Das Museum Frieder Burda in Baden-Baden präsentiert eine spektakuläre Großausstellung, die eines der faszinierendsten Genres der modernen Kunst feiert. Unter dem Titel „Wettstreit mit der Wirklichkeit“ tauchen Besucher in die Welt des Fotorealismus ein – eine Kunstform, die das Auge herausfordert und die Grenze zwischen Malerei und Fotografie verschimmen lässt.

Bis zum 2. August 2026 beherbergt das Museum Frieder Burda eine der umfangreichsten Retrospektiven zum Fotorealismus, die jemals im deutschsprachigen Raum zu sehen war. Mit insgesamt 95 Werken von 33 Künstlerinnen und Künstlern bietet die Schau einen tiefen Einblick in sechs Jahrzehnte künstlerischen Schaffens.

Einzigartige Leihgaben und verborgene Schätze

Neben acht bedeutenden Werken aus der hauseigenen Sammlung Frieder Burda ist es dem Museum gelungen, hochkarätige Leihgaben aus der ganzen Welt zusammenzutragen. Darunter befinden sich Stücke aus:

• Internationalen Museen: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid) und Whitney Museum of American Art (New York).
• Privatsammlungen: Werke aus 16 verschiedenen privaten Quellen, die der Öffentlichkeit normalerweise nicht zugänglich sind.

Kunst, die das Auge „einfängt“

Künstler wie Ben Johnson und Raphaella Spence beschreiben im Video die besondere Dynamik ihrer Arbeit. Es geht um Besessenheit, extreme Präzision und hunderte Stunden akribischer Arbeit, um den Betrachter förmlich in das Bild hineinzuziehen.

• Der Moment der Verbindung: Ein guter Fotorealismus zeichnet sich dadurch aus, dass der Besucher innehält, den richtigen Standpunkt sucht und sich emotional mit dem Werk verbindet.
• Ehrlichkeit in der Malerei: Ben Johnson betont, dass ein gutes Gemälde niemals „schummelt“ – es geht um Integrität, Bescheidenheit und Menschlichkeit in jedem Pinselstrich.

Mehr als nur Kopie: Ein Spiegel der Kulturgeschichte

Dr. Daniel Zamani, der künstlerische Direktor des Museums, hebt hervor, dass der Fotorealismus weit mehr ist als die reine Abbildung der Realität. Die Ausstellung zeigt eine enorme Vielfalt an Techniken und Motiven, die oft tief in der Kulturgeschichte verwurzelt sind und zum Träumen und Schwelgen einladen.

In einer Welt, die heute vom schnellen „Scrollen“ auf Bildschirmen geprägt ist, bildet der Hyperrealismus den bewussten Gegenpol: Er zwingt uns zum genauen Hinsehen und zum Verweilen.

Mehr unter: www.museum-frieder-burda.de

Der Beitrag Wettstreit mit der Wirklichkeit: 50 Jahre Fotorealismus im Museum Frieder Burda in Baden-Baden erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Ausstellung „Impressionismus in Deutschland. Max Liebermann und seine Zeit“ im Museum Frieder Burda widmet sich einer der bedeutendsten künstlerischen Bewegungen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts – und dem Künstler, der sie hierzulande entscheidend geprägt hat.

Max Liebermann (1847–1935) gilt als Pionier und Wegbereiter des deutschen Impressionismus. Seine lichtdurchfluteten Gemälde, modernen Alltagsszenen und stimmungsvollen Landschaften markierten den Aufbruch in eine neue Ära der Malerei. Liebermann führte das in Frankreich entstandene Prinzip des unmittelbaren Natureindrucks in die deutsche Kunst ein und beeinflusste damit eine ganze Generation von Künstlerinnen und Künstlern.

Mit 108 Werken aus über 60 internationalen Sammlungen präsentiert die Ausstellung ein faszinierendes Panorama dieser Bewegung – von den frühen Anfängen bis zu ihrer Blütezeit. Zu sehen sind Hauptwerke von Max Liebermann, Lovis Corinth, Max Slevogt und weiteren Vertreter*innen des deutschen Impressionismus, die auf je eigene Weise Licht, Farbe und Atmosphäre zu zentralen Ausdrucksmitteln erhoben.

Die Schau ist eine Kooperation mit dem Museum Barberini in Potsdam und steht unter der Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier. Sie verdeutlicht, wie stark der Impressionismus in Deutschland nicht nur künstlerisch, sondern auch gesellschaftlich wirkte – als Ausdruck von Modernität, Lebensfreude und Wandel.

Mehr unter: www.museum-frieder-burda.de/

Der Beitrag Impressionismus in Deutschland. Max Liebermann und seine Zeit im Museum Frieder Burda erschien zuerst auf museumsfernsehen.

t der Ausstellung Poesie des Lichts feiert das Museum Frieder Burda einen der großen Pioniere des Abstrakten Expressionismus: den Maler, Bildhauer und Fotografen Richard Pousette-Dart (1916–1992). Rund 140 Arbeiten aus sechs Schaffensjahrzehnten geben einen opulenten Überblick über das facettenreiche Werk eines der bedeutendsten Künstler der US-amerikanischen Nachkriegsmoderne.

Die Werkschau Poesie des Lichts ist eine Kooperation mit der Richard Pousette-Dart Foundation in New York und die bislang umfangreichste Ausstellung, die diesem bedeutenden Künstler der amerikanischen Nachkriegszeit außerhalb der USA zuteilwird. Ergänzt wird der Fokus auf Malerei durch eine sorgfältig kuratierte Auswahl an Skulpturen, Objekten, Zeichnungen und Fotografien. Zu den zahlreichen Highlights der Ausstellung gehören Meisterwerke des Abstrakten Expressionismus, die das Brooklyn Museum, das Museum of Modern Art und das Whitney Museum of American Art in New York zur Verfügung gestellt haben.

Mehr unter: www.museum-frieder-burda.de

Der Beitrag Poesie des Lichts. Richard Pousette-Dart im Museum Frieder Burda erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Wie spiegeln sich also Zeithorizonte und Lokalitäten – damals wie heute? Und wie verbinden sich die einst von den Kolonialmächten künstlich gezogenen territorialen Grenzen und die nachfolgenden Weltkriege mit den Krisen der Gegenwart? Die ideologische und politische Desillusionierung des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, die den Nährboden für Faschismus, Kommunismus und unzählige Konflikte legten, hallen weiterhin nach. Die Ausstellung Sea and Fog folgt diesen Verflechtungen und sucht nach Antworten, Schutz und Trost in den Werken der gezeigten Künstler*innen und in der Sprache Etel Adnans.

Ouassila Arras im Gespräch mit Sandeep Sodhi.

Für Sea and Fog hat die Künstlerin Ouassila Arras eine Mauer in die Kunsthalle gebaut. Das Werk mit dem Titel “Déplacement” beleuchtet die Geschichte von Migration und menschengemachten Grenzen sowie die emotionalen Spuren, die das Verlassen eines Ortes und das Ankommen an einem anderen Ort hinter-lassen. Das ortsspezifische räumliche Denken und das Errichten einer Mauer, die mehrfach versetzt wird, stehen hier als Metapher für die Resilienz und Überwindung von Hindernissen, denen Menschen mit Migrationsgeschichte fortlaufend ausgesetzt sind. Inspiriert von den Mauern, die sie in ihrer Heimat Algerien gesehen hat – unvollendete Strukturen, die radikale Trennungen markieren – errichtete Arras diese mit Henna überzogene Grenze, in der sie Elemente aus ihrer Familiengeschichte vereint und die gleichzeitig ein Ritual der Katharsis ist.

Mohammad Salemy im Gespräch mit Çağla Ilk.

Der Film des Künstlers Mohammad Salemy spielt im Hafen von Beirut. Zu sehen sind Männer, die von einem Container zum nächsten gehen. Die unheimliche Leere und die Masse an Containern vermitteln das Gefühl, dass etwas bevorsteht. Die Protagonist*innen sind zufällig hier, um einen Raubüberfall zu planen. Obwohl der Hafen kein abgelegener Ort ist und streng von der Zollbehörde überwacht wird, stellt sich im Verlauf des Films heraus, dass dies nur Schein ist. Mit seinem Werk zielt Salemy auf die Handlungen ab, die sich im Verborgenen abspielen. Er generiert eine fiktionale Erzählung und vermischt Realität mit abergläubischen (er selbst spricht von „hyper-abergläubisch“) Themen, die sich um den vermeintlichen Schmuggel von Bruegels verlorener Originalzeichnung der beiden Versionen des Turmbaus zu Babel, die normalerweise in Wien und Rotterdam aufbewahrt werden, ranken.

Sabelo Mlangeni im Gespräch mit Misal Adnan Yıldız.

Auch Sabelo Mlangeni arbeitet in seiner Werkserie “NGIYOBONA PHAMBILI” (2023) (“Danke im Voraus” in den Sprachen Zulu und Xhosa) mit dem Medium der Fotografie. Im Gegensatz zu Fusinatos Archiv widersprüchlich anmutender Bilder untersucht Mlangeni über seine Werke die vergessenen Geschichten der südafrikanischen Soldat*innen, die während des Ersten Weltkriegs an der Küste der Normandie für die Kolonialmacht Großbritannien kämpften. Mlangeni öffnet so Räume der Trauer und verleiht den verlorenen Stimmen aus den Schützengräben des Ersten Weltkriegs Gehör.

Nikola Bojić und Damir Gamulin im Gespräch mit Çağla Ilk

Am 10. März 2022 ist in der Nähe von einem Studentenwohnheim in Zagreb eine russische Rakete abgestürzt. Glücklicherweise gab es keine Verletzten. Der Absturz ist aber ein Rätsel: Die Rakete blieb zum Schluss unentdeckt. Die Installation “The Fall” untersucht die Spannung zwischen Stille und großer Lautstärke. Die Flugbahndaten der Rakete wurden in eine Tonspur umgewandelt. Diese Tonspur ist im Boden des Direktionszimmers der Kunsthalle Baden-Baden integriert.

Erinç Seymen im Gespräch mit Misal Adnan Yıldız.

Die Serien Gods and Disasters I-II (2022-2023)des aus Istanbul stammenden Künstlers Erinç Seymen, der sich seit langem im queeren Aktivismus engagiert, bieten kritische Perspektiven für das Verständnis komplexer Gesellschaftsschichten innerhalb der zeitgenössischen Bildproduktion über Zerstörung, Gewalt und Ungerechtigkeit. Seymen greift dabei auf die Illustrationen des Niederländers Pieter van der Aa aus dem 18. Jahrhundert zurück, der sein Leben dem Buchdruck und dem Verlagswesen gewidmet hat und fast dreitausend Atlanten und Karten hinterließ. In Seymens Stadtsilhouetten stechen sofort die Proportionen der proletarischen Arbeiter*innenfiguren hervor,die ein starkes Klassenbewusstsein verkörpern und an Kompositionen der jüngeren Filmgeschichte erinnern. Seymen nimmt Bezug auf die Verbreitung mehrsprachiger Bilder im Internetund kombiniert monströse imaginäre Motive,die Elemente der Populärkultur aufgreifen: Elm Street, Donnie Darko, Sesamstraße oder das Maskottchen von McDonald‘s.

Die Gruppenausstellung Sea and Fog, die vom gleichnamigen Buch der Künstlerin und Dichterin Etel Adnan (1925-2021) inspiriert wurde, möchte durch die Auseinandersetzung mit der Geschichte der Weltkriege und deren Auswirkungen auf die Gegenwart einen Raum für die vielschichtigen Wahrnehmungen der existenziellen Herausforderungen unserer Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft schaffen.

Mehr unter: kunsthalle-baden-baden.de

Der Beitrag Sea and Fog ist die Große Sonderausstellung der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Der Japaner Yoshitomo Nara (*1959) zählt zu den bekanntesten Künstlern seiner Generation. Mit den sogenannten „Angry Girls“ erlangte der Japaner Yoshitomo Nara internationale Bekanntheit: Seine stark stilisierten Mädchendarstellungen, die mit großen Köpfen und fesselnden Augen oftmals bedrohlich, trotzig und wütend oder auch melancholisch und unsicher wirken, sind zu seinem Markenzeichen geworden – und gelten heute als Ikonen der zeitgenössischen Malerei. Mit der Ausstellung „Yoshitomo Nara“ zeigt das Museum Frieder Burda anhand von Gemälden, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen aus vier Jahrzehnten die erste große Retrospektive des Künstlers in Deutschland.

Die Ausstellung entstand in enger Abstimmung mit dem Künstler selbst und ist eine Kooperation des Guggenheim Museum Bilbao, des Museum Frieder Burda, Baden-Baden, und der Hayward Gallery, London.

Mehr unter: www.museum-frieder-burda.de

Der Beitrag Yoshitomo Nara im Museum Frieder Burda erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Die Staatliche Kunsthalle Baden-Baden präsentiert den Online-Katalog des Projekts Conditions of a Necessity (2020-2022).

Das Eröffnungsprojekt der Direktor*innen Çağla Ilk und Misal Adnan Yıldız entstand im September 2020 als assembly, die sechs Klassen der bildenden Künste und zwei Theaterklassen aus ganz Deutschland zusammenbrachte.

Das Projekt wurde in der Folge um die Kunsttheoretikerin und Künstlerin Patricia Reed und den Künstler Egemen Demirci erweitert, die während der zwölfmonatigen Projektentwicklung mit den Künstlerinnen der verschiedenen Klassen als Vermittlerinnen und Kurator*innen auftraten.

Als Reaktion auf die Auswirkungen der Covid-19-Pandemie sowie die Absage der klasseninternen Kolloquien und Abschlussaufführungen, initiierte “Conditions of a necessity” eine zweiwöchige studioähnliche Zusammenkunft in digitalen und physischen Räumen. Auf Veranlassung der Kunsthallendirektion wurde so ein informeller Rahmen geschaffen, in dem nicht-individualistische Formen des Arbeitens, kollektiv bestimmte Formen der Organisation, der Kommunikation und der kollaborativen Entscheidungsfindung geübt werden konnten.

conditionsofanecessity.net bot zudem während der Lockdownphasen der Covid-19-Pandemie eine Plattform, über die u.a. Klassenkolloquien live auf twitch gestreamt und so künstlerisch-akademische Bildungs- und Austauschformate öffentlich stattfanden. Mehr als ein Jahr später, von Dezember 2021 bis Januar 2022, wurde Conditions of a Necessity als Höhepunkt der entwickelten Projekte in Form einer Ausstellung in die Staatliche Kunsthalle Baden-Baden zurückgebracht.

“Conditions of a necessity” war ein vielschichtiges künstlerisches, kuratorisches und akademisches Projekt, das sowohl die Voraussetzungen zeitaktueller Bildung, deren Machtstrukturen und Entscheidungswege mit zukunftsorientierten Methoden der Dezentralisierung, Kollektivierung und Kollaboration miteinander verwob, als auch physische und digitale Räume. Es muss damit auch als ein Vorzeigeprojekt musealer Digitalplattformen der Covid-19-Pandemie gelten.

Zwei Jahre nach Ende des Projekts ist nun das Archiv fertiggestellt. Die Kunsthalle Baden-Baden veröffentlicht daher den Projektkatalog in Form der Website conditions-of-a-necessity.net, die das Archivmaterial des Langzeitprojekts sowie zahlreiche Interviews und Essays enthalten wird.

Weitere Informationen: Staatliche Kunsthalle Baden-Baden

Der Beitrag Conditions of a necessity – Website Launch erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Unmöglich – oder nicht? ImPOSSIBLE zeigt, dass Kunst und ihre vielfältigen Ausdrucksweisen Phänomenen, die in der Realität eigentlich nicht möglich sind, eine Gestalt geben kann.

Die Ausstellung huldigt der Macht des Imaginären und präsentiert Kunstwerke, die das Unmögliche als alternatives Modell einer zunehmend trügerischen Realität vorstellen – Ironie und Humor nicht ausgeschlossen. Von Yves Klein über Sigmar Polke bis zu den großen Fotografen Jeff Wall, Thomas Demand und Andreas Gursky, von Anish Kapoor oder Peter Fischli und David Weiss bis hin zu jüngeren Positionen wie Alexandra Bircken oder Goshka Macuga: Die Schau geht zurück zu den Urgründen der Kunst und Bildfindung, zum Glauben an die Macht und Möglichkeiten der Kunst, die alles – Orte und Zeiten, die Proportionen der Dinge und ihre Zusammenhänge – verschieben und neu komponieren kann.

Mehr unter: www.museum-frieder-burda.de

Der Beitrag ImPOSSIBLE im Museum Frieder Burda erschien zuerst auf museumsfernsehen.

“In Remembrance” (2013) ist ein 16-mm-Ballett-Tanzfilm von Delia Gonzalez, begleitet von Musik, die die Künstlerin selbst komponierte. In ihren Worten: „Der Film soll das flüchtige Gefühl der Inspiration wiedergeben – dieses heilige Gefühl, wenn plötzlich der Kopf frei wird und man genau weiß, was man erschaffen und werden soll.“

Die Klavierpartitur wurde ursprünglich von einem Text von Henry Miller sowie einer Theorie des spirituellen Lehrers George Gurdjieff inspiriert, die besagt, dass „Tonleitern zu spielen bedeutet, mit dem inneren Selbst in Einklang zu kommen“. Dies deckt sich konzeptionell mit der Musik, die Delia Gonzalez zu dieser Zeit gemacht hat.

“In Remembrance” wird von zwei Tänzerinnen des Teatro San Carlo in Neapel performt und ist Teil des Performanceprogramms der Ausstellung “Auditions for An Unwritten Opera. Rund um die Werke von Mutlu Çerkez”, 14.07. – 08.10.2023, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden. Kuratiert von Misal Adnan Yıldız.

Weitere Informationen: www.kunsthalle-baden-baden.de

Der Beitrag Auditions for An Unwritten Opera – Delia Gonzalez – In Remembrance erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Im Rahmen von Space Synthesis launcht die Staatliche Kunsthalle Baden-Baden www.syntheticspace.de, einen neuen Webspace, der eine zusätzliche visuelle Ebene der Ausstellung von Jan St. Werner darstellt. syntheticspace.de übersetzt die Ausbreitung von visuell kaum wahrnehmbaren Soundpartikeln in den Ausstellungsräumen der Kunsthalle in ein visuelles System, das sowohl die Architektur als auch die Besucher*innen einbezieht und darstellt, wie diese die Ausbreitung von Soundpartikeln beeinflussen. Durch diese zusätzliche digitale Ebene werden Sound, Raum und Körper zusammengeführt.

Zur Finissage von Space Synthesis am 02.07. wird die Staatliche Kunsthalle Baden-Baden ein digitales Symposium veranstalten, dass den Hintergrund des Projekts tiefergehend diskutiert. Fragestellungen der Visualität, der Alghorithmizität, der Choreographie und aus der kritischen Datentheorie, die syntheticspace.de informiert haben, werden hierin tiefergehend diskutiert werden.

syntheticspace.de wurde konzipiert von Damir Gamulin und Nikola Bojić, in Zusammenarbeit mit Jan St. Werner, Çağla Ilk und Dominik Busch.

Nikola Bojić ist Designer, Forscher und Pädagoge und untersucht Beziehungen zwischen Raum, Technologie und Zukunft. Seine Projekte wurden international ausgestellt, unter anderem auf der Triennale di Milano, der Biennale di Venezia, der Taipei Biennal, im Moderna Museet, Stockholm, und im ZKM, Karlsruhe. Er war Gastdozent des ACT-Programms am MIT mit einem Lehrgang über die Politik techno-wissenschaftlicher Modellierung. Bojić veröffentlichte das Künstlerbuch The Excavations und verantwortete eine Ausgabe von The Life of Art Magazine, die sich mit experimentellen Kartografien befasste. Er lehrt an der Akademie der Künste in Zagreb, wo er die kollaborative kuratorische Plattform remote-lab initiierte. Er ist assoziierter Forscher am MIT und hat einen Master-Abschluss in Kunstgeschichte und Informationswissenschaften von der Universität Zagreb sowie einen postgradualen Master-Abschluss in Designstudien von der Graduate School of Design der Universität Harvard.

Damir Gamulin ist Designer und Forscher mit einem Hintergrund in Designstudien an der Fakultät für Architektur der Universität Zagreb. Wesentlicher Bestandteil seiner Arbeit sind Projekte basierend auf Designforschung. Diese umfassen Grafik-, Innenraum- und Architekturdesign, Museums- und Ausstellungseinrichtungen sowie digitales und interaktives Design. Diese Vielseitigkeit hat Gamulin zahlreiche Auszeichnungen eingebracht, seine Arbeiten wurden in renommierten internationalen Institutionen und regionalen Ausstellungen gezeigt. Fasziniert von der Überschneidung diverser Technologien, Fachgebiete und Maßstäbe, arbeitet Gamulin an Projekten zur Raumgestaltung, welche die Beziehung zwischen Raum und Wissen vermessen. In Einzelarbeiten und Kollaborationen entwickelt Gamulin innovative Methoden und digitale Werkzeuge für die integrierte Formatierung, Bearbeitung und Interpretation von physischen und konzeptionellen Inhalten und testet dabei ständig die Grenzen seines Fachs aus.

Mehr unter:

Der Beitrag syntheticspace.de – Digitales Gespräch in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden erschien zuerst auf museumsfernsehen.

Eine Ausstellung zu unserer Zeit. – Superman wird ausgebremst und fliegt gegen die Wand, eine überdimensionale hybride Häsin bietet mütterlichen Schutz, ein Seepferdchenpaar tauscht die traditionellen Geschlechterrollen und Leidenschaft schlägt Funken: Mit ausgewählten zeitgenössischen Werken von 31 Künstlerinnen verschiedener Generationen und kultureller Einflüsse widmet sich die Ausstellung im Museum Frieder Burda ausschließlich weiblichen Positionen und deren inhaltlich breitem Spektrum.

Weitere Informationen: Museum Frieder Burda

Der Beitrag DER KÖNIG IST TOT, LANG LEBE DIE KÖNIGIN. | Museum Frieder Burda erschien zuerst auf museumsfernsehen.