Schülerinnen und Schüler aus Willkommensklassen der Hans-Böckler-Schule haben im Ethnologischen Museum Berlin eigene Animationsfilme entwickelt – inspiriert von Weltkultur und persönlichen Erinnerungen.

Vom Museum in die Klasse – und zurück

Was haben ein Gegenstand von zuhause und eine ethnologische Museumssammlung miteinander zu tun? Mehr als man zunächst denkt. Im Juni 2026 machten Schülerinnen und Schüler aus Willkommensklassen der Hans-Böckler-Schule in Berlin genau diese Erfahrung. Ausgangspunkt des Projekts war die Dauerausstellung „Global Denken, Neues Wagen” im Ethnologischen Museum Berlin – und die ganz persönlichen Gegenstände, die die Jugendlichen selbst mitbrachten.

Persönliche Objekte als Brücke zur Weltkultur

Die mitgebrachten Dinge – Erinnerungsstücke, Alltagsgegenstände, Objekte mit Geschichte – bildeten den Anknüpfungspunkt für die Auseinandersetzung mit dem Museum und seinen Sammlungen. Nach einer Führung mit Kuratorin Andrea Scholz entwickelten die Schülerinnen und Schüler eigene Figuren und Geschichten, die das Gesehene mit ihren persönlichen Erfahrungen verweben. Aus der Begegnung zwischen Weltkultur und individueller Biografie entstanden drei eigenständige Trickfilme.

Scherenschnitt, Animation, Ton: Ein Workshop in vollem Einsatz

Die handwerkliche und künstlerische Umsetzung war dabei ebenso vielschichtig wie das Thema selbst: Die Jugendlichen gestalteten Scherenschnitte, animierten ihre Figuren, und nahmen schließlich die Tonspuren auf. Begleitet wurden sie von dem Ethnologen Harry sowie den Kunstvermittlerinnen Petra Kübert und Karolina, die den kreativen Prozess fachkundig unterstützten.

Premiere in der Schule

Am 6. Juli 2026 war es soweit: Die drei fertiggestellten Filme wurden in der Hans-Böckler-Schule vor Publikum präsentiert. Was als Museumsbesuch begann, mündete in eine kleine Premiere – und in Geschichten, die zeigen, wie viel künstlerisches Potenzial in Begegnungen zwischen unterschiedlichen Kulturen und Erfahrungswelten steckt.

Mehr unter: www.smb.museum/museen-einrichtungen/ethnologisches-museum

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Mehr als ein Jahrhundert nach seiner Entstehung erhält ein Gemälde von Max Slevogt (1868–1932) eine neue Identität. Die Alte Nationalgalerie führt das bislang als „Der Vater Bruno Cassirers auf dem Totenbett“ bezeichnete Werk künftig unter dem Titel „Louis Cassirer auf dem Totenbett“ (1904). Ausschlaggebend für die Neubewertung waren bislang nicht vollständig ausgewertete Quellen zur Entstehungs- und Provenienzgeschichte.

Die neuen Erkenntnisse gehen auf Stephan Kemperdick, Kurator an der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, zurück. Im Zuge der Vorbereitungen für die Ausstellung „Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka“, die ab Oktober 2026 in der Gemäldegalerie zu sehen sein wird, wurden historische Quellen erneut untersucht und die Geschichte des Gemäldes rekonstruiert.

Eine Notiz Slevogts liefert den entscheidenden Hinweis

Den entscheidenden Anhaltspunkt liefert eine bislang nur unvollständig ausgewertete Notiz in einem privaten Bilderverzeichnis Slevogts aus dem Jahr 1904. Dort vermerkte der Künstler eine „Porträtskizze nach Cassirer auf dem Totenbette“ und ergänzte den Eintrag mit dem Hinweis „an Frau Bruno Cassirer“.

Damit lässt sich das Gemälde zeitlich und familiär neu einordnen. Bei dem Dargestellten handelt es sich demnach um Louis Cassirer (1839–1904). Das Erinnerungsbild gelangte an dessen Tochter Else Cassirer, die mit dem Berliner Verleger Bruno Cassirer verheiratet war. Die neue Zuordnung erklärt zugleich, wie das Gemälde in den Besitz der Familie Cassirer kam.

Auch ein Vergleich mit zeitgenössischen Porträts spricht gegen die bisherige Identifizierung. Das Erscheinungsbild von Julius Cassirer, das unter anderem durch ein Porträt Max Liebermanns aus dem Jahr 1907 überliefert ist, stimmt nicht mit der Darstellung auf Slevogts Gemälde überein. Stilistische Merkmale des Bildes passen dagegen überzeugend in Slevogts Schaffen zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Von der Familiengeschichte zur NS-Raubgeschichte

Die Neubestimmung des Gemäldes ist nicht nur für die kunsthistorische Einordnung relevant. Sie führt zugleich tiefer in die Geschichte der Familie Cassirer, deren Mitglieder eine bedeutende Rolle im Berliner Kunst- und Verlagswesen spielten.

Das Gemälde befand sich ursprünglich im Besitz von Bruno und Else Cassirer. Als jüdische Familie wurden beide vom NS-Regime verfolgt. Nach ihrer Flucht aus Deutschland wurde ihr Besitz beschlagnahmt und 1944 versteigert. Über den Kunsthändler Wolfgang Gurlitt gelangte das Werk schließlich 1963 als Schenkung in die Nationalgalerie.

Die Provenienzforschung der Staatlichen Museen zu Berlin führte 2025 zur Anerkennung des Gemäldes als NS-verfolgungsbedingt entzogenen Kulturguts. Das Werk wurde an die Erben der Familie restituiert. Mit Unterstützung der Ernst von Siemens Kunststiftung konnte es anschließend für die Sammlung der Nationalgalerie erworben werden.

Die Geschichte des Gemäldes zeigt damit exemplarisch, wie eng kunsthistorische Forschung und Provenienzforschung miteinander verbunden sein können. Eine unscheinbare Notiz des Künstlers verändert nicht nur den Namen und das Entstehungsdatum eines Bildes, sondern eröffnet zugleich einen präziseren Blick auf seine familiäre und historische Geschichte.

Zu sehen in der Alten Nationalgalerie

Derzeit ist das Gemälde in der Ausstellung „Cassirer und der Durchbruch des Impressionismus“ in der Alten Nationalgalerie zu sehen. Noch bis zum 27. September 2026 widmet sich die Schau Paul Cassirer (1871–1926), einem der bedeutendsten Kunsthändler seiner Zeit.

Mehr als 120 Werke von Künstler des Impressionismus und der Klassischen Moderne – darunter Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Vincent van Gogh, Max Liebermann, Max Slevogt, Gabriele Münter und Ernst Barlach – veranschaulichen Cassirers Engagement für die moderne Kunst. Die neue Identifizierung des Slevogt-Gemäldes ergänzt diesen Blick um eine weitere Facette der Familiengeschichte.

Ab dem 16. Oktober 2026 wird das Werk anschließend in der Gemäldegalerie in der Ausstellung „Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka“ präsentiert. Dort tritt es in einen Dialog mit Bildnissen aus fünf Jahrhunderten.

Die neuen Forschungsergebnisse zu Slevogts Totenbildnis werden zudem erstmals ausführlich im begleitenden Ausstellungskatalog veröffentlicht.

Mehr unter: www.smb.museum

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Wie können koloniale Sammlungen zu Orten der Heilung werden? In seinem Projekt „Den Heilungsprozess nicht übereilen“ nutzt der ghanaische Künstler Samuel Baah Kortey ein zutiefst persönliches und zugleich politisches Thema – das Haar –, um Brücken zwischen Berliner Museumsobjekten und der lebendigen afrodeutschen Geschichte zu schlagen.

Als Fellow des CoMuse-Programms hat Kortey im Jahr 2025 die Bestände des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst in Berlin untersucht. Sein Ansatz: Er blickt nicht nur auf die Artefakte hinter Glas, sondern rückt die Menschen und ihre mündlichen Überlieferungen ins Zentrum.

Haar als Archiv menschlicher Erfahrung

Haar ist weit mehr als Ästhetik; es ist ein Träger von Identität, Kultur und Emotion. Kortey verknüpft in seinem Projekt visuelle Artefakte der Sammlungen mit modernen Tonaufnahmen und Erzählungen aus der Community:

• Multisensorisches Erleben: Das Projekt kombiniert Exponate mit Soundscapes, um Empathie zu wecken und eine Verbindung zu schaffen, die über das rein Visuelle hinausgeht.
• Fokus auf Oral History: Mündliche Überlieferungen der afrodeutschen Community werden zu zentralen Exponaten. Sie fordern das klassische, oft einseitige koloniale Erbe der Museen heraus.
• Geduld als Prinzip: Der Titel „Den Heilungsprozess nicht übereilen“ ist Programm. Er plädiert dafür, den schmerzhaften Prozess der Dekolonisierung mit der nötigen Tiefe und Sorgfalt zu behandeln, statt vorschnelle Lösungen zu präsentieren.

CoMuse: Museen neu denken

Das Projekt ist Teil der Initiative CoMuse – Das Kollaborative Museum. Hier experimentieren die Berliner Museen mit neuen Wegen der Forschung:

• Multiperspektivität: Künstler wie Kortey bringen Sichtweisen ein, die in der traditionellen Wissenschaft oft fehlten.
• Nachhaltige Diversifizierung: Es geht nicht um einmalige Ausstellungen, sondern um eine dauerhafte Veränderung der Museumspraxis.
• Bildung und Diskurs: Korteys Arbeit versteht sich als Impulsgeber für neue Bildungsformate, die komplexe historische Themen für ein breites Publikum greifbar machen.

Das nun veröffentlichte Video dokumentiert Korteys Reise durch die Archive, zeigt seine künstlerischen Herausforderungen und lädt das Publikum ein, Teil dieses wichtigen Heilungsprozesses zu werden.

Mehr unter: comuse.org/fellowships und www.smb.museum

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Das 1932/33 für das Ehepaar Karl und Martha Lemke errichtete Wohnhaus am Obersee in Berlin-Alt-Hohenschönhausen gilt als architektonisches Juwel: ein eingeschossiger, L-förmiger Bau mit weit geöffneten Fensterfronten, der sich harmonisch in den Garten einfügt. Der Entwurf spiegelt den Wunsch nach einem „kleinen, bescheidenen Wohnhaus“ wider, das den fließenden Übergang zwischen Innen und Außen betont – ein Leitgedanke, der Mies’ Architekturverständnis prägte.

Die von Mies van der Rohe und Lilly Reich entworfenen Möbel zeichnen sich durch klare Formen, edle Materialien und handwerkliche Präzision aus. Furnierte Hölzer, Glas, Stein und Metall verbinden sich zu einer sachlich-eleganten Raumgestaltung, die den Stil der 1930er-Jahre auf höchstem Niveau verkörpert.

Nach einer wechselvollen Geschichte – von der Enteignung 1945 über verschiedene Nachnutzungen bis zur denkmalgerechten Sanierung – gelangten die Möbel 1984 in das Kunstgewerbemuseum. Heute ermöglichen sie einen einmaligen Blick auf das gestalterische Gesamtkonzept, das die Moderne prägte.

Die Restaurierung der Möbel wurde durch die großzügige Unterstützung des Freundeskreises der Kulturstiftung der Länder und der Julius-Lessing-Gesellschaft e.V. ermöglicht.

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Angesichts zunehmender gesellschaftlicher Polarisierung und multipler Krisen betonten die Teilnehmenden die zentrale Bedeutung von Kultur- und Kunsterziehung für bürgerschaftliches Engagement und demokratische Teilhabe – wie sie auch von UNESCO und Europäischer Union hervorgehoben wird. Dabei rückten Fragen in den Fokus wie: Trifft das Phänomen der shrinking spaces auch kulturelle Räume? Wie können diese als Dritte Orte geschützt werden? Und wie gelingt es kulturellen Bildungseinrichtungen, Dialog, Begegnung und Vertrauen über gesellschaftliche Grenzen hinweg zu fördern?

Die Diskussion machte deutlich, dass Demokratisierung von Kultur und kultureller Bildung nur durch strukturelle Veränderungen gelingen kann. Erforderlich sind breiter Zugang, partizipative Entscheidungsprozesse und eine Koordination von lokalen, nationalen und europäischen Strategien. Die klassische Projektlogik stößt hier an ihre Grenzen – langfristige Beteiligungsstrukturen und verlässliche Fördermechanismen sind entscheidend.

Prof. Dr. Susanne Keuchel (Stiftung Genshagen) betonte:

„Angesichts des gesellschaftlichen Wandels bedarf es Transformationsanstrengungen, um breite Bevölkerungsgruppen für eine aktive kulturelle Teilhabe zu gewinnen. Mehr Transparenz, kommunale Vernetzung und Bürgerbeteiligung sind Schlüsselfaktoren für resiliente Kulturinstitutionen als Träger einer wehrhaften Demokratie.“

Prof. Dr. Patricia Rahemipour (Institut für Museumsforschung) ergänzte:

„Die europäischen Best-Practice-Projekte zeigen eindrucksvoll, wie Cultural Citizenship, Artistic Citizenship und Community Art demokratischen Dialog fördern und gesellschaftlichen Zusammenhalt stärken können.“

Die Tagung verdeutlichte: Eine zukunftsfähige, demokratische Kulturpolitik in Europa muss Bürger*innen stärker in Entscheidungsprozesse einbinden, um kulturelle Teilhabe als Grundlage eines resilienten, inklusiven Gemeinwesens zu verankern.

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Seit 2017 arbeitet das Ethnologische Museum Berlin eng mit der indigenen Oberschule ENOSIMAR (Escuela Normal Superior Indígena María Reina), dem dazugehörigen Community-Museum in Mitú sowie der indigenen Gemeinschaft Macucu in der kolumbianischen Region Vaupés zusammen. Ziel der Kooperation ist es, traditionelle kulturelle Praktiken zu bewahren und den Dialog zwischen Museum und Herkunftsgemeinschaften nachhaltig zu gestalten.

Ausgangspunkt der Zusammenarbeit war die gemeinsame Auseinandersetzung mit historischen Sammlungen des Ethnologischen Museums, die Objekte aus der Region Vaupés umfassen. Im Laufe der Jahre verlagerte sich der Fokus zunehmend auf die Wiederbelebung verschwindender materieller Praktiken und traditionellen Wissens.

Seit 2018 werden in Macucu regelmäßig Workshops zu Flechtkunst, dem Bau eines traditionellen Langhauses, Keramik sowie zum ökologischen Jahreszyklus durchgeführt. Diese Aktivitäten werden audiovisuell dokumentiert und zu einer Langzeitdokumentation zusammengeführt, die kontinuierlich erweitert wird – als lebendiges Archiv für die Gemeinschaft selbst und als Beitrag zur Sammlung des Museums.

Das Projekt steht beispielhaft für eine partizipative Museumsarbeit, die auf Austausch, Respekt und gemeinsames Lernen setzt.

Weiterführende Informationen finden sich auf der Website des Projekts “Das Kollaborative Museum”, einer Initiative des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst: comuse.org/projekt/macucu

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Der japanische Künstler Takehito Koganezawa bringt in seiner Arbeit Zeichnung, Video, Installation und Performance in einen experimentellen Dialog. Als CoMuse Fellow und Artist in Residence der Abteilung für zeitgenössische Kunst arbeitet er derzeit eng mit Kerstin Pinther, dem Ethnologischen Museum und dem Museum für Asiatische Kunst zusammen.

Unter dem Titel „Eins auf Zwei, Zwei aus Eins“ präsentiert Koganezawa eine Einzelausstellung, die zentrale Themen seines Schaffens sichtbar macht: Raum, Zeit und Wahrnehmung. Zu sehen sind unter anderem die Videoinstallationen „Double Sisters“ (2022–) und „Divided Brothers“ (2022–) sowie das neue Werk „Exquisite Corpse“ (2025), das in einem Workshop mit Studierenden der Weißensee Kunsthochschule Berlin entstanden ist.

Koganezawas Arbeiten verbinden surrealistische Bildwelten mit spielerischen Prinzipien, die Zufall und Spontaneität bewusst einbeziehen. Seine konzeptuelle Praxis zielt darauf, das Fließen der Zeit und die Flüchtigkeit des Moments erfahrbar zu machen – zwischen Bewegung, Stillstand und Transformation.

Weitere Informationen zu seiner Arbeit und dem Projekt finden sich auf der Website von „Das Kollaborative Museum“, einer Initiative des Ethnologischen Museums und des Museums für Asiatische Kunst.

Mehr unter: smb.museum

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lässlich ihrer Artist Residency von Oktober bis Dezember 2023 im Rahmen des Projekts „Das Kollaborative Museum“, hat die japanische Künstlerin Mio Okido unter anderem zu der Ausstellung „Japanische Malerei der Gegenwart“ in der Akademie der Künste Berlin im Jahr 1931 und neo-traditioneller japanischer Malerei (Nihonga) recherchiert und sich außerdem mit dem japanischen Imperialismus und Kolonialismus im 19. und 20. Jahrhundert auseinandergesetzt.
Mio Okidos zentrales Thema sind Konstruktionen von Erinnerungen. Hierbei interessiert sie vor allem, wie Texte, Bilder und andere Zeugnisse der visuellen Kultur, Monumente und (Erinnerungs-)Orte von Individuen, Institutionen und Staaten genutzt werden, um den jeweiligen Interessen dienliche Versionen von Geschichte(n) zu formulieren.

Mehr unter: comuse.org

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Yorleny Cardozo Peña ist Künstlerin und Kunstpädagogin aus San Agustín, Kolumbien. Mit dem Projekt „Protective Beings – The Superpowers of Nature” möchte sie Kindern in Berlin und Kolumbien nachhaltig ökologisches Bewusstsein vermitteln. Ein zentraler Aspekt ihrer Forschung ist die Entwicklung von Methoden, die Kinder befähigen, sich gegenüber dem Klimawandel und dem Artensterben nicht machtlos zu fühlen, sondern ihre eigenen „Superkräfte” zu stärken.

Im Rahmen des CoMuse-Stipendiums entwickelt Yorleny Cardozo Peña einen Schulworkshop in Form eines künstlerischen Forschungslabors. Die Teilnehmer lernen, wie vielfältig Lebensräume und ihre Lebewesen sein können, wie sie die kulturelle Identität prägen und wie abhängig wir voneinander sind.

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Yorleny Cardozo Peña is an artist and art educator from San Agustín, Colombia. In the project “Protective Beings – The Superpowers of Nature”, she aims to sustainably convey ecological awareness to children in Berlin and Colombia. A central aspect of her research is the development of methods to empower children not to feel powerless against climate change and species extinction, but to strengthen their own “superpowers”.

As part of the CoMuse Fellowship, Yorleny Cardozo Peña is developing a school workshop in the form of an artistic research laboratory. Participants will learn how diverse habitats and their creatures can be, how they shape cultural identity and how dependent we are on each other.

Mehr unter: comuse.org

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Der indische Künstler Baptist Coelho widmet sich in seiner aktuellen Arbeit einem nahezu vergessenen Kapitel der Geschichte: dem Leben indischer Soldaten, die während des Ersten Weltkriegs in deutschen Kriegsgefangenenlagern inhaftiert waren. Im Rahmen seines CoMuse-Fellowships erforschte Coelho die Schicksale dieser Männer und macht deren Erfahrungen in einer künstlerischen Auseinandersetzung sichtbar.

Nach dem Einsatz an der Frontseite der britischen Armee gerieten rund 1.000 indische Soldaten in deutsche Gefangenschaft. Sie wurden in die Lager Zossen („Weinberglager“) und Wünsdorf („Halbmondlager“) südlich von Berlin gebracht. Dort waren zwischen 1915 und 1917 neben indischen auch afrikanische und arabische Soldaten aus britischen und französischen Kolonialarmeen interniert.

Baptist Coelho nutzt dokumentarisches Material, persönliche Zeugnisse und künstlerische Installationen, um den physischen und psychischen Auswirkungen von Krieg und Kolonialismus Ausdruck zu verleihen. Seine Arbeiten hinterfragen dominante Narrative und rücken nicht erzählte Geschichten ins Zentrum – Geschichten von Verlust, kultureller Identität und Widerstand.

Mit seiner sensiblen Annäherung gelingt es Coelho, verdrängte Erinnerungen sichtbar zu machen und die Stimmen derer zu ehren, die bisher ungehört blieben. Seine Kunst verbindet historische Recherche mit einem tiefen humanistischen Ansatz – und lädt das Publikum dazu ein, Geschichte aus einer neuen Perspektive zu erleben.

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