in Brailleschrift (Blindenschrift) versehen sind. Dies kehrt die gewohnte Wahrnehmung um: Während Sehende zunächst keinen Zugang zum Inhalt haben, verstehen blinde Menschen die Arbeit sofort. Solche Momente provozieren den Austausch und stellen die Frage, wie wir zueinander finden können.

Auch die digitale Gegenwart wird thematisiert. Eine Bodenarbeit aus farbigem Kies greift das Symbol des „Warte-Cursors“ von Apple-Geräten auf. Dieses ikonische Zeichen der digitalen Arbeit wird in den analogen Raum übersetzt, wo es den Elementen und den Schritten der Passanten ausgesetzt ist. Durch das Begehen vermischen sich die Steine, das Bild löst sich auf und hinterlässt temporäre Spuren.

Globale Vernetzung im öffentlichen Raum

Die Ausstellung dehnt sich auch in den öffentlichen Raum und über nationale Grenzen hinaus aus. Eine originalgetreue Telefonzelle aus Peking ermöglicht es den Besuchern, Standorte weltweit anzurufen – etwa in London, Cairns oder Shanghai. Es entstehen zufällige Gespräche und ein direkter Austausch zwischen Bonn und der Welt.

Ergänzt wird dies durch das Langzeit-Fotoprojekt World Time Clock. Seit 2008 fotografiert der Künstler öffentliche Uhren weltweit zur exakt gleichen Zeit (05:21 Uhr). Die Serie suggeriert eine globale Gleichzeitigkeit und verbindet Orte von Anchorage bis Taschkent zu einem weltumspannenden Zeit-Moment.

„Interactions 2026“ zeigt eindrucksvoll, dass Kunst kein statisches Objekt sein muss, sondern ein lebendiger Ort der Begegnung, des Spiels und der globalen Kommunikation.

Mehr unter: bundeskunsthalle.de

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Die Bundeskunsthalle in Bonn widmet sich in ihrem Jahr der sozialen Nachhaltigkeit einem Gebiet, das fast so groß ist wie Europa: Amazonien. Die Ausstellung „Amazônia. Indigene Welten“ bricht mit westlichen Klischees und lässt die indigenen Völker selbst zu Wort kommen.

Die Ausstellung, die in Kooperation mit dem Musée du quai Branly in Paris entstanden ist, verfolgt ein klares Ziel: Einen zeitgenössischen Blick auf Amazonien zu werfen, der frei von kolonialistischen Perspektiven ist. Es geht um das Erkennen eines spirituellen, naturverbundenen Riesengebiets mit einer unendlichen Vielfalt an Lebensentwürfen.

Eine Reise durch fünf Kapitel der Erkenntnis

Die Schau ist in fünf thematische Abschnitte unterteilt, die den Besuchern die indigene Kosmologie näherbringen:

1. Plurale Welten: Im Gegensatz zur westlichen Vorstellung einer einzigen Welt, gehen amazonische Kosmologien von einer Pluralität der Welten aus. Gezeigt wird, wie diese Welten im Laufe der Geschichte transformiert wurden.
2. Die Erschaffung des Menschen: Dieser Bereich beleuchtet, wie Körper sozial konstruiert werden und was nach dem Tod geschieht. In der indigenen Vorstellung werden Menschen nach dem Ableben zu „etwas anderem“, für das die Gesellschaft neue Formen finden muss.
3. Beziehungen und das „Andere“: Hier wird die Frage gestellt: Wer ist für die indigenen Völker das „Andere“? Es geht um die Interaktion mit Geistern, Tieren, Pflanzen und auch mit der „weißen“ Gesellschaft.
4. Wissensschöpfung: Wissen entsteht in Amazonien nicht nur durch Beobachtung (ähnlich der westlichen Wissenschaft), sondern auch durch Träume, Visionen und die Kommunikation mit Geistern.
5. Plurale Zukünfte: Während die westliche Tradition oft von einem einzigen globalen Schicksal ausgeht, beschwört Amazonien eine Vielzahl möglicher Zukünfte herauf, die aktiv gestaltet werden.

Ein Dialog auf Augenhöhe

Ein zentrales Anliegen der Kuratoren ist es, einen horizontalen Dialog zwischen indigenen und westlichen Gesellschaften zu eröffnen. Lange Zeit wurde über diese Völker gesprochen und für sie entschieden; nun präsentieren sie ihre eigene intellektuelle und künstlerische Produktion, die oft eng mit zeitgenössischen globalen Fragen verknüpft ist.

„Amazônia. Indigene Welten“ zeigt die Schönheit und den Reichtum dieses Kulturraums jenseits der üblichen Katastrophenmeldungen und lädt dazu ein, von den indigenen Philosophien zu lernen.

Mehr unter: bundeskunsthalle.de

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]]> https://www.museumsfernsehen.de/peter-hujar-in-der-bundeskunsthalle-eyes-open-in-the-dark-ein-ungeschoenter-blick-auf-new-york/ Thu, 12 Mar 2026 11:20:24 +0000 https://www.museumsfernsehen.de/?p=113763 Die Bundeskunsthalle in Bonn widmet dem legendären US-Fotografen Peter Hujar eine tiefgreifende Retrospektive. „Eyes Open in the Dark“ zeigt das Werk eines Künstlers, der die New Yorker Underground-Szene der 70er […]

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Die Bundeskunsthalle in Bonn widmet dem legendären US-Fotografen Peter Hujar eine tiefgreifende Retrospektive. „Eyes Open in the Dark“ zeigt das Werk eines Künstlers, der die New Yorker Underground-Szene der 70er und 80er Jahre nicht nur dokumentierte, sondern sie mit einer radikalen Intimität und handwerklichen Perfektion einfing.

Peter Hujar (1934–1987) war eine zentrale Figur der New Yorker Kunstszene. Seine Fotografien sind heute historische Dokumente einer Ära vor der HIV-Krise – einer Zeit, die von sexueller Freiheit und einer intensiven, oft romantisierten Underground-Kultur im East Village geprägt war.

Intimität ohne Maske

Hujars Motivwahl war zutiefst persönlich. Er fotografierte Menschen aus seinem direkten Umfeld: Freunde, Bekannte und Liebhaber. Dabei war ihm eines besonders wichtig: Die Porträtierten sollten sich ihm vollkommen präsent zeigen, ohne eine „Maske“ für die Kamera aufzusetzen. Das Ergebnis sind Porträts und Akte, die eine außergewöhnliche psychologische Tiefe besitzen.

Ein Fotograf, der schwul war – nicht ein „schwuler Fotograf“

Hujar selbst legte Wert darauf, als Fotograf wahrgenommen zu werden, der schwul war, und nicht in die Nische eines „schwulen Fotografen“ gedrängt zu werden. Seine Arbeit war nie rein akademisch, sondern immer von einer tiefen persönlichen Bedeutung für das Motiv getrieben.

Magie in der Dunkelkammer

Neben seinem Auge für den Moment war Hujar ein außergewöhnlicher Drucker. Für ihn wurde die Bedeutung eines Bildes oft erst in der Dunkelkammer vollendet, wo er seine Aufnahmen akribisch nachbearbeitete und editierte. Ein Beispiel für diesen Prozess ist das berühmte Bild zweier Jungen in einem Auto, das seine Arbeitsweise perfekt illustriert.

Erfolg jenseits der Lebenszeit

Zu Lebzeiten blieb Hujar der große kommerzielle Erfolg verwehrt, was teilweise an seinem schwierigen Verhältnis zu Galeristen und dem Kunstmarkt lag. Dennoch wusste er, dass sein Werk eines Tages Weltruhm erlangen würde. Nach seiner AIDS-Diagnose konnte er nicht mehr selbst in die Dunkelkammer gehen; in seinem letzten Lebensjahr übernahm diese Aufgabe sein enger Freund und Wegbegleiter.

Schönheit gegen die Dunkelheit

Der Titel der Ausstellung, „Eyes Open in the Dark“, spielt auf die Fähigkeit an, auch in dunklen Zeiten – sowohl persönlich als auch gesellschaftlich – die Augen offen zu halten und Schönheit gegen den Widerstand der Außenwelt zu behaupten.

Mehr unter: bundeskunsthalle.de

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]]> https://www.museumsfernsehen.de/bundeskunsthalle-zeigt-grosse-wim-wenders-ausstellung-w-i-m-die-kunst-des-sehens/ Mon, 29 Sep 2025 12:30:29 +0000 https://www.museumsfernsehen.de/?p=109735 Zum 80. Geburtstag des international gefeierten Filmemachers und Künstlers Wim Wenders widmet die Bundeskunsthalle vom 1. August 2025 bis 11. Januar 2026 die große immersive Ausstellung „W.I.M. Die Kunst des […]

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Zum 80. Geburtstag des international gefeierten Filmemachers und Künstlers Wim Wenders widmet die Bundeskunsthalle vom 1. August 2025 bis 11. Januar 2026 die große immersive Ausstellung „W.I.M. Die Kunst des Sehens“. Konzipiert wurde sie gemeinsam mit dem DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum.

Wenders, bekannt für Werke wie Paris, Texas (Goldene Palme 1984), Der Himmel über Berlin (1987) oder die Musik-Dokumentation Buena Vista Social Club (1999), prägt seit über fünf Jahrzehnten das internationale Kino. Jüngst erhielt sein Film Perfect Days (2023) eine Oscar-Nominierung.

Die Ausstellung zeigt Wenders nicht nur als Filmemacher, sondern als vielseitigen Künstler. Neben seiner innovativen filmischen Erzählkunst werden auch Fotoarbeiten, Collagen, Zeichnungen sowie archivalische Materialien wie Produktionsunterlagen, Requisiten und Kostüme präsentiert.

Ein besonderes Highlight ist eine großformatige immersive kinematografische Installation, die Besucher*innen mit modernster Bild- und Tontechnik mitten in das Werk eintauchen lässt. Im eigens produzierten Audiowalk führt Wim Wenders persönlich durch die Ausstellung und gibt Einblicke in seine künstlerische Arbeit.

„W.I.M. Die Kunst des Sehens“ ist eine Kooperation der Bundeskunsthalle Bonn, dem DFF Frankfurt am Main, der Wim Wenders Stiftung Düsseldorf sowie weiteren Partnern.

Mehr unter: bundeskunsthalle.de

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Die Bundeskunsthalle eröffnet mit WEtransFORM. Zur Zukunft des Bauens ein internationales Ausstellungs- und Netzwerkprojekt, das den Auftakt zum „Jahr der ökologischen Transformation“ markiert. Die Ausstellung widmet sich aktuellen Visionen und konkreten Lösungen für nachhaltige Architektur und zukunftsweisende Stadtentwicklung in Europa.

Besucherinnen und Besucher erwarten wegweisende Projekte, die zeigen, wie Architektur auf den Klimawandel, Ressourcenknappheit und gesellschaftliche Herausforderungen reagiert. Themen wie die Revitalisierung von Bestandsbauten, klimaresilientes Bauen, Biodiversitätsförderung, zirkuläre Bauweisen und die Nutzung nachwachsender Materialien stehen im Zentrum der Schau.

Internationale Architekturstudios wie MVRDV (Rotterdam) mit innovativen Lösungen für steigende Meeresspiegel oder das Office for Political Innovation (Madrid) mit Strategien gegen Dürre zeigen konkrete Projekte. Auch Bauweisen mit Lehm (z. B. Anna Heringer, Laufen) oder Holz (z. B. Avanto Architects, Helsinki) werden beleuchtet. Forschungsinitiativen wie das NEST UMAR vom Karlsruher Institut für Technologie (KIT) oder der Hybrid Flachs Pavillon der Universität Stuttgart eröffnen neue Perspektiven auf zirkuläre und digitale Bauprozesse.

Die Ausstellung ist eine Initiative der Bundeskunsthalle, in Kooperation mit dem New European Bauhaus und transform.NRW, und versteht sich als Plattform für Austausch, Wissenstransfer und visionäre Zukunftsbilder des Bauens.

Mehr unter: bundeskunsthalle.de

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Die Bundeskunsthalle in Bonn verwandelt sich auch in diesem Sommer wieder in ein Spielfeld der Kunst. Unter dem Titel „Interactions“ öffnet sich das Haus mit zahlreichen interaktiven Angeboten sowohl im Innen- als auch im Außenbereich für Besucherinnen und Besucher jeden Alters. Familien, Freundeskreise und Kunstinteressierte sind eingeladen, aktiv an künstlerischen Interventionen teilzuhaben.

Der Auftakt des diesjährigen Programms fällt mit der traditionellen Öffnung des Dachgartens am 1. Mai zusammen. Im Zeichen des Themenjahrs der Nachhaltigkeit 2025 richtet sich der Blick verstärkt auf ökologische und gesellschaftlich relevante Fragestellungen. So präsentiert der Dachgarten nicht nur eine biodivers gestaltete Installation, sondern auch Werke, die auf kreative Weise Nachhaltigkeit mit Interaktion verknüpfen.

Der Außenbereich wird ebenfalls erweitert: Der Museumsplatz, die Südwiese, das Foyer und der Innenhof bieten Raum für eine Vielzahl von Kunstwerken, die bekannte Highlights ergänzen – darunter der beliebte Wasserpavillon Circular Appearing Rooms von Jeppe Hein und die rotierende Bonner Rutschbahn von Carsten Höller. Auch Temitayo Ogunbiyis organisches Klettergerüst You will follow the Rhein and compose play (playground) sowie Olaf Nicolais dreiteilige Torwand-Installation Camouflage/Torwand 1–3 [Croy, Kleff, Maier] bleiben als Teil des nachhaltigen Konzepts weiterhin zugänglich.

„Interactions“ steht damit nicht nur für Teilhabe und Spiel, sondern auch für künstlerische Positionen, die ökologisches Denken in den Mittelpunkt rücken. Die Bundeskunsthalle lädt ein zum Erleben, Mitmachen und Verweilen – den ganzen Sommer über.

Mehr unter: www.bundeskunsthalle.de/interactions2025

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Freiheit, Naturverbundenheit und gesellschaftlicher Wandel: Um 1900 kehrten junge Menschen bürgerlichen Zwängen, Kapitalismus und industrieller Lebensweise den Rücken. Sie gründeten Reformkolonien abseits der Städte, suchten ein alternatives Leben in Harmonie mit der Natur, geprägt von Spiritualität, Körperkultur und neuen ästhetischen Idealen.

Die Ausstellung „Behind the Art – Para-Moderne“ wirft einen intensiven Blick auf die Lebensreformbewegungen jener Zeit. Jugendstil und Expressionismus lieferten dabei neue Impulse für Kunst und Design. Parallel dazu veränderte sich auch die Alltagskultur: Vegetarismus, Freikörperkultur, alternative Pädagogik und neue Rollenbilder prägten das Lebensgefühl einer Generation – oft verbreitet über eigens geschaffene Medien.

Doch nicht alle Reformansätze blieben harmlos. Die Schau beleuchtet auch kritisch, wie einzelne Reformer*innen esoterische Weltanschauungen mit rassistischen und völkischen Ideologien verknüpften – ein Schatten der Bewegung, der nicht ausgeblendet wird.

Erstmals umfassend zeigt die Ausstellung zudem die Verbindungen zur amerikanischen Gegenkultur der 1960er-Jahre, zur Flower-Power-Bewegung und zur internationalen Wirkungsgeschichte der frühen Lebensreformer*innen.

Mehr unter: www.bundeskunsthalle.de/para-moderne

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Ihr Leben lang kreiste Susan Sontags Denken um das Sehen – und darum, was es bedeutet, gesehen zu werden. Früh erkannte sie die prägende Kraft der Fotografie in einer von Bildern überfluteten Welt. Bereits 1977 schrieb sie in On Photography, ihrem einflussreichsten Werk, dass Fotografieren weit mehr sei als bloßes Festhalten der Realität – es sei ein Akt der Aneignung, eine Form der Macht. Diese kritische Auseinandersetzung mit der Bilderflut wurde für sie zur lebenslangen Obsession.

Besonders in ihrem späteren Buch Das Leiden anderer betrachten (2003) verschärfte sie ihren Blick auf die Omnipräsenz von Kriegs- und Gewaltfotografien. Angesichts der globalen Medienlandschaft, die unaufhörlich Bilder des Grauens verbreitet, warnte Sontag eindringlich vor der Gefahr einer abgestumpften Gesellschaft – einem Publikum, das in der Flut des Schreckens die Empathie verliert.

Die Ausstellung Susan Sontag. Sehen und gesehen werden nimmt diese Gedanken zum Ausgangspunkt. Doch sie zeigt nicht nur die Essayistin als kritische Theoretikerin der Fotografie, sondern auch die politische Intellektuelle, die sich für queere Kultur einsetzte, gegen die Diskriminierung von HIV-Infizierten kämpfte und ihre eigene Krebserkrankung reflektierte. Als Filmkennerin und Regisseurin versuchte Sontag, dem Bild eine neue Sprache zu verleihen – und sich zugleich als unbeugsame Denkerin gegen gesellschaftliche Konventionen zu behaupten.

Eine Hommage an eine Frau, die nicht nur sah, sondern immer auch hinterfragte, was sie zu sehen bekam.

Mehr unter: www.bundeskunsthalle.de/susan-sontag

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